ESCULTURA
RENACENTISTA
b) Características
de Escultura renacentista
d)
Donatello
e) Della Quercia
f) Della Robbia
g)
Verrocchio
h) Pollaiolo
i)
Tumbas renacentistas
____________________________________________________________
Ya
en el Trecento, algunas personas habían sentado precedentes de nuevas
modas que desde la literatura y talleres gremiales habían empezado a
surgir. En el mundo del arte, y sin precedente previo alguno, también vino a
consumarse el surgimiento de nuevas modas[1],
de la mano de:
-Cennino
Cennini[2],
con rasgos de gestación de un nuevo naturalismo,
-Lorenzo
Ghiberti[3],
con una nueva sensibilidad hacia la Antigüedad.
Con la llegada del Quatrocentto y la generación de Brunelleschi[4],
Donatello[5]
y Masaccio[6],
Italia experimentó cómo un nuevo
arte había empezado a emerger, con los ingredientes de:
-nuevo
modo de entender el
mundo,
-optimismo
en el hombre,
-confianza
en la razón.
A este cambio en la práctica artística acompañó una modificación
paralela de las teorías en que aquella se apoyaba. Se trató, a forma de
comienzos, de un naturalismo basado en los nuevos medios de la perspectiva
y anatomía.
Pero
donde quedaron plasmadas estas ideas de una manera más acabada fue, sin lugar a
dudas, en los escritos de León Battista Alberti, representante de una doctrina,
la “renacentista”, que abrazará todas las ramas de la actividad humana.
León
Battista Alberti (Génova 1404-Roma 1472) fue sacerdote del Vaticano[7],
abogado[8],
matemático y arquitecto italiano. Fue criptógrafo, lingüista, filósofo y el primer arqueólogo en sentido
estricto y moderno.
Se
trata del primer
teórico artístico del Renacimiento, figura emblemática en Italia[9],
buscador incansable de nuevas reglas artísticas sobre el cuerpo humano,
inventor de la perspectiva científica[10],
inaugurador de la arquitectura moderna.
Proyectó
numerosas
obras arquitectónicas y artísticas por toda Italia[11],
trabajando para el papado de Roma, los Este de Ferrara, los Gonzaga de Mantua,
los Malatesta de Rímini, así como para la alta burguesía italiana y la clase
nobiliaria florentina.
Las
ideas de Alberti sobre las artes están íntimamente relacionadas con su
concepción de la ciudad-estado italiana. Para él, el interés público racional era la
forma suprema del bien: las leyes de la ciudad, la paz de la ciudad… con
firmeza, con el uso de la tortura.
En
consecuencia, lo que había de interesar al “renacentista” era el ciudadano,
tanto el particular como el príncipe. Y lo que debía interesar al individuo
era el servicio a sus compatriotas, con la búsqueda sistemática de la virtud[12],
mediante la voluntad.
Alberti profesó la filosofía
pagana, compatibilizada con los dogmas cristianos, y a forma de
religión humanizada. Trató a los antiguos por encima de los contemporáneos,
pero sin obligación alguna de seguir sus preceptos.
Las ideas de Alberti sobre las artes
quedaron recogidas en su trilogía De
Pictura-1435, De Reaedificatoria-1450[13],
De Statua-1464. Su definición del pintor era la de “un hombre
comprometido en la tarea científica, con las matemáticas y la geometría, la
historia y los demás géneros, para mostrar la auténtica imagen de ese
momento”.
Pronto se percató Alberti de que en Florencia todo era controlado por
los Médicis, y de que los neoplatónicos, bajo la dirección de Ficino[14]
y Mirandola[15],
dominaban la cultura y la Academia platónica. Y es que Alberti no simpatizó
nunca con el misticismo neoplatónico, sino con la vida
activa.
Se trata del primer tratado de principios de
arte de la historia, y el inicio teórico del Renacimiento. Fue editado en
latín en 1435,
y poco después en italiano.
A forma de paragone[16],
aportando teoría y ejemplos clásicos, y no como historia de la pintura,
Alberti rompe con los principios trecentistas de Cennini, y universaliza la pintura
como obra del intelecto.
Consta de 3 volúmenes:
-Sobre
la teoría de la pintura[17],
-Sobre
el dibujo de contornos[18],
-Sobre
la formación intelectual del artista[19].
Ya con Duccio se había pasado de la
perspectiva lineal, muchedumbres, naturaleza del todo por la parte, narrativa
esquemática, repetición de personajes… al gótico tardío de Giotto y su eliminación de
fondos dorados, intento de profundidad, personajes de espaldas, escorzos[20],
cortes de figuras, psicología en la visión de personajes, emociones[21]…
El Renacimiento[22]
supuso la 1ª vez en que el arte miró
hacia atrás:
-haciéndolo
cada artista a su manera,
-creando
cada escuela su propia interpretación.
Se trató de una cultura, la renacentista, que supuso[23]:
-el
nacimiento del estado local italiano,
-el
desarrollo del individuo[24],
-el
resurgir de la Antigüedad clásica[25],
-el
descubrimiento del mundo a nivel artístico[26].
Los antecedentes del Renacimiento hay que buscarlos en el s. XIV, cuando
las ciudades-estado
italianas empezaron a multiplicar las cortes locales, buscando cada una sus
intereses locales, culturales, literarios… y con una proyección hacia el
futuro.
Fue
también fundamental para su despegue:
-la
introducción de la lengua
vernácula, aún siendo todavía oficial el latín,
-la
proliferación de novedades
literarias, obra de Dante, Petrarca, Boccaccio…
-la
multiplicación de gremios artesanales, y su individualismo profesional,
-las
exigencias
comerciales de la época.
Con
el Renacimiento, la perspectiva:
-lineal
empieza a racionalizar la visión, en una búsqueda de experimentación
continua,
-aérea
empieza a desarrollarse de la mano de la geometría.
Se puede decir que, a
nivel general:
-el
Quatrocentto fue un laboratorio florentino de experimentos,
-el
Cinquecento llevó el arte al idealismo del clasicismo.
Fue publicado por la Catedral de Florencia para las puertas de su
baptisterio, patrocinado por el gremio lanero Arte
di Calimara de Florencia[27],
y marcó el nacimiento exacto del Renacimiento[28],
con dos obras finalistas imbuidas de renacimiento total[29]:
-Sacrificio
de Isaac de Ghiberti[30],
de canon policlético perfecto, resaltando la delicadeza, gracia y suavidad, y
sin el drama del padre que tiene que sacrificar a su hijo (de hecho, focaliza más
las referencias colaterales).
-Sacrificio
de Isaac de Brunelleschi[31],
de perfecta habilidad observativa, resaltando la vigorosidad, emoción y
coherencia narrativa, con el drama de Dios Padre entregando a su Hijo por la
humanidad.
Se trató del concurso de pintura narrativa más importante de la época,
y en él pudieron verse los frutos
de:
-nuevo
ilusionismo pictórico,
-mecenazgo
de las artes, como deber cívico y promoción personal,
-estima creciente hacia el artista.
b.1) Principios escultóricos renacentistas
Fueron
principalmente tres:
-Humanismo.
Fue el código de conducta del ciudadano, con teoría educativa sobre cómo tenía
que ser el hombre. Su centro de pensamiento fue el hombre clásico de Roma, y su
modelo Augusto, Cicerón, Quintiliano…
-Papel
del artista. Es el momento en que surgen las biografías sobre
artistas[32],
comentarios sobre los artistas[33],
y propios escritos de los artistas[34].
Empieza a aumentar, pues, la consideración del artista, y sus diferencias
entre:
-artista
de corte, más intelectuales[35],
y más reclamados por la burguesía,
-artista
de gremio, con su trabajo mecánico y manual[36],
forjado en los viejos Trivium y Quadrivium.
-Papel
del mecenas. Que empieza a mostrar interés por el arte, como medio
de propaganda de su poder político. Hubo competición de mecenas entre sí, y
siempre existió en todos ellos el intento de mostrarse como el recogedor y
transmisor de la virtus romana clásica, dando ejemplo de ciudadano modélico.
La Antigüedad ya había sido rescatada por la Iglesia y transmitida por ella misma a lo
largo de 1.300 años. Luego no se trató de una escultura renacentista que partía de
cero, sino de lo transmitido por la Iglesia. Eso sí, la escultura renacentista supo
darle una nueva mirada, y
entenderla con una conciencia distinta.
Tuvo tres formas de mirar la Antigüedad clásica:
-Imitatio
y Aemulatio. Consistía en imitar-copiar y emular-superar las obras
antiguas[37].
Y aquí radicó toda la interpretación del arte renacentista:
-más
filosófica en algunos lugares,
-más
arqueológica en otros lugares.
La arquitectura y escultura lo tuvieron más fácil en ese sentido[38],
mientras la pintura necesitó recurrir a los textos para intentar mantener la
fidelidad al espíritu clásico[39].
-Academias
platónicas renacentistas. Surgieron de la fundación de la Academia
platónica de Florencia[40],
y tuvieron a Plotino[41]
como su modelo.
-Filosofía
clásica, cristianizada. Utilizó la filosofía clásica[42]
para explicar las ideas cristianas[43].
Luego el artista debía estar inspirado por Dios.
Trataron de aplicar sistemáticamente un sistema de leyes
geométricas al problema de las representaciones escultóricas:
-mediante
la matemática,
-mediante
la geometría.
Se trató de dar una nueva perspectiva[44],
pero siempre como un redescubrimiento de lo clásico[45],
y no como evolución de lo medieval[46].
Por ello, podía construirse un espacio
ficticio-ilusorio, pero éste tenía que:
-ser
convincente,
-no
salirse de la superficie bi-dimensional,
-unificar
todos los objetos en un único sistema espacial.
Como consecuencia, fue generalizada en el Renacimiento la Teoría
de las proporciones, por la que:
-el
ojo tiende a centrarse en el centro, dentro de una línea de horizonte, y a
forma de punto de fuga[47],
-a
partir del punto de fuga se han de pintar las ortogonales, formando retículas
para la posición de cada objeto
Fue
Botticelli
el principal impulsor de esta perspectiva[48],
tratando de:
-aplicar
la geometría euclidea a la visión[49],
-trabajar
la línea, la superficie y el volumen.
Y Brunelleschi su principal
seguidor, con las 2 tablas que pintó sobre el baptisterio y plaza de la Señoría
de Florencia, cuando iba a construir la cúpula de Florencia, y en un intento de
hacer ver de los canónigos:
-la
perspectiva,
-la
forma de espejo hacia el espectador,
-la
silueta de los edificios sobre el cielo.
Lorenzo
Ghiberti (Florencia 1378-Florencia 1455), Ghiberti fue escultor italiano y el fundandor
del primer gran taller artístico de Italia, educando personalmente a
Donatello, Michelozzo, Ucello, Masolino, Filarete…
De
entorno social aceptable, aprendió la orfebrería de su padre, y obtuvo el
grado de maestro en orfebrería en 1409. Con 21 años ganó el concurso escultórico
para las puertas del baptisterio San Juan
de Florencia-1401.
Sus
Comentarii-1453
aportaron valiosas referencias a los jóvenes artistas, así como introdujo una
importante autobiografía en la historia del Arte.
Completó los 28 paneles que habían sido
presentados para el concurso de la Catedral de Florencia-1401, y que el mismo
Ghiberti había ganado[50].
Fue encargada por el gremio pañero Arte de Calima:
-sobre
escenas del AT[51]
fundidas en bronce dorado,
-con
cada escena enmarcada en un cuadrifolio[52],
-con
composiciones relacionadas con el gótico
tardío.
Se trata de imágenes verticales, con curvas,
movimiento dinámico, perspectiva lineal, cierta difusión del horizonte, suelo
que sale hacia el espectador, arquitectura totalmente clásica, cabezas sueltas
que decoran los marcos, personajes clásicos y otros de la época…
Llamadas así por el mismo Miguel Ángel[53],
y calificadas de belleza
por el resto de artistas[54],
fueron esculpidas en bronce
dorado perfecto en 1426 para la Catedral de Florencia[55],
siendo la obra más importante de Ghiberti. Fue llevada a cabo con total libertad de ejecución, y trató
de distanciarse de la práctica y arte oficial de los gremios.
Contiene paneles[56]
sobre escenas del AT, que producen un gran efecto pictórico[57]:
-saliendo
más hacia el espectador, la parte inferior del panel,
-manteniendo
un cincelado más suave y difuso, la parte superior del panel.
Completan
los paneles los profetas
de los laterales, a modo exento.
Se trata de una narración histórica[58],
que utiliza la escultura para:
-evocar
las técnicas
pictóricas renacentistas,
-colocar
espacios
arquitectónicos, como telón de fondo digno para lo que hay delante.
Emplea
la perspectiva:
-lineal,
con 1 solo punto de fuga, en las losas del suelo,
-cuasi
aérea, con el fondo casi plano y las extremidades casi exentas[59].
Rompe la teoría de las 10 figuras por escena, juega con la visión del
espectador y trata de educar la manera de ver.
Donato
di Niccolo di Betto Bardi (Florencia 1386-Florencia 1466), Donatello fue escultor
del mármol, terracota, madera y bronce. De
la familia humilde de los Barri, tuvo formación filosófica, y perteneció al
gremio de carpinteros.
Tuvo
tanta creatividad
que se le ha dividido en 3 fases creativas, pero siempre:
-con
absoluta libertad temática,
-en
un estilo impulsivo[60],
-expresando
los sentimientos de una forma nueva y revolucionaria,
Sin
linealidad
ni proporción perfecta clásica, Donatello siempre prefirió:
-la
fascinación de lo que ve,
-la
virtus romana, tal cual es,
-la
versatilidad y variedad de la vida humana, llena de situaciones.
Pero
lo que le hizo alcanzar rápida fama fue su invención
de la stiacciato, escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo
plano, a forma de relieve aplanado[61].
Hecho en mármol en 1408 para la catedral de Florencia[62],
con todo el significado[63]
que eso tenía. Se trata de un David joven, totalmente anti-medieval, con la
cabeza de Goliat a sus pies y una cinta original en la mano derecha, en la que
estaban escritos los héroes de la
patria.
d.2)
Figuras del Huerto de San Miguel
Fueron hechas para un edificio gótico cuadrado[64],
lleno de esculturas del s. XIV puestas encima de hornacinas de los muros, y que
constituía la sede y granero
de los gremios florentinos[65].
Destacaron las aportaciones de Donatello, con su:
-San
Marcos[66]-1413,
de 2,5 m. alto, encargado por el gremio de la lana, mostrando la sandalia
clásica, mirada
al frente, movimiento en reposo, contraposto[67]…
-San
Jorge[68]-1417,
en mármol, mostrando el orgullo de la juventud
caballeresca, que vive sus ideas, con mirada
idealizada en la eternidad. Está San Jorge en contraposto, con texturas
bien acabadas en mármol, relieve en la parte inferior y planos súper bajos.
Destaca
su Zuccone-1423, en
piedra, para el campanile de la catedral de Florencia[69].
Muestra a un profeta
mortificado, inspirando su rostro en las mascarillas
funerarias romanas[70],
con niveles de incisión
increíble. Incluye gran desarrollo en los pliegues.
Destaca
su Banquete de Herodes-1425,
en bronce dorado para la fuente bautismal de la catedral de Siena, mostrando el horror
de la escena[71]
y su consecuente explosión
psíquica[72].
Rompe con el clasicismo idealista[73]
y deforma las
proporciones en pro de la expresividad[74],
sensación de realidad y coherencia de sentimientos. Introduce, no obstante, elementos renacentistas, como la
perspectiva clásica, los arcos de medio punto, el plegado de paños…
Destaca
su David palaciego-1428,
en bronce clásico para el Palacio de los Médicis[75].
Muestra un David adolescente y desnudo,
de 1,5 m, con curva
praxiteliana, suavidad en la piel, contraposto del Doríforo, con la
cabeza de Goliat a sus pies, piedra en la mano y casco desafiante. Llega al
realismo desde el lirismo.
Destaca
su Anunciación-1435, en
piedra caliza dorada y terracota
policromada para la Basílica Santa
Cruz de Florencia. Muestra la parte
más clasicista de Donatello, sin sorpresas ante el anuncio, con
humildad de María, equilibro María-libro, ángel reposado, serena comunicación…
Destaca
su Gattamelata equestre-1450,
en bronce para la Plaza del Santo de Padua. Representa al serio Erasmo
de Narni[76],
en 3,5 x 4 m, de cara contenida, fuerte disciplina e individualismo. Sobre pedestal elíptico, muestra el dominio
del jinete y caballo[77]
sobre la naturaleza[78],
aunque sin llegar a la posición de corbeta.
Destaca
su Magdalena penitente[79]-1453,
en madera para el baptisterio de la Catedral de Florencia[80].
Plasma la etapa
más liberal y expresionista de Donatello. Muestra un cuerpo
anciano, vertical, musculoso, sin rasgos humanos, sin dientes, con
pelo asilvestrado.
Destaca
su Judit y Holofernes-1454,
en bronce[81]
para el patio del Palacio de los Médicis[82].
Muestra el gusto por los distintos
puntos de vista, y no sólo por el penitencial. Plasma una Judit
decidida, de 2,4 m, con rostro
tenso e impresionante, que sostiene la cabeza de Holofernes.
Jacopo
di Petro d’Agnolo della Quercia (Siena 1367-Siena 1438), Jacopo della Quercia
fue escultor italiano que buscó la síntesis
entre la escultura gótica de Pisa y Borgoña, introduciendo en ambas
el clasicismo florentino.
Esculpió figuras monumentales,
de curvas y gran vitalidad,
golpes de expresividad
y efectos prácticos.
Fue
uno de los escasos antecedentes de Miguel Ángel, y careció de discípulos que
continuaran su obra.
Destaca
su Tumba Hilaria del Carreto de
Lucca-1406, para la catedral de Lucca, donde se muestra:
-sarcófago
exento
totalmente en mármol,
-severidad
y parquedad,
-los
modelos
yacentes romanos,
-el
inicio de la moda de ángeles
con guirnaldas[83].
Destaca
su Fuente Gaia de Siena-1409,
para la plaza del Campo de Siena[84],
donde se muestra:
-forma
cuadrangular con 5
caños de agua,
-mezcla
de los paños
con los gestos,
-el
desnudo de 2
mujeres clásicas[85],
-la
iconografía
cristiana[86].
Destaca
su Relieves de San Petronio
de Bolonia-1425, para la puerta de la Iglesia San Petronio de Bolonia, donde se muestra:
-escasa
pulición,
-búsqueda
de características
claras[87],
-fondos
neutros[88],
-dignidad
al desnudo,
y anatomía,
-efusividad[89],
gesticulación[90],
dinamismo[91]
y dramatismo[92],
-labores
del trabajo de
la tierra,
-la
iconografía cristiana[93].
Lucca
della Robia (Florencia 1400-Florencia 1482) fue el escultor italiano de la dulzura,
armonía, suavidad, belleza decorativa… siendo las terracota vidriadas de Vírgenes
con niño su tema favorito, sobre fondos
blancos o azules.
Hijo de tintoreros, estudió por su cuenta la Antigüedad, y montó junto
a su hermano un taller familiar artístico[94],
pero sin
demasiados avances renacentistas.
Destaca su Cantoría de la Catedral de Florencia-1431, en mármol
para la entrada de la sacristía de la catedral florentina[95],
donde se muestra:
-más
clasicismo
que la Cantoría de Donatello[96],
-cantores
a lo largo de 2 pisos[97],
-cierto
idealismo
augusteo[98],
-la
elegancia
romana imperial[99],
pero sin llegar a perder el realismo.
Andrea di Michele del Cione (Florencia 1435-Venecia 1488), Verrocchio fue
escultor italiano, profesor en la corte de los Médicis, y maestro
de Da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Botticelli.
Hijo
de un fabricante de azulejos, emigró a Venecia y allí aprendió el arte de
manos de un tal Verrocchi.
Vuelto
a Florencia, creó un taller de altísimo nivel[100]
que no quiso compartir con nadie, e imponiendo en él el más sereno
clasicismo renacentista de ahí en adelante.
Destaca
su Duda de Santo Tomás-1463,
en bronce para el Huerto de San Miguel de Florencia[101],
donde se muestra:
-una
obra monumental de 2m.
altura,
-una
diagonal
de fuera hacia dentro[102],
-continuo
estado no estático[103],
-el
centro en la llaga
de Jesús[104],
-a
Tomás realista[105]
e incrédulo.
Destaca
su Fuente Putto con delfín de
Florencia-1470, en bronce para el Palacio Vecchio de Florencia, donde se muestra:
-giro
ex-profeso[106],
-la
multiplicidad de los
puntos de vista,
-apariencia
de autenticidad[107].
Antonio di Jacopo Benci (Florencia 1431-Roma 1498), Antonio Pollaiolo fue
escultor italiano, experto en esmaltes y discípulo
de Doménico Veneciano.
Hijo de un granjero de pollos, fundó con su hermano Pedro Benci su
propio taller florentino, inventando entre ambos la técnica
del ecorché[108],
y reflejando un interés por la anatomía
clásica[109],
brusca en el hombre[110]
y serena y detallista en la mujer.
Destaca
su Hércules y Anteo-1431,
en bronce con aires
pictóricos[111],
donde su muestra:
-multiplicidad
de puntos
de vista[112],
-ruptura
de todas las reglas estatuarias[113],
-movimiento
hasta la violencia[114],
-la
anatomía
clásica en Hércules[115]
y Anteo[116],
-personajes
con energías
de una eléctrica escultura.
i.1)
Tuma Aragazzi de Montepulciano
Esculpida
por Michelozzo en mármol de Carrara en 1430, por encargo de Bartolomé Aragazzi[117]
para la catedral de Montepulciano.
Con afán arqueologicista[118]
y realismo de las mascarillas romanas republicanas, representa las virtudes
teologales con gran expresividad, al igual que la recepción en el cielo a
Aragazzi, por parte de la Virgen y su familia.
i.2)
Tumba Bruni de Florencia
Esculpida por Bernardo Rossellino[119]
en mármol en 1444, por encargo de Leonardo Bruni[120]
para la Basílica Santa Cruz de Florencia.
Con afán centralizador en la esfinge central, deja sencillo todo lo demás[121],
incluido el arco superior[122].
Innovó las 3 bandas de colores[123],
y puso al difunto yacente sobre una losa sujetada por 2 águilas[124],
con libro en la mano y panel laudatorio[125].
Esculpida por Desiderio Settignano[126]
en mármol porfírico blanco en 1453, por encargo de Carlo Marsupini[127]
para la Basílica Santa Cruz de Florencia.
Con sepulcro en forma de urna, y flanqueamiento de puti-niños en vez de
ángeles, muestra gran clasicismo[128]
y dinamismo, con texto laudatorio incluido.
Esculpida por Antonio Rossellino[129]
en mármol porfírico rojo[130]
en 1460, por encargo de la familia del cardenal[131]
para la Iglesia San Miniato de
Florencia.
De gran unidad decorativa, bajo arco
hecho con profundidad
y rosetones, fondo combinado con el rojo[132],
y una cortina
que permite ver la escena.
Aludiendo a los viejos panteones
romanos[133],
introduce la iconografía
cristiana:
-centralizándolo
todo con la Virgen del fondo,
-continuando
la tradición de los ángeles adultos, adosados al sarcófago,
-continuando
la tradición de los niños[134].
Preanuncia ya el barroco de Bernini.
ed.
Mercaba
Diócesis
de Cartagena-Murcia
Indice
general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm
_____________________________________
[1]
La moda de que el artista era un individuo autónomo, que necesitaba conocer
todas las artes liberales y de la ciencia.
[2]
Continuador de las innovaciones geniales de GIOTTO, destacando su De
Artibus-1390, tratado en que abría un abanico de principios artísticos
y técnicos a las nuevas generaciones que iban viniendo, ya en el mismo
Trecento.
[3]
Fundador del primer gran taller artístico de Italia, educando allí a
DONATELLO, MICHELOZZO, UCELLO, MASOLINO, FILARETE… Sus postreros Comentarii-1453
introducirán una valiosísima autobiografía en la historia del Arte.
[4]
Arquitecto italiano, más conocido por su trabajo en la cúpula de la
catedral de Florencia, de elevada matemática y perspectiva cónica.
[5]
Escultor italiano, más conocido por inventar la stiacciato
o escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo plano, a forma
de relieve aplanado.
[6]
Pintor italiano, conocido por aplicar a la pintura las leyes de la
perspectiva científica.
[7]
Trabajando exclusivamente para el papa (tras la llamada que le hizo el
veneciano EUGENIO IV) y su proyecto vaticano, de 1434 a 1443.
[8]
Cuya carrera de derecho había estudiado en Bolonia.
[9]
Bajo su lema, que llegó a hacerse famoso por toda Italia, de “quid tum”
(lit. y ahora que).
[10]
En su De Pictura-1435.
[11]
Aunque siempre encargó su ejecución a otros, debida su escasez de tiempo.
[12]
Famosas fueron sus constantes condenas sobre el lujo de la ciudad,
afirmando que éste era el origen por el que vendrían ocasionados todos los
vicios.
[13]
De 10 volúmenes y por orden del papa NICOLAS V, tras haber estado
circulando durante años en forma de manuscritos escritos a mano.
En él se habla de:
-los
edificios públicos de la ciudad,
-la
belleza en arquitectura, basada en las leyes naturales y principios
universales, y no dependiente del gusto individual,
-el
objetivo de la arquitectura,
-la
cocinnitas (lit. composición,
armonía) de las partes, relacionadas proporcionalmente,
-la
preferencia por los templos paganos de planta centralizada, antes que las
iglesias medievales,
-la
eliminación de la combinación columna-arco, pues el arco debería estar
sustentado por el muro (y no por elementos separados),
-la
decoración escultórica o llena de cuadros en el interior, pero nunca a
base de frescos murales,
-el
abovedamiento como forma de cubrición.
[14]
Sacerdote y filósofo neoplatónico, que fundó la Academia platónica de
Florencia, educando en ella a toda la prole de los MEDICIS y originando el
Renacimiento filosófico en Italia.
[15]
Filósofo y pensador italiano, y principal ayudante de FICINO en la Academia
platónica de Florencia.
[16]
Superioridad de la pintura, respecto a la arquitectura y escultura. Del
italiano comparación-competición.
[17]
Donde habla de:
-la
visión científica del arte, con estudio de la óptica…
-la
representación ilusionista,
-la
tridimensionalidad, a partir de un punto único de referencia,
-la
teoría de la perspectiva, analizada como “a través de la ventana”,
-la
pirámide de la visión, a través de un proceso de racionalización (que ha
de reducir los objetos según se distancien en sus cuadrículas).
[18]
Donde habla de:
-el
diseño de contornos, definiendo la línea de contorno como elemento ajeno a
la visión real,
-la
luz, composición y objeto, como los 3 elementos de la pintura,
-la
pintura alegórica, que ha de personificar ideas abstractas,
-la
pintura narrativa, que no ha de tener más de 10 figuras-escenas, para no
perder intelectualidad.
[19]
Donde habla de:
-el
aprendizaje de la Antigüedad,
-el
alejamiento del arte de la artesanía medieval,
-la
imitación de los originales, y no de copias secundarias,
-la
práctica del dibujo,
-la
teoría del decorum de la medida y
armonía,
-la
utilización de la lengua vernácula para escribir sobre arte.
[20]
Figuras forzadas.
[21]
Aún sin un soporte teórico, que lo hubiera hecho ser el primer
renacentista.
[22]
Palabra inventada en el s. XIX para hacer referencia a la renovatio
de que se hablaba la época.
En
concreto, por:
-BALZAC,
al referirse a la pintura flamenca post-gótica,
-JACOB
BURCKHARDT en su Cultura del
Renacimiento en Italia-1860.
[23]
Según JACOB BURCKHARDT.
[24]
Desde un concepto antropocéntrico, y no teocéntrico.
[25]
A forma de buscadores de tesoros, libros, ruinas…
[26]
Pues antes todo era plano y de oro litúrgico.
[27]
Que patrocinó el concurso y puso las condiciones y la temática (civil, de
alta causa, y a través de los elementos religiosos). Condiciones que
obligaron a los candidatos a estudiarse los libros y técnicas clásicas.
[28]
Momento que hasta el mismo VISCONTI tuvo que respetar, y esperar a que
terminase el concurso para seguir sitiando militarmente la ciudad de
Florencia.
[29]
Cuyos 28 paneles tenían que ser hechos en bronce dorado (cobre +
estaño, mediante la técnica de la cera perdida), para la puerta este del
Baptisterio (hoy en la puerta norte). Resultando ganador el de GHIBERTI, que
se impone en la final al de BRUNELLESCHI y será invitado a completar el
resto de 28 paneles.
[30]
En el que destaca:
-paisaje
con rocas, dentro de un marco cuadrilobulado,
-musculaturas,
gestos, togados,
-1
altar totalmente clásico, con hojas de acanto,
-2
cabreros que llevan la mula a Abraham,
-1
ángel que irrumpe,
-1
carnero con cuernos enredados en la zarza,
-Isaac
sobre un pedestal, con forma clásica total y desnudo clásico (el 1º desde
la Antigüedad).
[31]
En el que destaca:
-escenario
escueto, con 1º plano separado del resto,
-curvas
más góticas que clásicas,
-1
altar clásico,
-1
ángel con prisas al coger el brazo de Abraham,
-Abraham impulsivo al coger el cuello de Isaac.
[32]
Como los Comentarii-1453 de
GHIBERTI, importante autobiografía en la historia del arte.
Especial e importante será, posteriormente, la Vida
de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos-1550 de
VASARI, célebre por sus biografías sobre artistas italianos, colección de
métodos, rumores y leyendas recogidas, y en las que el artista italiano
divide la historia del Arte en 3 etapas:
-la
de GIOTTO,
-la
de MASACCIO,
-la
de LEONARDO DA VINCI.
[33]
Como los de DANTE sobre GIOTTO.
[34]
Como los de BARTOLOMEO FACIO, FILIPPO VINARDI... De hecho, la imprenta
facilitó que los libros empezasen a publicarle sin control, pudiendo cada
artista fijarse en lo que quería.
[35]
Momento en que entra en la pintura el conocimiento científico, tras haberlo
hecho antes en la arquitectura gótica.
[36]
Lo que les impedía entrar en el mundo de los caballeros, pues habían
trabajado con sus manos.
[37]
Como ya había enseñado ANGELINO ANGELINI, que en su Tratado de Arte enseñaba a pintar:
-copiando
a los grandes maestros, pues algo se pegará (imitación),
-superando
lo copiado (emulación).
[38]
Pues veían las obras arqueológicas que iban apareciendo.
[39]
Como es el caso de Los 10 tratados de
arquitectura de MARCO VITRUVIO, la Historia natural de PLINIO EL VIEJO (editada en latín-1469 y
toscano-1476), el Corpus Lucianeum
de LUCIANO DE SAMOSATA… muy releídos en el Renacimiento.
[40]
Fundada en 1459 por el sacerdote MARSILIO FICINO, costeada por los
MEDICIS, y forjadora de los grandes talentos florentinos (BOTTICELLI…).
[41]
Fundador del neoplatonismo en el s. III (que muy poco después sería
cristianizado).
[42]
Los Diálogos y Banquete
de PLATON…
[43]
Siendo BOTTICELLI el primero que empezó esta moda renacentista. Así, por
ejemplo:
-Venus
podía servir para iluminar la belleza terrenal, a imagen de la celestial,
-la
simetría clásica podía significar la perfección del universo,
-los
desnudos podían mostrar la creación original de Dios…
[44]
Forma racional del espacio y de la vista.
[45]
Pues en la Edad Clásica la perspectiva significaba humanismo, sabiduría,
sistema único racional, y no conjunto relativo de sistemas. Se trataba de
una imagen espacial percibida por la vista, pero concebida por la mente.
De ahí que cuando POLICLETO compuso su canon, pidió opiniones a
todos al respecto. Y al final mostró a todos:
-su
canon,
-la
imagen que entre todos habían ido pactando (para gran risa de todo el público).
Y es que, decían los griegos, la mente piensa lo que percibe. Luego
la reflexión se hace sobre el modo de ver a través del intelecto, y no a
través de los ojos. En Roma, por ejemplo, el Jardín de Libia del Museo de
las Termas ya incluía la perspectiva aérea, con elementos difuminados al
fondo (luego tampoco fue DA VINCI su inventor, sino su copiador).
[46]
Pues en la Edad Media la perspectiva significaba óptica, ciencia de
la visión.
[47]
Punto de fuga que el Barroco no pondrá en el centro, sino en la esquina
superior derecha, dejando vacío del resto.
[48]
Que llegó a definir como “la ventana a través de la cual el espectador
mira para ver el mundo de su interior”.
[49]
Donde el ojo del pintor pasa a ser el único punto de vista, el único
que fija las proporciones del horizonte y del primer plano.
[50]
Y donde había escrito en un epígrafe superior: OPUS LAURENTII FLORENTINIS.
[51]
Salvo las últimas 2 líneas de paneles, que debían representar:
-a
los 4 padres latinos, San Agustín, San Gregorio, San Ambrosio, San Jerónimo;
-a
los 4 evangelistas, Mateo, Marcos, Lucas, Juan.
[52]
Divididos por cuarterones-líneas
esculpidas.
[53]
Al considerarlas como las más dignas de estar a las puertas del Paraíso.
[54]
Siendo ésta la 1ª vez que se utiliza esta categoría en el Renacimiento,
con independencia del tema.
[55]
Hoy en el Museo Opera del Duomo de
Florencia. Pues lo que aparece hoy en la Puerta Este del baptisterio es una
copia del original.
[56]
Pero no sobre cuadrifolio, por deseo personal de GHIBERTI, para dar
mayor espacio a las piezas narrativas.
[57]
Dado el relieve lleno de texturas y perspectiva.
[58]
Donde Rebeca está dando a luz en su cama, Esaú es enviado al campo con sus
perros, y Jacob recibe la bendición de Isaac ante la mirada atenta de
Rebeca.
[59]
Como las metopas del Partenón de
Atenas, que tenían los miembros casi quebrados.
[60]
Muy opuesto a la serenidad de GHIBERTI.
[61]
Lo que permitía jugar con relieves supersensibles, dando perspectivas
geniales y juegos de gradación.
Y
es que en el Renacimiento empezó a dejarse de pintar las esculturas, pues
los artistas iban encontrando las piezas clásicas sin pintura, y pensaban
que así habían sido hechas (de ahí que MIGUEL ANGEL se tirara temporadas
enteras en las canteras, buscando la mejor materia prima posible). Además,
ningún libro de los llegados de la Antigüedad hablaba de esculturas
policromadas, salvo cierto escrito que hablaba de policromía en el Augusto
primaporta.
[62]
Hoy está en el Museo Bargello de
Florencia.
[63]
DAVID en Florencia simbolizaba al pequeño que podía con el gigante, la
figura política que vencía a los enemigos que le rodeaban.
[64]
Hoy conocida como Iglesia Or
San Michele de Florencia.
[65]
De ahí la existencia de 14 nichos con elementos y esculturas totalmente
distintas (de las que participó también DONATELLO), las últimas 9 de las
cuales (de 1423) exaltando escenas guerreras (ante la amenaza del rey de Nápoles
sobre Florencia).
Nichos en los que había participado, antes de la llegada de
DONATELLO, el mismo NANNI DI BANCO (máxima promesa florentina, que murió
joven y con un par de obras nada más), sobresaliendo sus 4
Mártires-escultores, que supuestamente se habían negado a esculpir la
figura de Diocleciano.
Se trata, el 4 Mártires-escultores,
de una compleja composición, en la que los 4 van vestidos de romanos
republicanos realistas, muestran la vieja virtus
romana, y están hablando sobre su castigo por negarse a esculpir a
Diocleciano. Incluye:
-señales
con el dedo,
-miradas
trascendentes,
-pedestal
en semicírculo, siguiendo la forma de los pies,
-parte
posterior con un paño que se pliega hasta a la túnica de los mártires y
las columnas exteriores.
[66]
Patrón de los pañeros.
[67]
2 pies separados.
[68]
Santo que murió mártir en Palestina, en un lugar donde lucha contra un
dragón que se comía a las doncellas, y al que vence con sólo mentar a
Jesucristo, por medio del cinturón de la doncella.
[69]
Hoy está en el Museo Opera del
Duomo de Florencia (en la Plaza del
Duomo de Florencia, que recoge tan sólo las piezas de la Catedral de
Florencia).
[70]
Donde se resaltaba la virtus
romana en su máxima madurez (pues estaba ya muerta).
[71]
Horror por los planes de Herodías y su hija Salomé (que todavía
está bailando), horror de la cabeza del Bautista, y horror en Herodes y los
invitados.
[72]
Pues todos los personajes se echan para atrás.
[73]
Introduciendo la parte negativa y pathos del hombre.
[74]
Casi anti-renacentistamente.
[75]
Hoy está en el Museo Bargello de
Florencia.
[76]
Al que se le apodaba “el gato meloso”, justo lo contrario a lo
que DONATELLO muestra aquí.
[77]
Pues éste sostiene la bola del mundo bajo sus patas.
[78]
Pues la escultura está fuera de cualquier tipo de soporte arquitectónico.
[79]
Vestida con piel de camello y llorando en una cueva, según cuenta la Leyenda
Dorada-1250 del dominico SANTIAGO DE LA VORAGINE, y según recoge en sus
temáticas TIZIANO. Pues María Magdalena se había retirado a vivir a una
gruta para vivir en penitencia.
[80]
Hoy está en el Museo Opera del Duomo
de Florencia.
[81]
En bulto redondo.
[82]
Como fuente decorativa.
[83]
Como motivo decorativo que se alargará hasta el Seicento.
[84]
Hoy está en el Museo municipal de
Siena.
[85]
La madre de Rómulo y Remo (REA SILVIA) y la pastora que los crió (LUPA).
[86]
La Virgen con niño, las 8 virtudes, la Creación de Adán, la Expulsión
del Paraíso.
[87]
No nítidas pero sí expresivas, como precedente de la genialidad de MIGUEL
ANGEL.
[88]
Con rocas neutras decorativas.
[89]
En la creación de Eva.
[90]
En el caso de:
-Adán,
que se pone de espaldas a Eva,
-Eva,
que quiere rechazar la manzana con una mano, y con la otra la coge.
[91]
Como es el caso de Dios Padre, dinámico a pesar de su enorme peso.
[92]
En la expulsión del paraíso, o en el ángel expulsador.
[93]
Como la Creación, el Pecado original…
[94]
Floreciente, y que se alargaría hasta el 1600 mediante sus hijos GIOVANNI y
GILOVANO y su sobrino ANDREA DELLA ROBBIA.
[95]
Hoy, en el Museo Opera del Duomo
de Florencia.
[96]
Mucho más dramática y suelta en libertad compositiva, recogiendo las máscaras
romanas, palmetas griegas, dinamismo que llega al caos de los gritos
infantiles... Y que estaba justo enfrente de la de DELLA ROBBIA.
[97]
Donde aparecen los niños cantando un salmo (el mismo que aparece escrito en
los frontones), pero no gritando (como aparecía en la Cantoría
de DONATELLO).
[98]
Inspirado en el Augusto del Ara
Pacis de Roma.
[99]
En las togas sinuosas (de sinus,
lit. curva), pliegues caídos,
anatomía bajo los pliegues…
[100]
Se dice que VERROCCHIO fue el más grande artista del s. XV italiano.
[101]
Hoy está en el Museo de Basílica Santa Cruz de Florencia.
[102]
Poniendo el pie de Tomás fuera del marco, y a Jesús subido a una tarima.
[103]
De ahí el poner a Tomás de lado (aún sin perder el equilibrio).
[104]
Que rompe el vestido de Jesús, y se pone en la diagonal descrita para que
pueda ser vista por Tomás y por el espectador.
[105]
Por sus rizos del pelo.
[106]
Sosteniendo el peso en la pierna izquierda, y girando su cabeza hacia la
derecha.
[107]
Nueva moda introducida en el Renacimiento por el gran VERROCCHIO,
introduciendo el movimiento ilusorio en las estáticas fuentes clásicas de
Roma.
[108]
Técnica de pintar al hombre casi sin piel, y sólo músculos en vivo.
[109]
Que le hizo ser llamado en 1493 por el papa SIXTO IV para los trabajos de la
gruta de San Pedro del Vaticano.
[110]
Por las investigaciones anatómicas que habían obtenido de su afición a
las disecciones reales.
[111]
Al tratarse de un tema de acción, basándose en su precedente pintura Trabajos
de Hércules.
[112]
Ya inventados por LISIPO en el s. IV a.C.
[113]
Que habían puesto en la estaticidad su criterio de composición. Con
POLLAIOLO, ahora será la acción el criterio de composición.
[114]
Inventando el concepto de libertad escultórica, para provocar movimiento en
cualquier dirección.
[115]
Clásico héroe de la Antigüedad, que con la piel del león de Nemea, había
tronchado a Anteo.
[116]
Hijo de Poseidón y Gea, que vivía en Libia con aspecto de gigante, y que
retaba a todos los viajeros que pasaban por allí (hasta que llegó Hércules
en uno de sus trabajos, y lo tronchó).
[117]
Secretario del papa MARTIN V, gran erudito y experto en textos clásicos.
[118]
Pues estaba empezando a ponerse de moda la recolección de anticuarios y
detalles antiguos.
[119]
Bernardo di Matteo Gamberelli (Florencia 1409-Florencia 1464),
BERNARDO ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos
aprendices en las canteras de su padre.
[120]
Canciller de Florencia y gran abogado, al servicio del papa INOCENCIO VII en
diversos trabajos para el Concilio de Constanza-1411.
[121]
Salvo la Madonna con niño y el León
marzocco (símbolo de Florencia) del tímpano.
[122]
Emulador de los Arcos del triunfo de Roma.
[123]
Elemento muy repetido en adelante, en los elementos sobre tumbas en la
pared.
[124]
Por las victorias conseguidas por el canciller.
[125]
Sobre el dolor de las musas, por haber perdido a BRUNI.
[126]
Desiderio de Bartolomeo di Francesco (Settignano 1430-Florencia 1464),
DESIDERIO DA SETTIGNANO fue famoso por sus esculturas de niños (conocidos
como puti).
[127]
Canciller de Florencia, venido de la familia gobernadora de Génova, y de
gran altura intelectual.
[128]
Por sus roleos, hojas de acanto, patas de animal, la venera…
[129]
Antonio di Matteo di Domenico Gamberelli (Setignano 1427-Florencia 1479),
ANTONIO ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos
aprendices en las canteras de su padre.
[130]
Para aludir al poder de Roma.
[131]
Muerto con 27 años y príncipe de Portugal, que estuvo emparentado con
todos los nobles europeos.
[132]
Mediante la técnica del estofado,
o dorado al que luego se le unen las pinturas, con punzón.
[133]
Por la forma del sarcófago, y por la inspiración en las máscaras
funerarias (para dar suavidad al mármol y variación en los tonos-sombras).
[134]
Uno llevando la corona de la vida eterna, y otro llevando la palma de la
victoria.