a) Arte
informal
b) Características de Escultura informal
c) Escultura informal espacial
d) Escultura
informal marginal
e)
Fontana
f)
Dubuffet
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Nació
en 1945 en Francia, como movimiento paralelo al expresionismo abstracto
americano, aunque no de una forma teórica sino esclusivamente pictórica. Su
pretensión era mejorar y cambiar el mundo por
medio de las manos, y no tanto del pensamiento[1].
Fue
fundado por el pintor Jean Fautrier, que imprimió al movimiento las coordenadas
de:
-el
nacimiento, y los mecanismos de la vida
-la
muerte, definitiva y sin nada más después,
-lo
irracional, con puentes hacia la deficiencia mental y esquizofrenia.
Recibió
inspiración
de:
-el
existencialismo, tanto de Sartre[2]
como de Heidegger[3],
-la
paranoia crítica, sobre todo de Dalí[4].
Se
opuso al expresionismo del Campo de Color,
por entender que toda su sublimidad y armonía debían tener mucha más agresividad.
Hubo
2 tipos de
Arte informalista:
-el
informalismo puro, donde destacan Tapies y Saura,
-el
espacialismo, fundado por Fontana,
-el
brutalismo, fundado por Dubuffet.
Se
trata de una escultura gestual, donde la mano se convierte en la herramienta esencial. Eso sí:
-siguiendo
las leyes del azar, con tendencia a la máxima indeterminación y dispersión,
-abandonando
la armonía de colores, y convirtiéndose en mero muestrario de materiales.
Baraja
3 ideas
escultóricas:
-construcción
autómata e irreflexiva,
-ausencia
de referente real,
-confianza
creativa, impulso vital y gesto espontáneo.
Eso
sí, siempre deja latentes fragmentos
tangibles de la realidad, por muy minúsculos e imperceptibles que éstos
sean. Pues la escultura ha de ser legible, iluminar su significado, abrir la
percepción estética.
Emplea
un lenguaje
abstracto y no figurativo, por lo general. Así, no boceta ni concibe
nada, emulando la escritura automática de los surrealistas.
Sus
escultores ya no esculpen, sino que tan sólo dejan su huella personal:
-no
a forma de firma o estilo,
-sí
a forma de meterse el artista en la obra[5].
Nació en 1946 en Buenos Aires, de la mano del argentino Lucio Fontana.
Su término proviene del mismo
Fontana, que llamó a su arte movimento
spaziale, como forma de crear una escultura para la nueva era, y en la que se
mostrara el auténtico espacio del mundo.
Recibe influencia de la escultura dadá,
concreto y tachista.
Ejerció influencia en la escultura conceptual
y ambiental, sobre todo por sus ideas de trascender la escultura y entrar en
el reino de la realidad.
Entre sus escritos destaca el Manifiesto
blanco-1946 de Fontana.
Y
entre sus exposiciones
destaca su I Exposición espacialista-1949.
Entre
sus características,
trató la escultura espacial de:
-erradicar
el caballete, e incluso la misma pintura, para intentar captar el
movimiento,
-cortar la tela, con incisiones[6] que plasmaran sobre ella una construcción profunda y tridimensional.
Nació en 1946 en París, cuando el francés Jean Dubuffet
empezó a reunir colecciones de gentes ajenas al mundo escultórico[7]
y formación escultórica[8],
y a difundirlas con la idea de demostrar que no estaban enfermos mentales[9].
Su término fue acuñado por el
propio Dubuffet, que se refirió al Outsider
Art y Brut Art a la hora de hablar
de la escultura surgida fuera de la cultura oficial.
Entre
sus exposiciones,
destaca:
-la
Compañía del Arte bruto-1948, que reunió 5.000 obras,
-la
I Exposición brutalista de París-1967, de ancianos, solitarios y autodidactas,
-la
II Exposición brutalista de Lausana-1976, de enfermos psiquiátricos.
Entre sus características, trató la
escultura marginal de:
-reflejar
estados mentales extremos, sobre todo tras la II Guerra mundial,
-elaborar
mundos de fantasía, con sus propias idiosincrasias particulares,
-retomar
el primitivismo artístico, como contrapuesto a la modernidad.
Escultor
argentino, Lucio Fontana (1899-1968) fue hijo de familia emigrada de Argentina a
Italia en 1904, y fundador del movimiento espacialista en 1948.
En
su vida
laboral llevó a cabo todo tipo de esculturas espaciales,
incorporando piedras, vidrios y lentejuelas a la tela, y casi siempre luz negra
a todas sus ambientaciones. En 1930 rompió con la tradición académica y se
unió al movimiento abstracto de Milán. De 1934 a 1939 residió en París,
donde realizó relieves en terracota, lápidas grabadas en cemento coloreado y
esculturas cerámicas. En 1939 visitó brevemente Argentina, y allí realizó
escultura figurativa como la que había visto en París. En 1949 realizó sus
primeros buchi[10],
y de 1951 a 1958 realizó la serie Pietra,
en la que incorporó cristal de Murano.
Su
obra escultórica
es instintiva, renovadora, optimista y vital, empleando los adelantos que imponía
la ciencia y la técnica, con total libertad de expresión y para nada fácil de
entender. En su Manifiesto Blanco-1946
defiende su ruptura con la clásica pintura de caballete y su intención de
superar los límites asignados a la obra de arte. Sostuvo la necesidad de
integrar todos los elementos físicos (color, sonido, movimiento y espacio) en
una unidad ideal y material.
Destaca
su Naturaleza-1959,
donde hay una búsqueda de lo matérico, en un intento por indagar cómo
evoluciona la naturaleza. Así, lo más inerte de la naturaleza pasa a ser una
piedra.
Destaca
su Fin de Dios-1964,
donde insinúa que el espacio que se le ha dado a Dios desde la antigüedad ha
sido la esfera, que es la forma perfecta. En la obra se deforma a propósito la
esfera, adoptando la forma de ovoide perforado.
Destaca su Concepto espacial-1962, buchi de acuarela sobre tela que trata de investigar lo que hay interiormente en la realidad.
f)
Dubuffet
Escultor francés, Jean Dubuffet (1901-1985) fue el que mejor transmitió la imagen inocente del mundo infantil y los enfermos mentales.
En su vida laboral fundó la Compañía del Arte bruto en 1948 (reuniendo más de 5.000 obras), convocó la I Exposición brutalista de París-1967 para exponer obras de ancianos, solitarios y autodidactas, y en la II Exposición brutalista de Lausana-1976 abrió las puertas del arte a los enfermos psiquiátricos.
Su obra escultórica percibió perfectamente la esencia de las cosas, simples, sin perspectivas, sombras ni claroscuros, y con pocos elementos a representar. Casi siempre utiliza los colores blanco, azul y rojo, grandes tamaños escultóricos y una movilidad sin una forma predeterminada.
ed.
Mercaba
Diócesis
de Cartagena-Murcia
Indice
general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm
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[1]
Como decía el propio TAPIES, que aludía a que él “se dedicaba a
filosofar con las manos”.
[2]
Que decía que “los individuos deben confiar en sus poderes creativos, más
que en la autoridad civil”.
[3]
Que decía que “no existe más que la temporalidad del ser, que es y se
revela existenciándose”.
[4]
Que decía que “pintaba sin saber lo que estaba pintando”.
[5]
De ahí el poner ellos sus manos, pies... en medio de la obra.
[6]
Mediante cútex, hojas de afeitar, clavos…
[7]
Como era el caso de multitud de autores autodidactas, sin contacto con las
instituciones y técnicas artísticas.
[8]
Sobre todo de los hospitales psiquiátricos (idea recogida por la UE en su
Premio Euward para
discapacitados).
[9]
Bajo el eslogan de que “no existe un arte de los locos”.
[10]
Grandes lienzos monocrómicos, que eran rallados para buscar la 4ª dimensión.