ARQUEOLOGÍA
RENACENTISTA
a) Italia renacentista
b) Arqueología renacentista italiana
c)
Arquitecturas renacentistas
italianas
d) Piezas
arqueológicas renacentistas italianas
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Ya en el
Trecento, algunas personas habían sentado precedentes de nuevas
modas que desde la literatura y talleres gremiales habían empezado a
surgir. En el mundo de la cultura, y sin precedente previo alguno, también vino
a consumarse el surgimiento de nuevas modas[1],
de la mano de:
-Cennini[2],
con rasgos de gestación de un nuevo naturalismo,
-Ghiberti
Con la llegada del
Quatrocentto y la generación de Brunelleschi[4],
Donatello[5]
y Masaccio[6],
Italia experimentó cómo un nuevo
estilo había
empezado a emerger, con los ingredientes de:
-nuevo
modo de entender el
mundo,
-optimismo en el hombre,
-confianza en la razón.
A este cambio en la práctica
arqueológica acompañó una modificación paralela de las teorías en que
aquella se apoyaba. Se trató, a forma de comienzos, de un naturalismo basado en
los nuevos medios de la perspectiva
y anatomía.
Pero donde quedaron plasmadas estas ideas de una manera más acabada fue, sin
lugar a dudas, en los escritos de León Battista Alberti, representante de una
doctrina, la “renacentista”, que abrazará todas las ramas de la actividad
humana.
León Battista
Alberti (Génova 1404-Roma 1472) fue sacerdote del Vaticano[7],
abogado[8],
matemático y arquitecto italiano. Fue criptógrafo, lingüista, filósofo y el primer arqueólogo en sentido
estricto y moderno.
Se
trata del primer
teórico del Renacimiento, figura emblemática en Italia[9],
buscador incansable de nuevas reglas sobre el cuerpo humano, inventor de la
perspectiva científica[10],
inaugurador de la arquitectura moderna.
Proyectó
numerosas
obras arquitectónicas por toda Italia[11],
trabajando para el papado de Roma, los Este de Ferrara, los Gonzaga de Mantua,
los Malatesta de Rímini, así como para la alta burguesía italiana y la clase
nobiliaria florentina.
Las ideas de
Alberti están íntimamente relacionadas con su concepción de la ciudad-estado
italiana. Para él, el interés público racional era la
forma suprema del bien: las leyes de la ciudad, la paz de la ciudad… con
firmeza, con el uso de la tortura.
En consecuencia, lo que había de interesar al “renacentista” era el ciudadano,
tanto el particular como el príncipe. Y lo que debía interesar al individuo
era el servicio a sus compatriotas, con la búsqueda sistemática de la virtud[12],
mediante la voluntad.
Alberti profesó la filosofía
pagana, compatibilizada con los dogmas cristianos, y a forma de
religión humanizada. Trató a los antiguos por encima de los contemporáneos,
pero sin obligación alguna de seguir sus preceptos.
Las ideas de Alberti
quedaron recogidas en su trilogía De
Pictura-1435, De Reaedificatoria-1450[13],
De Statua-1464. Su definición del sabio era la de “un hombre
comprometido en la tarea científica, con las matemáticas y la geometría, la
historia y los demás géneros, para mostrar la auténtica imagen de ese
momento”.
Pronto se percató Alberti
de que en Florencia todo era controlado por los Médicis, y de que los neoplatónicos,
bajo la dirección de Ficino[14]
y Mirandola[15],
dominaban la cultura y la Academia platónica. Y es que Alberti no simpatizó
nunca con el misticismo neoplatónico, sino con la vida
activa.
El Renacimiento[16]
supuso la 1ª vez en que Italia miró
hacia atrás:
-haciéndolo
cada uno a su manera,
-creando cada escuela su propia interpretación.
Se trató de una cultura, la
renacentista, que supuso[17]:
-el
nacimiento del estado local italiano,
-el desarrollo del individuo
-el resurgir de la Antigüedad clásica
-el descubrimiento del mundo a nivel cultural
Los antecedentes del
Renacimiento hay que buscarlos en el s. XIV, cuando las ciudades-estado
italianas empezaron a multiplicar las cortes locales, buscando cada una sus
intereses locales, culturales, literarios… y con una proyección hacia el
futuro.
Fue también fundamental para su despegue:
-la
introducción de la lengua
vernácula, aún siendo todavía oficial el latín,
-la proliferación de novedades
literarias, obra de Dante, Petrarca, Boccaccio…
-la multiplicación de gremios artesanales, y su individualismo profesional,
-las exigencias
comerciales de la época.
Con el Renacimiento, la perspectiva:
-lineal
empieza a racionalizar la visión, en una búsqueda de experimentación
continua,
-aérea empieza a desarrollarse de la mano de la geometría.
Se puede decir que, a
nivel general:
-el
Quatrocentto fue un laboratorio florentino de experimentos,
-el Cinquecento llevó a la cultura al idealismo del clasicismo.
b) Arqueología renacentista italiana
Mostró
principalmente 3 factores:
-Humanismo.
Fue el código de conducta del ciudadano, con teoría educativa sobre cómo tenía
que ser el hombre. Su centro de pensamiento fue el hombre clásico de Roma, y su
modelo Augusto, Cicerón, Quintiliano…
-Papel
del arqueólogo.
Es el momento en que surgen las biografías sobre arqueólogos[21],
sus comentarios[22]
y sus propios descubrimientos[23].
Empieza a aumentar, pues, la consideración del arqueólogo, y sus diferencias entre:
-arqueólogo
de corte, más cualificados[24]
y más reclamados por la burguesía,
-arqueólogo de gremio, con su trabajo mecánico y manual
-Papel
del mecenas. Que empieza a mostrar interés por la arqueología, como
medio de propaganda de su poder político. Hubo competición de mecenas entre sí,
y siempre existió en todos ellos el intento de mostrarse como el recogedor y
transmisor de la virtus romana clásica, dando ejemplo de ciudadano modélico.
La Antigüedad ya había
sido rescatada por la Iglesia y transmitida por ella misma a lo largo de 1.300 años.
Luego no se trató de una arqueología que partía de cero, sino de lo que había
transmitido la Iglesia. Eso sí, la Italia renacentista supo darle una nueva mirada, y entenderla con
una conciencia distinta.
Fueron 3 las formas con que
la arqueología renacentista miró la Antigüedad clásica:
-Imitatio y
Aemulatio. Consistía en imitar-copiar y emular-superar las obras
antiguas[26].
Y aquí radicó toda la interpretación arqueológica:
-más
filosófica en algunos lugares,
-más historicista en otros lugares.
La arquitectura y escultura
lo tuvieron más fácil en ese sentido[27],
mientras la pintura necesitó recurrir a los textos para intentar mantener la
fidelidad al espíritu clásico[28].
-Academias
platónicas renacentistas. Surgieron de la fundación de la Academia
platónica de Florencia[29],
y tuvieron a Plotino[30]
como su modelo.
-Filosofía
clásica, cristianizada. Utilizó la filosofía clásica[31]
para explicar las ideas cristianas[32].
Luego el arqueólogo debía estar inspirado por Dios.
Trataron de aplicar sistemáticamente un sistema de leyes
geométricas al problema de las representaciones arqueológicas:
-mediante
la matemática,
-mediante la geometría.
Se trató de dar una nueva perspectiva[33],
pero siempre como un redescubrimiento de lo clásico[34],
y no como evolución de lo medieval[35].
Por ello, podía construirse
un espacio
ficticio-ilusorio, pero éste tenía que:
-ser
convincente,
-no salirse de la superficie bi-dimensional,
-unificar todos los objetos en un único sistema espacial.
Como consecuencia, fue
generalizada en el Renacimiento la teoría
de las proporciones, por la que:
-el
ojo tiende a centrarse en el centro, dentro de una línea de horizonte, y a
forma de punto de fuga[36],
-a partir del punto de fuga se han de configurar las ortogonales, formando retículas
para la posición de cada objeto
Fue Botticelli
el principal impulsor de esta perspectiva[37],
tratando de:
-aplicar
la geometría euclidea a la visión[38],
-trabajar la línea, la superficie y el volumen.
Y Brunelleschi su principal
seguidor, con las 2 tablas que hizo sobre el Baptisterio y Plaza de la Señoría
de Florencia, cuando iba a construir la cúpula de la Catedral de Florencia, y
en un intento de hacer ver de los canónigos:
-la
perspectiva,
-la forma de espejo hacia el espectador,
-la silueta de los edificios sobre el cielo.
Ya tuvieron su primer intento de plasmación práctica con Brunelleschi,
cuando intentó representar en 1401-1409 y en 2 tablas de madera la Plaza del
Duomo y la Plaza de la Señoría de Florencia
Así como la ciudad griega había sido de planta hipodámica, y la romana
creada en torno al cardo y decumano… ahora
la ciudad renacentista se va a convertir
en:
-el
centro de la vida pública,
-proyección
y demostración del poder del príncipe,
-un
fondo sobre el que se van a representar distintas escenas escultóricas,
-producto
de las nuevas leyes de la perspectiva, estética e imaginación teórica.
Se trataba de compaginar:
-la
commoditas, o elemento funcional,
-la
voluptas, o belleza.
Su prototipo fue:
-Roma
cuadrada, para Alberti[39]
y la gran mayoría,
-un
foro romano circular, como modelo para circular en torno a él, para otros,
-Sforzinda,
de Antonio Berlino
b.4) Palacio renacentista italiano
No fue un mero castillo-fortaleza medieval, sino una edificación promocional,
administrativa y lucrativa de los nobles y grandes familias
comerciales.
Se trataba de “una ciudad
en pequeño”[41],
“una ciudad en forma de palacio”[42],
“un organismo
arquitectónico autosuficiente y polifuncional”[43].
Tuvo su punto de referencia
en el florentino Palacio Piti de Brunelleschi.
c) Arquitecturas renacentistas italianas
De 1420. Ya había empezado a ser estudiada desde 1417, decidiendo el colegio de
canónigos su encomienda a Brunelleschi en 1420, con todo tipo de maquinaria
inventada[44]
o necesaria para el caso[45].
Brunelleschi decide llevarla a cabo mediante el arco
apuntado ojival[46],
para repartir el peso y reducir la presión hacia fuera. Con una cimbra circular
como andamio, empieza a diseñar una cúpula[47]
de doble casquete[48]:
-de
28 nervios hacia dentro, y 8 hacia fuera,
-anclado
todo en una linterna
pesada,
-levantando
casquete a casquete mediante el aparejo
de espina de pez.
De 1444. Fue
construido por Alberti para Cosme de Médicis[49]
en pleno centro de Florencia, siendo comprado después por la familia Riccardi.
Copió
el estilo de Brunelleschi[50],
con planta rectangular y:
-patio
con columnata, como centro neurálgico,
-jardín
trasero enorme,
-arcos
de medio punto.
Su fachada consta de 3 pisos y uno 4º
para la cornisa superior, todos con bastimento rústico[51]:
-romano,
sin tallaje, rugoso y no liso ni pulido, en el 1º piso,
-rústico
suavizado, en el 2º piso,
-sin
almohadillado, en el 3º piso,
-clásica
corintia, en la cornisa superior.
De 1452. Construido en piedra caliza por Alberti en plena
efervescencia constructiva[52]
florentina, a petición y costeo del rico banquero florentino Rucellai[53].
Tiene 3 pisos:
-con
superposición de órdenes[54],
-con
una cornisa rematadora,
-separados
cada uno de ellos verticalmente por medio de pilastras adosadas
Enfatiza la bi-dimensionalidad, combinando
los vanos de las ventanas con los pilares, todo a forma de cuadrado.
De 1470. Fue rediseñada en mármol por Alberti respecto a la iglesia gótica
pre-existente desde el s. XIII, e introduciendo una fachada telón[56]
totalmente nueva.
Introduce
la policromía,
con mármoles en taracea[57]
y colores toscanos[58].
Tuvo como sustentación:
-6
arcos apuntados[59],
tratando de hacer un envoltorio,
-1
puerta, con molduras decorativas y milimetradas, y casetones clásicos
romanos.
Sigue el modelo del cuadrado[60],
que divide la fachada en 2 mitades en total armonía[61]:
-la
parte inferior[62],
más ancha que la superior,
-la
parte superior
c.5)
Templete San Pedro in Montorio de Roma
De 1502. Construido
por Bramante entre la necrópolis y circo de Nerón y la vieja San Pedro del
Vaticano. Fue encargado por el rey de España, en honor a la crucifixión de Pedro, a modo de arquitectura
conmemorativa[65].
De planta circular clásica, con
patio circular interior y con la idea de verse su interior desde el exterior[66].
Con columnata clásica, arquitrabe, tambor en la 2ª planta[67]…
y todo tipo de referencias
clásicas.
De 1506. Comenzó
a ser construida por Bramante con roca
travertina[68]
el 18 abril 1506[69],
bajo Julio II y sobre
3 capas inferiores: los restos de la tumba de San Pedro, grutas y
criptas[70]
y la vieja Basílica Constantiniana-326. Dividió el trabajo por equipos:
-de
arquitectura, al mando de Bramante y Rossellino,
-de
escultura, al mando de Bernini y Buonvicino,
-de
pintura, al mando de Rafael
Se trata de la interior planta
más grande del mundo, con 218 m. longitud x 136 m. altura, y una
superficie interna de 2,3 hectáreas, en la que se esparcían:
-el
altar mayor, junto a 45 altares más y 11 capillas artísticas,
-la
fachada principal, de 115 m. ancho, y 2 estatuas equestres
-el
ático, con esculturas de 5,7 m. altura y 6 campanas de 9 toneladas cada una,
-la
plaza de San Pedro, la Scala regia…
c.7) Otras arquitecturas renacentistas italianas
Destaca el Hospital de los Inocentes de
Florencia-1419 de Brunelleschi, para los niños abandonados de Florencia, con la idea de
hacer una fachada
porticada para la gigantesca plaza. Se trata de la máxima perfección
de proporciones[73]
y del arte racionalista[74],
permitiendo la fachada la máxima luz y el mínimo peso sustentante.
Destaca la Iglesia San Lorenzo de
Florencia-1423 de Brunelleschi, donde se vuelve al paleocristianismo
romano[75],
y empieza a tender a un modelo básico. Apuesta por el techo plano, arquerías
simétricas, líneas rectas, simetría casi de espejo.
Destaca la Iglesia Espíritu Santo de
Florencia-1436 de Brunelleschi, que da tratamiento[76]
a la planta de cruz latina como si fuera (por efecto óptico) una especie de planta centralizada romana[77].
Alargó las capillas
laterales por la cabecera, todo el exterior y la fachada[78],
con la idea de unificarlas mediante 4
puertas de entrada. Dotó de luz[79]
todo el conjunto.
Destaca la Capilla Pazzi[80] de Florencia-1440 de Brunelleschi, donde se introduce ya directamente la planta rectangular centralizadora, con 1 cúpula centralizadora[81] y 2 bóvedas circunstanciales de cañón. Desprecia el narthex, e introduce un ábside semicircular[82] de pies cuadrados[83].
Destaca el Templo San Francisco de
Rímini-1450 de Alberti, por encargo de Segismundo Malatesta y como capilla
funeraria paleocristiana[84].
Envuelve a forma de cáscara el edificio gótico anterior, con elementos
emuladores de los arcos del triunfo romanos[85].
Destaca la Iglesia San Andrés de Mantua-1470 de Alberti, encargada en ladrillo por Ludovico Gonzaga para guardar las reliquias de la sangre de Cristo, y albergar gran afluencia de peregrinos. De nave central impresionante, naves laterales de cañón no paralelas a la central, impronta etrusca y monumental, fachada de 4 altas pilastras, ombrelone superior[86] y cabecitas en el arquitrabe-cubrimiento.
Destaca la Villa Médicis de Poggio a Caiano-1480 de Giulano da Sangallo, en forma de villa romana[87] campestre. Con muralla exterior de 4 torres-fortaleza, une naturaleza y arte, e introduce el frontón clásico de los templos, a forma de sacralizar el campo. Incluye un salón abovedado.
Destaca el Palacio Ca’Vendramin-Calergi de Venecia-1481 de Mauro Codussi, para la familia Loredan. Con 3 pisos, arquitrabes, columnas, regusto gótico, pisos con ventanales de vidrio[88], loggia[89] abierta…
Destaca
el Palacio Strozzi[90]
de Florencia-1490 de Giulano da Sangallo, tras una planificación previa en
madera. Con 3
pisos y uno 4º de cornisa, almohadillado
rústico, plano y ausente en sus 3 niveles, arcos
de medio punto y capiteles.
Destaca
el Palacio Diamanti de Ferrara-1492 de
Rosetti,
en modelo florentino pero muy decorativo[91].
Con 2 pilastras y arquitrabe en la puerta central, arcos de medio punto y esquinas con balcón[92] y pilastras.
d) Piezas arqueológicas renacentistas italianas
De 1401. Completó los 28 paneles que habían sido
presentados para el concurso de la Catedral de Florencia-1401, y que el mismo
Ghiberti había ganado[93].
Fue encargada por el gremio pañero Arte de Calima a Ghiberti:
-sobre
escenas del AT[94]
fundidas en bronce dorado,
-con
cada escena enmarcada en un cuadrifolio
-con
composiciones relacionadas con el gótico
tardío.
Se trata de imágenes verticales, con curvas,
movimiento dinámico, perspectiva lineal, cierta difusión del horizonte, suelo
que sale hacia el espectador, arquitectura totalmente clásica, cabezas sueltas
que decoran los marcos, personajes clásicos y otros de la época…
De 1408. Hecho en mármol por Donatello para la Catedral de Florencia[96], con todo el significado[97] que eso tenía. Se trata de un David joven, totalmente anti-medieval, con la cabeza de Goliat a sus pies y una cinta original en la mano derecha, en la que estaban escritos los héroes de la patria.
d.3)
Figuras del Huerto San Miguel de Florencia
De 1413. Fueron hechas por Donatello para un edificio gótico cuadrado[98],
lleno de esculturas del s. XIV puestas encima de hornacinas de los muros, y que
constituía la sede y granero
de los gremios florentinos[99].
Destacaron las aportaciones de Donatello, con su:
-San
Marcos[100]-1413,
de 2,5 m. alto, encargado por el gremio de la lana, mostrando la sandalia
clásica, mirada
al frente, movimiento en reposo, contraposto[101]…
-San
Jorge[102]-1417,
en mármol, mostrando el orgullo de la juventud
caballeresca, que vive sus ideas, con mirada
idealizada en la eternidad. Está San Jorge en contraposto, con texturas
bien acabadas en mármol, relieve en la parte inferior y planos súper bajos.
De 1426. Llamadas así por el mismo Miguel Angel[103],
y calificadas de belleza
por el resto de artistas[104],
fueron esculpidas por Ghiberti en bronce
dorado perfecto para la Catedral de Florencia[105],
siendo la obra más importante de Ghiberti. Fue llevada a cabo con total libertad de ejecución, y trató
de distanciarse de la práctica y arte oficial de los gremios.
Contiene paneles[106]
sobre escenas del AT, que producen un gran efecto pictórico[107]:
-saliendo
más hacia el espectador, la parte inferior del panel,
-manteniendo
un cincelado más suave y difuso, la parte superior del panel.
Completan
los paneles los profetas
de los laterales, a modo exento.
Se trata de una narración histórica[108],
que utiliza Ghiberti para:
-evocar
las técnicas
pictóricas renacentistas,
-colocar
espacios
arquitectónicos, como telón de fondo digno para lo que hay delante.
Emplea
la perspectiva:
-lineal,
con 1 solo punto de fuga, en las losas del suelo,
-cuasi
aérea, con el fondo casi plano y las extremidades casi exentas
Rompe la teoría de las 10 figuras por escena, juega con la visión del espectador y trata de educar la manera de ver.
d.5)
Tuma Aragazzi de Montepulciano
De 1430. Esculpida
por Michelozzo en mármol de Carrara, por encargo de Bartolomé Aragazzi[110]
para la catedral de Montepulciano.
Con afán arqueologicista[111]
y realismo de las mascarillas romanas republicanas, representa las virtudes
teologales con gran expresividad, al igual que la recepción en el cielo a
Aragazzi, por parte de la Virgen y su familia.
d.6)
Tumba Bruni de Florencia
De 1444. Esculpida por Rossellino[112]
en mármol, por encargo de Leonardo Bruni[113]
para la Basílica Santa Cruz de Florencia.
Con afán centralizador en la esfinge central, deja sencillo todo lo demás[114],
incluido el arco superior[115].
Innovó las 3 bandas de colores[116],
y puso al difunto yacente sobre una losa sujetada por 2 águilas[117],
con libro en la mano y panel laudatorio[118].
De 1453.
Esculpida por Settignano[119]
en mármol porfírico blanco, por encargo de Carlo Marsupini[120]
para la Basílica Santa Cruz de Florencia.
Con sepulcro en forma de urna, y flanqueamiento de puti-niños en vez de
ángeles, muestra gran clasicismo[121]
y dinamismo, con texto laudatorio incluido.
De 1460. Esculpida por Rossellino[122]
en mármol porfírico rojo[123], por encargo de la familia del cardenal[124]
para la Iglesia San Miniato de
Florencia.
De gran unidad decorativa, bajo arco
hecho con profundidad
y rosetones, fondo combinado con el rojo[125],
y una cortina
que permite ver la escena.
Aludiendo a los viejos panteones
romanos[126],
introduce la iconografía
cristiana:
-centralizándolo
todo con la Virgen del fondo,
-continuando
la tradición de los ángeles adultos, adosados al sarcófago,
-continuando
la tradición de los niños
Destaca la Tumba Hilaria del Carreto de
Lucca-1406 de Jacopo della Quercia, para la Catedral de Lucca. En ella se muestra:
-sarcófago
exento
totalmente en mármol,
-severidad
y parquedad,
-los
modelos
yacentes romanos,
-el
inicio de la moda de ángeles
con guirnaldas
Destaca la Fuente Gaia de Siena-1409
de Jacopo della Quercia,
para la plaza del Campo de Siena[129].
En ella se muestra:
-forma
cuadrangular con 5
caños de agua,
-mezcla
de los paños
con los gestos,
-el
desnudo de 2
mujeres clásicas
-la
iconografía
cristiana
Destaca el Zuccone-1423
de Donatello, en
piedra, para el campanile de la Catedral de Florencia[132].
Muestra a un profeta
mortificado, inspirando su rostro en las mascarillas
funerarias romanas[133],
con niveles de incisión
increíble. Incluye gran desarrollo en los pliegues.
Destaca el Banquete de Herodes-1425 de Donatello, en bronce dorado para la fuente bautismal de la Catedral de Siena, mostrando el horror de la escena[134] y su consecuente explosión psíquica[135]. Rompe con el clasicismo idealista[136] y deforma las proporciones en pro de la expresividad[137], sensación de realidad y coherencia de sentimientos. Introduce, no obstante, elementos renacentistas, como la perspectiva clásica, los arcos de medio punto, el plegado de paños…
Destacan los Relieves de San Petronio
de Bolonia-1425 de Jacopo della Quercia, para la puerta de la Iglesia San Petronio de Bolonia. En ellos se muestra:
-escasa
pulición,
-búsqueda
de características
claras
-fondos
neutros
-dignidad
al desnudo,
y anatomía,
-efusividad
-labores
del trabajo de
la tierra,
-la
iconografía cristiana
Destaca el David palaciego-1428 de Donatello, en bronce clásico para el Palacio de los Médicis[145]. Muestra un David adolescente y desnudo, de 1,5 m, con curva praxiteliana, suavidad en la piel, contraposto del Doríforo, con la cabeza de Goliat a sus pies, piedra en la mano y casco desafiante. Llega al realismo desde el lirismo.
Destaca el Hércules y Anteo-1431
de Pollaiuolo,
en bronce y con aires
pictóricos[146].
En él se muestra:
-multiplicidad
de puntos
de vista[147],
-ruptura
de todas las reglas estatuarias
-movimiento
hasta la violencia
-la
anatomía
clásica en Hércules
-personajes
con energías
de una eléctrica escultura.
Destaca la Cantoría de la Catedral de Florencia-1431, de Luca
della Robbia, en mármol
para la entrada de la sacristía de la Catedral florentina[152].
En ella se muestra:
-más
clasicismo
que la Cantoría de Donatello[153],
-cantores
a lo largo de 2 pisos
-cierto
idealismo
augusteo
-la
elegancia
romana imperial
Destaca la Anunciación-1435
de Donatello, en
piedra caliza dorada y terracota
policromada para la Basílica Santa
Cruz de Florencia. Muestra la parte
más clasicista de Donatello, sin sorpresas ante el anuncio, con
humildad de María, equilibro María-libro, ángel reposado, serena comunicación…
Destaca el Gattamelata
equestre-1450 de Donatello, en bronce para la Plaza del Santo de Padua. Representa al serio Erasmo
de Narni[157],
en 3,5 x 4 m, de cara contenida, fuerte disciplina e individualismo. Sobre pedestal elíptico, muestra el dominio
del jinete y caballo[158]
sobre la naturaleza[159],
aunque sin llegar a la posición de corbeta.
Destaca la Magdalena penitente[160]-1453
de Donatello, en madera para el baptisterio de la Catedral de Florencia[161].
Plasma la etapa
más liberal y expresionista de Donatello. Muestra un cuerpo
anciano, vertical, musculoso, sin rasgos humanos, sin dientes, con
pelo asilvestrado.
Destaca el Judit y Holofernes-1454
de Donatello, en bronce[162]
para el patio del Palacio de los Médicis[163].
Muestra el gusto por los distintos
puntos de vista, y no sólo por el penitencial. Plasma una Judit
decidida, de 2,4 m, con rostro
tenso e impresionante, que sostiene la cabeza de Holofernes.
Destaca la Duda de Santo Tomás-1463
de Verrocchio, en bronce para el Huerto de San Miguel de Florencia[164].
En ella se muestra:
-una
obra monumental de 2m.
altura,
-una
diagonal
de fuera hacia dentro
-continuo
estado no estático
-el
centro en la llaga
de Jesús
-a
Tomás realista
Destaca la Fuente Putto con delfín de
Florencia-1470 de Verrocchio, en bronce para el Palacio Vecchio de Florencia. En ella se muestra:
-giro
ex-profeso[169],
-la
multiplicidad de los
puntos de vista,
-apariencia
de autenticidad
Destaca la Piedad-1499 de Miguel Angel, hoy en la Basílica San Pedro de Roma[171].
En ella se muestra:
-final
de la 1ª
etapa de Miguel Angel,
-riqueza
en las texturas,
-melancolía
y rostros clásicos,
-elegancia
contenida,
-exploración
de la piel,
en Jesús,
-superación
de las dificultades
clásicas
-simbología
de la muerte,
con la mano caída de Jesús.
Destaca el David-1504 de Miguel Angel, hoy en el Museo de la Academia de Florencia. En él se muestra:
-5,2
m. altura,
-superación
de todas las piezas clásicas,
-iconografía
clásica
-contraposto,
en pies,
-carga
emocional en todos los miembros
-partes
ideales
Manuel
Arnaldos
Mercabá,
diócesis de Cartagena-Murcia
más
información
Diccionario
Mercabá de Arqueología
Indice
general de Enciclopedia Mercabá de Historia
________
[1]
La moda de que el sabio era un individuo autónomo, que necesitaba conocer
todas las artes liberales y de la ciencia.
[2]
Continuador de las innovaciones geniales de GIOTTO, destacando su De
Artibus-1390, tratado en que abría un abanico de principios técnicos
a las nuevas generaciones que iban viniendo, ya en el mismo Trecento.
[3]
Fundador del primer gran taller cultural de Italia, educando allí a
DONATELLO, MICHELOZZO, UCELLO, MASOLINO, FILARETE… Sus postreros Comentarii-1453
introducirán una valiosísima autobiografía.
[4]
Arquitecto italiano, más conocido por su trabajo en la cúpula de la
Catedral de Florencia, de elevada matemática y perspectiva cónica.
[5]
Escultor italiano, más conocido por inventar la stiacciato
o escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo plano, a forma
de relieve aplanado.
[6]
Conocido por llevar a la práctica las leyes de la perspectiva
científica.
[7]
Trabajando exclusivamente para el papa (tras la llamada que le hizo el
papa veneciano EUGENIO IV) y su proyecto vaticano, de 1434 a 1443.
[8]
Cuya carrera de derecho había estudiado en Bolonia.
[9]
Bajo su lema, que llegó a hacerse famoso por toda Italia, de “quid tum”
(lit. y ahora qué).
[10]
En su De Pictura-1435.
[11]
Aunque siempre encargó su ejecución a otros, debida su escasez de
tiempo.
[12]
Famosas fueron sus constantes condenas sobre el lujo de la ciudad,
afirmando que éste era el origen por el que vendrían ocasionados todos
los vicios.
[13]
De 10 volúmenes y por orden del papa NICOLAS V, tras haber estado
circulando durante años en forma de manuscritos escritos a mano.
En
él se habla de:
-los
edificios públicos de la ciudad,
-la belleza en arquitectura, basada en las leyes naturales y principios
universales, y no dependiente del gusto individual,
-el objetivo de la arquitectura,
-la cocinnitas (lit. composición,
armonía) de las partes, relacionadas proporcionalmente,
-la preferencia por los templos paganos de planta centralizada, antes que
las iglesias medievales,
-la eliminación de la combinación columna-arco, pues el arco debería
estar sustentado por el muro (y no por elementos separados),
-la decoración escultórica o llena de cuadros en el interior, pero nunca
a base de frescos murales,
-el abovedamiento como forma de cubrición.
[14]
Sacerdote y filósofo neoplatónico, que fundó la Academia platónica de
Florencia, educando en ella a toda la prole de los MEDICIS y originando el
Renacimiento filosófico en Italia.
[15]
Filósofo y pensador italiano, y principal ayudante de FICINO en la
Academia platónica de Florencia.
[16]
Palabra inventada en el s. XIX para hacer referencia a la renovatio
de que se hablaba la época.
En
concreto, por:
-BALZAC,
al referirse a la cultura flamenca post-gótica,
-JACOB BURCKHARDT en su Cultura del
Renacimiento en Italia-1860.
[17]
Según JACOB BURCKHARDT.
[18]
Desde un concepto antropocéntrico, y no teocéntrico.
[19]
A forma de buscadores de tesoros, libros, ruinas…
[20]
Pues antes todo era plano y de oro litúrgico.
[21]
Como los Comentarii-1453
de GHIBERTI, importante autobiografía en la historia.
Especial
e importante será, posteriormente, la Vida
de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos-1550 de
VASARI, célebre por sus biografías sobre intelectuales italianos,
colección de métodos, rumores y leyendas recogidas.
[22]
Como los aportados por DANTE en su Divina Comedia.
[23]
Como los de BARTOLOMEO FACIO, FILIPPO VINARDI... De hecho, la imprenta
facilitó que los libros empezasen a publicarle sin control, pudiendo cada
escritor fijarse en lo que quería.
[24]
Momento en que entra en todos los niveles el conocimiento científico,
tras haberlo hecho antes en la arquitectura gótica.
[25]
Lo que les impedía entrar en el mundo de los caballeros, pues habían
trabajado con sus manos.
[26]
Como ya había enseñado ANGELINO ANGELINI, que en su Tratado de Arte enseñaba a:
-copiar
a los grandes maestros, pues algo se pegará (imitación),
-superar lo copiado (emulación).
[27]
Pues veían las obras arqueológicas que iban apareciendo.
[28] Como es el caso de:
-los
Diez
tratados de Arquitectura de MARCO VITRUVIO,
-la Historia Natural de PLINIO EL VIEJO (editada en latín-1469 y
toscano-1476),
-el Corpus Lucianeum de LUCIANO
DE SAMOSATRA… muy releído en el Renacimiento.
Es
en lo que consistió la exfasis,
o descripción de los cuadros a través de los textos.
[29]
Fundada en 1459 por el sacerdote MARSILIO FICINO, costeada por los
MEDICIS, y forjadora de los grandes talentos florentinos (BOTTICELLI…).
[30]
Fundador del neoplatonismo en el s. III (que muy poco después sería
cristianizado).
[31]
Los Diálogos y Banquete
de PLATON…
[32]
Siendo BOTTICELLI el primero que empezó esta moda renacentista. Así, por
ejemplo:
-Venus
podía servir para iluminar la belleza terrenal, a imagen de la celestial,
-la simetría clásica podía significar la perfección del universo,
-los desnudos podían mostrar la creación original de Dios…
[33]
Forma racional del espacio y de la vista.
[34]
Pues en la Edad Clásica la perspectiva significaba humanismo, sabiduría,
sistema único racional, y no conjunto relativo de sistemas. Se trataba de
una imagen espacial percibida por la vista, pero concebida por la mente.
De
ahí que cuando POLICLETO compuso su canon, pidió opiniones a todos al
respecto. Y al final mostró a todos:
-su
canon,
-la imagen que entre todos habían ido pactando (para gran risa de todo el
público).
Y es que, decían los griegos, la mente piensa lo que percibe. Luego la
reflexión se hace sobre el modo de ver a través del intelecto, y no a
través de los ojos. En Roma, por ejemplo, el Jardín de Libia del Museo
de las Termas ya incluía la perspectiva aérea, con elementos difuminados
al fondo.
[35]
Pues en la Edad Media la perspectiva significaba óptica, ciencia
de la visión.
[36]
Punto de fuga que el Barroco no pondrá en el centro, sino en la esquina
superior derecha, dejando vacío del resto.
[37]
Que llegó a definir como “la ventana a través de la cual el espectador
mira para ver el mundo de su interior”.
[38]
Donde el ojo del arqueólogo pasa a ser el único punto de vista,
el único que fija las proporciones del horizonte y del primer plano.
[39]
Que defiende las calles con rectas porticadas, curvas suaves, barrios para
nobles, zonas cultivables.
[40]
Que ideó este modelo de ciudad para FRANCISCO SFORZA y su ciudad de Milán,
con la plaza como centro neurálgico y albergadora de la catedral y palacio
real.
[41]
Como decía ALBERTI.
[42]
Como decía CASTELLONE.
[43]
Como se diría hoy en día.
[44]
Lo que hizo a BRUNELLESCHI ser conocido como el
Inventor.
[45]
Pues el diámetro del crucero era enorme. De ahí que dijera ALBERTI, una
vez finalizada la cúpula de Florencia, que ésta podía dar sombra a todo
el pueblo toscano.
[46]
Para intentar emular la cúpula del Panteón, y relacionar así a Florencia como la nueva Roma.
[47]
Cúpula acabada a la muerte de BRUNELLESCHI, y que sería rematada
con las pinturas de VASARI y ZUCCARO.
[48]
Lo que significaba hacer 2 cúpulas (1 más ligera sobre otra
interior), y no sólo 1, construidas sobre andamios circulares, y donde la
pesada linterna sostenía el peso.
[49]
Cuya familia ya poseía otro palacio, el Palacio Piti
de Florencia, como su buque insignia. De ahí que no les preocupara vender
posteriormente este palacio de MICHELOZZO a la familia RICCARDI.
[50]
Al que COSME DE MEDICIS no se atrevió a contratar para no dar la
imagen de tanta ostentación (pues acababa de volver de su destierro en
Venecia).
[51] Pero combinando perfectamente lo clásico, como arquitectura puramente renacentista.
[52]
Lo que hizo que ALBERTI, metidos en miles de proyectos simultáneos,
encargase la ejecución de obras a su capataz LEONARDO ROSSELLINO.
[53]
Gran
anti-MEDICIS y pro-STROZZI.
[54]
Inspirados en el Coliseum y Teatro
Marcelo de Roma, en que se
superponen el toscano, dórico, jónico y corintio.
[55]
A forma de entablamentos-arquitrabes, imitadores pero alteradores de los órdenes
clásicos.
Aquí hay que distinguir:
-los
pilares, cuadrados y sustentantes,
-las
columnas, circulares y decorativas.
[56]
Para no dar idea de lo que hay detrás.
[57]
Trabajo de incrustación, en que piezas cortadas de distintos materiales se
van encajando, hasta realizar el diseño.
[58]
Como es el caso del mármol blanco y verde, o las incrustaciones
bicolores.
[59]
Sobre 6 tumbas.
[60]
Siendo el ancho total = altura total, y el ancho del piso inferior el doble
que el del piso superior.
[61]
Aunque no con elementos simétricos perfectos.
[62]
Articulada por medio de columnas y pilastras.
[63]
Articulada por medio de 4 pilastras.
[64]
A forma de aletón, para cubrir la diferencia y unificar los 2 niveles.
[65]
No para usarse. Pues, de hecho, por dentro mide sólo 4,5 m.
[66]
De ahí que el palacio oscile entre arquitectura y escultura.
[67]
Emulando al Panteón de Roma, pues
no había problemas de peso.
[68]
La misma que la utilizada en la Roma antigua.
[69]
A la llegada de los papas a Roma, tras su destierro de 5 papados en Avignon.
Durando
los trabajos de Nueva Basílica hasta el 18 noviembre 1626, en que se
terminan todas las obras del Estado Vaticano, Palacio Vaticano, Museos
vaticanos, Biblioteca vaticana, Archivos Vaticanos, estancias y
prefecturas… y la Basílica papal, con las columnatas de BERNINI como
colofón final.
Pues
nada más que en Museos, el Vaticano contaba con: Museo Vaticano,
Museo
Egipcio, Museo
Etrusco, Museo
Griego, Museo
Clásico, Museo
de Medallas, Museo
Numismático, Estancia
de Constantino, Museo
Medieval, Museo
de los Mapas, Museo
Pío-Clementino, Museo Chiaramonti, Museo Misionero-Arqueológico,
Pinacoteca
Vaticana,
Colección
de Arte, Capilla Nicolina ,
Capilla
Paulina, Capilla
Sixtina,
Capilla
Oriental,
Aposentos
Borgia,
Estancia
de la Signatura,
Estancia
de Heliodoro,
Estancia
del Borgo,
Museo
Filatélico,
Museo
de Tapices, Museo de Carruajes…
[70]
Donde están enterrados los 265 papas de la historia.
[71]
Que tenía a su cargo a SIGNORELLI,
PERUGINO, BOTTICELLI,
ROSSELLINI,
GHIRLANDAIO, MIGUEL ANGEL, VAN
DER BROECK...
[72] El Constantino y el Carlomagno de BERNINI.
[73]
Donde, por ejemplo, el ancho del arco = al alto de las columnas.
[74]
De hecho, introdujo una arquería tan equilibrada y perfecta, que ni
siquiera llama la atención.
[75]
Reproduciendo toda la austeridad y grandiosidad de Roma.
[76]
Con la idea de unidad y centralidad en todo el proyecto.
[77]
Haciéndola el doble de ancha que de larga.
[78]
Aunque BRUNELLESCHI murió sin poder llegar a terminar el total de
capillas. Ni tampoco después se terminaron, ni se construyeron las 4
puertas de entrada que había planificado BRUNELLESCHI.
[79]
Para romper el espíritu e intensidad del gótico (que buscaba crear
sorpresas en el espectador), e infundir los nuevos espíritus renacentistas
a la obra.
[80]
Familia florentina que pidió hacer una capilla particular dentro de
la Basílica Santa Cruz de
Florencia para su propio culto, a forma de ponerse ella como mecenas de las
artes (y no sólo como donante). Sirvió para enterrar a sus muertos y
realizar liturgias privadas.
[81]
Sobre 4 pechinas, y edificada con pietra serena-piedra gris local (para hacer juego con el color
blanco de las pechinas).
[82]
Para simbolizar la esfera eterna divina.
[83] Imagen de lo humano y lo terreno.
[84]
Para enterrar a su familia y ensalzar su figura terrenal. No
obstante, hoy la obra está sin terminar, dado que MALATESTA murió en
combate en 1461, y se paralizaron las obras.
[85]
Como la gran cabecera, cúpula, arcos de medio punto, frontones
griegos…
[86] A forma de paraguas, para paralizar y obstaculizar la entrada de la luz.
[87]
La 2ª de las 3 formas de casas romanas (domus, villa, insula), en este caso
en el campo.
[88]
Material fácil de conseguir en Venecia.
[89] Galería de arcos en los patios renacentistas, en armonía con la naturaleza, y aún a pesar de poseer ventanales y cristaleras.
[90]
Familia banquera de Florencia, muy anti-MEDICIS.
[91]
Con formas de diamantes por toda la fachada.
[92] Similares a los balcones triangulares góticos.
[93]
Y donde había escrito en un epígrafe superior: OPUS LAURENTII FLORENTINIS.
[94]
Salvo las últimas 2 líneas de paneles, que debían representar:
-a
los 4 padres latinos, San Agustín, San Gregorio, San Ambrosio, San Jerónimo;
-a
los 4 evangelistas, Mateo, Marcos, Lucas, Juan.
[95]
Divididos por cuarterones-líneas
esculpidas.
[96]
Hoy está en el Museo Bargello de
Florencia.
[97]
DAVID en Florencia simbolizaba al pequeño que podía con el gigante, la
figura política que vencía a los enemigos que le rodeaban.
[98]
Hoy conocida como Iglesia Or
San Michele de Florencia.
[99]
De ahí la existencia de 14 nichos con elementos y esculturas totalmente
distintas (de las que participó también DONATELLO), las últimas 9 de las
cuales (de 1423) exaltando escenas guerreras (ante la amenaza del rey de Nápoles
sobre Florencia).
Nichos en los que había participado, antes de la llegada de
DONATELLO, el mismo NANNI DI BANCO (máxima promesa florentina, que murió
joven y con un par de obras nada más), sobresaliendo sus 4
Mártires-escultores, que supuestamente se habían negado a esculpir la
figura de Diocleciano.
Se trata, el 4 Mártires-escultores,
de una compleja composición, en la que los 4 van vestidos de romanos
republicanos realistas, muestran la vieja virtus
romana, y están hablando sobre su castigo por negarse a esculpir a
DIOCLECIANO. Incluye:
-señales
con el dedo,
-miradas
trascendentes,
-pedestal
en semicírculo, siguiendo la forma de los pies,
-parte
posterior con un paño que se pliega hasta a la túnica de los mártires y
las columnas exteriores.
[100]
Patrón de los pañeros.
[101]
2 pies separados.
[102]
Santo que murió mártir en Palestina, en un lugar donde lucha contra un
dragón que se comía a las doncellas, y al que vence con sólo mentar a
Jesucristo, por medio del cinturón de la doncella.
[103]
Al considerarlas como las más dignas de estar a las puertas del Paraíso.
[104]
Siendo ésta la 1ª vez que se utiliza esta categoría en el Renacimiento,
con independencia del tema.
[105]
Hoy en el Museo Opera del Duomo de
Florencia. Pues lo que aparece hoy en la Puerta Este del baptisterio es una
copia del original.
[106]
Pero no sobre cuadrifolio, por deseo personal de GHIBERTI, para dar
mayor espacio a las piezas narrativas.
[107]
Dado el relieve lleno de texturas y perspectiva.
[108]
Donde Rebeca está dando a luz en su cama, Esaú es enviado al campo con sus
perros, y Jacob recibe la bendición de Isaac ante la mirada atenta de
Rebeca.
[109]
Como las metopas del Partenón de
Atenas, que tenían los miembros casi quebrados.
[110]
Secretario del papa MARTIN V, gran erudito y experto en textos clásicos.
[111]
Pues estaba empezando a ponerse de moda la recolección de anticuarios y
detalles antiguos.
[112]
Bernardo di Matteo Gamberelli (Florencia 1409-Florencia 1464),
BERNARDO ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos
aprendices en las canteras de su padre.
[113]
Canciller de Florencia y gran abogado, al servicio del papa INOCENCIO VII en
diversos trabajos para el Concilio de Constanza-1411.
[114]
Salvo la Madonna con Niño y el León
Marzocco (símbolo de Florencia) del tímpano.
[115]
Emulador de los Arcos del triunfo de Roma.
[116]
Elemento muy repetido en adelante, en los elementos sobre tumbas en la
pared.
[117]
Por las victorias conseguidas por el canciller.
[118]
Sobre el dolor de las musas, por haber perdido a BRUNI.
[119]
Desiderio de Bartolomeo di Francesco (Settignano 1430-Florencia 1464),
DESIDERIO DA SETTIGNANO fue famoso por sus esculturas de niños (conocidos
como puti).
[120]
Canciller de Florencia, venido de la familia gobernadora de Génova, y de
gran altura intelectual.
[121]
Por sus roleos, hojas de acanto, patas de animal, la venera…
[122]
Antonio di Matteo di Domenico Gamberelli (Setignano 1427-Florencia 1479),
ANTONIO ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos
aprendices en las canteras de su padre.
[123]
Para aludir al poder de Roma.
[124]
Muerto con 27 años y príncipe de Portugal, que estuvo emparentado con
todos los nobles europeos.
[125]
Mediante la técnica del estofado,
o dorado al que luego se le unen las pinturas, con punzón.
[126]
Por la forma del sarcófago, y por la inspiración en las máscaras
funerarias (para dar suavidad al mármol y variación en los tonos-sombras).
[127] Uno llevando la corona de la vida eterna, y otro llevando la palma de la victoria.
[128]
Como motivo decorativo que se alargará hasta el Seicento.
[129]
Hoy está en el Museo municipal de
Siena.
[130]
La madre de Rómulo y Remo (Rea Silvia) y la pastora que los crió (Lupa).
[131]
La Virgen con niño, las 8 virtudes, la Creación de Adán, la Expulsión
del Paraíso.
[132]
Hoy está en el Museo Opera del
Duomo de Florencia (en la Plaza del
Duomo de Florencia, que recoge tan sólo las piezas de la Catedral de
Florencia).
[133]
Donde se resaltaba la virtus
romana en su máxima madurez (pues estaba ya muerta).
[134]
Horror por los planes de Herodías y su hija Salomé (que todavía
está bailando), horror de la cabeza del Bautista, y horror en Herodes y los
invitados.
[135]
Pues todos los personajes se echan para atrás.
[136]
Introduciendo la parte negativa y pathos del hombre.
[137]
Casi anti-renacentistamente.
[138]
No nítidas pero sí expresivas, como precedente de la genialidad de MIGUEL
ANGEL.
[139]
Con rocas neutras decorativas.
[140]
En la creación de Eva.
[141]
En el caso de:
-Adán,
que se pone de espaldas a Eva,
-Eva,
que quiere rechazar la manzana con una mano, y con la otra la coge.
[142]
Como es el caso de Dios Padre, dinámico a pesar de su enorme peso.
[143]
En la expulsión del paraíso, o en el ángel expulsador.
[144]
Como la Creación, el Pecado original…
[145]
Hoy está en el Museo Bargello de
Florencia.
[146]
Al tratarse de un tema de acción, basándose en su precedente pintura Trabajos
de Hércules.
[147]
Ya inventados por LISIPO en el s. IV a.C.
[148]
Que habían puesto en la estaticidad su criterio de composición. Con
POLLAIOLO, ahora será la acción el criterio de composición.
[149]
Inventando el concepto de libertad escultórica, para provocar movimiento en
cualquier dirección.
[150]
Clásico héroe de la Antigüedad, que con la piel del león de Nemea, había
tronchado a Anteo.
[151] Hijo de Poseidón y Gea, que vivía en Libia con aspecto de gigante, y que retaba a todos los viajeros que pasaban por allí (hasta que llegó Hércules en uno de sus trabajos, y lo tronchó).
[152]
Hoy, en el Museo Opera del Duomo
de Florencia.
[153]
Mucho más dramática y suelta en libertad compositiva, recogiendo las máscaras
romanas, palmetas griegas, dinamismo que llega al caos de los gritos
infantiles... Y que estaba justo enfrente de la de DELLA ROBBIA.
[154]
Donde aparecen los niños cantando un salmo (el mismo que aparece escrito en
los frontones), pero no gritando (como aparecía en la Cantoría
de DONATELLO).
[155]
Inspirado en el Augusto del Ara
Pacis de Roma.
[156] En las togas sinuosas (de sinus, lit. curva), pliegues caídos, anatomía bajo los pliegues…
[157]
Al que se le apodaba “el gato meloso”, justo lo contrario a lo
que DONATELLO muestra aquí.
[158]
Pues éste sostiene la bola del mundo bajo sus patas.
[159]
Pues la escultura está fuera de cualquier tipo de soporte arquitectónico.
[160]
Vestida con piel de camello y llorando en una cueva, según cuenta la Leyenda
Dorada-1250 del dominico SANTIAGO DE LA VORAGINE, y según recoge en sus
temáticas TIZIANO. Pues María Magdalena se había retirado a vivir a una
gruta para vivir en penitencia.
[161]
Hoy está en el Museo Opera del Duomo
de Florencia.
[162]
En bulto redondo.
[163]
Como fuente decorativa.
[164]
Hoy está en el Museo de Basílica Santa Cruz de Florencia.
[165]
Poniendo el pie de Tomás fuera del marco, y a Jesús subido a una tarima.
[166]
De ahí el poner a Tomás de lado (aún sin perder el equilibrio).
[167]
Que rompe el vestido de Jesús, y se pone en la diagonal descrita para que
pueda ser vista por Tomás y por el espectador.
[168]
Por sus rizos del pelo.
[169]
Sosteniendo el peso en la pierna izquierda, y girando su cabeza hacia la
derecha.
[170]
Nueva moda introducida en el Renacimiento por el gran VERROCCHIO,
introduciendo el movimiento ilusorio en las estáticas fuentes clásicas de
Roma.
[171]
Encargada por el francés cardenal VILLIES, para su propia tumba.
[172]
Creadas aquí ex-profeso, para dejar caer a plomo un cuerpo muerto en el
regazo de una mujer, sin aparentes dificultades.
[173]
Héroe desnudo.
[174]
En la cara, entrecejas, labios, narices… y en las poderosas venas de la
mano.
[175]
El cuerpo.
[176]
La mano derecha. Pues se trata de una mano potente y latente, que muestra
que algo le está pasando al personaje. Muestra así no lo ideal, sino lo
heroico y lo vulnerable.