BUENOS DIAS, QUERIDA DE LICHTENSTEIN

a) Arte pop
b) Pintura pop
c) Lichtenstein
d) Pintura de Buenos días, querida de Lichtenstein
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a) Arte pop

Nació en 1955 en Estados Unidos, como reacción al expresionismo abstracto norteamericano[1] y como arte que recogía los nuevos símbolos del país[2], así como la vida y objetos cotidianos y comunes de la sociedad[3].

Vivió el boom de los 60, en medio de una oleada de prosperidad económica que hacía que la gente olvidara la posguerra y se ilusionara en un mundo maravilloso, en que todo el mundo era feliz y capaz de consumir.

Creó división de opiniones. Pues para muchos supuso un movimiento atrayente[4] y cercano[5], pero para otros supuso:

-una tomadura de pelo, respecto a la gente común y sus vidas privadas,
-rebajar la cultura artística, a lo más barato de la sociedad.

Su término proviene de la abreviatura inglesa pop utilizada por Alloway, director del Museo Guggenheim de New York, al hablar del nuevo estilo del Popular Art.

Recibió influencias de:

-los neodadaístas, que habían empezado a hacer fotomontajes con imágenes banales,
-la publicidad, que prometía que todo podía ser posible.

         Ejerció influencias sobre:

-el arte conceptual, de Bárbara Kruger[6],
-la escultura contemporánea, de Jeff Koons
[7].

Hubo 2 tipos de Arte pop:

-populismo norteamericano, donde destacaron Warhol, Lichtenstein y Oldenburg,
-populismo británico, donde destacaron Hamilton y Hockney.

b) Pintura pop

Se trata de una pintura formalista y fría, que rehuye la expresión íntima de los artistas, elimina las emociones personales y desprecia cualquier vestigio de pensamiento humano. No va dirigida directamente al pueblo, sino que toma del pueblo sus temáticas.

Impone una estética común en el arte y en la calle, pero de forma trivial, reflejo de la ciudad y ajena a la naturaleza.

Muestra un talante optimista, vital, sobre un mundo feliz y libre en que todo es posible, y un futuro todavía más prometedor. Trata de hacer ver que cualquiera es capaz de cualquier cosa, incitando a que todos intenten hacer de todo.

Utiliza los nuevos materiales de los años 60, tales como pinturas acrílicas, plásticos, fotografías, colores fluorescentes, pinturas metálicas... todos ellos no habituales para la pintura de caballete, sino para la calle y la ciudad[8].

Opta por composiciones adaptadas a los diseños comerciales, con bordes marcados para carteleras, murales, revistas, diarios...

Difumina la línea entre las bellas artes y el diseño, como forma de reivindicar una nueva forma de comunicación artística.

c) Lichtenstein

Pintor norteamericano, Roy Lichtenstein (1923-1997) fue el gran diseñador gráfico del arte del cómic, tras haberse doctorado en Bellas Artes bajo la especialidad de expresionismo abstracto.

Desarrolló su vida laboral como profesor en la universidad de Ohio. En 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los papeles de envolver chicles, y a partir de 1961 se dedicó a producir viñetas de cómics mediante imágenes comerciales de producción masiva. Contó con un estudio lleno de libros, revistas, recortes y anuncios.

Su obra pictórica consistió en ampliar dibujos animados a mano, y con la misma técnica de puntos y colores brillantes que se utilizaban para imprimirlos. Utilizó colores primarios en mate[9] y los negros en brillante. Muestra gran virtuosismo a la hora de trabajar[10], manteniéndose él al margen de la obra. Aplicó un lenguaje irónico e impersonal, grandes formatos e imágenes vulgares de:

-personajes populares del cine, radio, televisión, música y espectáculos,
-elementos banales de la sociedad de consumo, publicidad y realidad cotidiana.

d) Pintura de Buenos días, querida de Lichtenstein

        Fue pintada por Lichtenstein en 1964.

        Se trató de un cómic comercial, centrado en las chicas rubias y perversas y la guerra heroica.

        Marca una escenografía a la que el espectador está acostumbrado, aplicándole una gran capacidad narrativa.

        No deja un solo punto sin unificar, importándole más que los personajes transmitan sus sentimientos a que representen un papel.

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[1] Como defendía BERG, al concluir que “los artistas pop hicieron imágenes que cualquier persona de la calle podía reconocer en un segundo… y todas aquellas cosas fantásticas de la modernidad que los expresionistas abstractos se esforzaron tanto por no advertir en absoluto”.

Y es que si el Arte expresionista abstracto se preocupaba por el hombre y resaltaba sus sentimientos interiores, subrayaba la subjetividad del artista y acababa aproximándose a los burgueses americanos… el Arte pop optó por preocuparse por los objetos y su utilidad superficial, subrayando la objetividad de la pieza artística y aproximándose a las clases bajas.

[2] Como defendía WARHOL, que concluía que “cuando adquieres pop ya nunca más puedes ver un signo de la misma manera. Y cuando has pensado de forma pop, nunca más puedes ver a los Estados Unidos de la misma manera”.

[3] Tales como propaganda publicitaria, bienes de consumo, celebridades famosas, tiras de periódicos…

[4] Sobre todo para las clases elitistas, que llegaron a subastar el Coca-Cola IV por 31 millones $.

[5] Sobre todo para las clases bajas, que vieron un arte próximo a su verdadera realidad.

[6] Que en su Untitled utilizó la iconografía de la bandera de EE.UU, pero incluyendo un texto.

[7] Autor de numerosas esculturas divertidas que decoraron las ciudades de EE.UU.

[8] Pudiendo adaptarse a las paredes, farolas, asfalto…

[9] Tales como el blanco, negro, azul, amarillo y rojo, casi siempre inspirándose en la pintura mural egipcia.

[10] Dibujando el boceto en un papel y pasándolo luego a un cartón grande (donde marcaba las líneas negras de contorno con cinta adhesiva). Tras lo cual pasaba el dibujo a la parte trasera del lienzo (para que se transparentara lo que había debajo), tras haber aplicado a la tela una imprimatura blanca. Tras haber proyectado el collage sobre la tela, repasaba con óleo el negro y con técnicas magras los colores primarios, y empezada a colorear los puntos a distancia.