ARTE RENACENTISTA
Eclosión de arquitectura y escultura, y de una pintura insuperable en la historia
Madrid,
1 abril 2019
Ya
en el Trecento, algunas personas habían sentado precedentes de nuevas
modas que desde la literatura y talleres gremiales habían empezado a
surgir. En el mundo del arte, y sin precedente previo alguno, también vino a
consumarse el surgimiento de nuevas modas[1],
de la mano de: -Cennini[2],
con rasgos de gestación de un nuevo naturalismo,
Con la llegada del Quatrocentto y la generación de Brunelleschi[4],
Donatello[5]
y Masaccio[6],
Italia experimentó cómo un nuevo
arte había empezado a emerger, con los ingredientes de: -nuevo
modo de entender el
mundo,
A este cambio en la práctica artística acompañó una modificación
paralela de las teorías en que aquella se apoyaba. Se trató, a forma de
comienzos, de un naturalismo basado en los nuevos medios de la perspectiva
y anatomía.
Pero
donde quedaron plasmadas estas ideas de una manera más acabada fue, sin lugar a
dudas, en los escritos de Alberti, representante de una doctrina,
la “renacentista”, que abrazará todas las ramas de la actividad humana.
Fue el auténtico padre
del Renacimiento,
aparte de sacerdote del Vaticano[7],
abogado, matemático y figura emblemática en Italia. Un Alberti que
engendró en sí mismo el concepto de Renacimiento, y lo impulsó a
nivel mundial mediante sus nuevas reglas del cuerpo humano, su invención de la perspectiva científica,
la implantación de una arquitectura moderna y la fundación que él
hizo de la
arqueología en sentido estricto y actual.
Sus ideas sobre las artes estaban íntimamente relacionadas con su
concepción de la ciudad-estado italiana. Para él, el interés público racional era la
forma suprema del bien: las leyes de la ciudad, la paz de la ciudad… con
firmeza, con el uso de la tortura.
En
consecuencia, lo que había de interesar al “renacentista” era el ciudadano,
tanto el particular como el príncipe. Y lo que debía interesar al individuo
era el servicio a sus compatriotas, con la búsqueda sistemática de la virtud[8],
mediante la voluntad.
Alberti profesó la filosofía
pagana, compatibilizada con los dogmas cristianos, y a forma de
religión humanizada. Trató a los antiguos por encima de los contemporáneos,
pero sin obligación alguna de seguir sus preceptos.
Las ideas de Alberti sobre las artes
quedaron recogidas en su trilogía De
Pictura-1435, De Reaedificatoria-1450[9]
y De Statua-1464. Su definición del pintor era la de “un hombre
comprometido en la tarea científica, con las matemáticas y la geometría, la
historia y los demás géneros, para mostrar la auténtica imagen de ese
momento”.
Pronto se percató Alberti de que en Florencia todo era controlado por
los Médicis, y de que los neoplatónicos, bajo la dirección de Ficino[10]
y Mirandola[11],
dominaban la cultura y la Academia platónica. Y es que Alberti no simpatizó
nunca con el misticismo neoplatónico, sino con la vida
activa.
Su De
Pictura-1435 fue el inicio teórico del Renacimiento. Lleno de
principios del arte de la historia, fue editado en latín,
y poco después en italiano. A forma de paragone[12],
aportando teoría y ejemplos clásicos, y no como historia de la pintura,
Alberti rompe con los principios trecentistas de Cennini, y universaliza la
pintura como obra del intelecto. Constaba de 3 volúmenes: -sobre
la teoría de la pintura[13],
Ya con Duccio se había pasado de la
perspectiva lineal, muchedumbres, naturaleza del todo por la parte, narrativa
esquemática, repetición de personajes… al gótico tardío de Giotto y su eliminación de
fondos dorados, intento de profundidad, personajes de espaldas, escorzos[16],
cortes de figuras, psicología en la visión de personajes, emociones[17]…
El Renacimiento[18]
supuso la 1ª vez en que el arte miró
hacia atrás: -haciéndolo
cada artista a su manera,
Se trató de una cultura, la renacentista, que supuso[19]: -el
nacimiento del estado local italiano,
Los antecedentes del Renacimiento hay que buscarlos en el s. XIV, cuando
las ciudades-estado
italianas empezaron a multiplicar las cortes locales, buscando cada una sus
intereses locales, culturales, literarios… y con una proyección hacia el
futuro.
Fue
también fundamental para su despegue: -la
introducción de la lengua
vernácula, aún siendo todavía oficial el latín,
Con
el Renacimiento, la perspectiva: -lineal
empieza a racionalizar la visión, en una búsqueda de experimentación
continua,
Se puede decir que, a
nivel general: -el
Quatrocentto fue un laboratorio florentino de experimentos,
Fueron
principalmente tres:
-Humanismo.
Fue el código de conducta del ciudadano, con teoría educativa sobre cómo tenía
que ser el hombre. Su centro de pensamiento fue el hombre clásico de Roma, y su
modelo Augusto, Cicerón, Quintiliano…
-Papel
del artista. Es el momento en que surgen las biografías sobre
artistas[23],
comentarios sobre los artistas[24],
y propios escritos de los artistas[25].
Empieza a aumentar, pues, la consideración del artista, y sus diferencias
entre: -artista
de corte, más intelectuales[26],
y más reclamados por la burguesía, -Papel del mecenas. Que empieza a mostrar interés por el arte, como medio de propaganda de su poder político. Hubo competición de mecenas entre sí, y siempre existió en todos ellos el intento de mostrarse como el recogedor y transmisor de la virtus romana clásica, dando ejemplo de ciudadano modélico. c.1)
Recuperación de Antigüedad clásica
Ya había sido rescatada por la Iglesia y transmitida por ella misma a lo
largo de 1.300 años. Luego no se trató de un Renacimiento que partía de cero,
sino de la transmisión eclesial. Eso sí, supo dársele una nueva mirada, y
entenderla con una conciencia distinta.
Fueron tres las formas de mirar la Antigüedad clásica:
-Imitatio
y Aemulatio. Consistía en imitar (copiando) y emular (superando) las obras
antiguas[28].
Y aquí radicó toda la interpretación del arte renacentista: -más
filosófica en algunos lugares,
La arquitectura y escultura lo tuvieron más fácil en ese sentido[29],
pero la pintura necesitó recurrir a los textos para intentar mantener la
fidelidad al espíritu clásico[30].
-Academias
platónicas renacentistas. Surgieron de la fundación de la Academia
platónica de Florencia[31],
y tuvieron a Plotino[32]
como su modelo.
-Filosofía
clásica, cristianizada. Utilizó la filosofía clásica[33]
para explicar las ideas cristianas[34].
Luego el artista debía estar inspirado por Dios. c.2) Nuevos sistemas de representación
Trataron de aplicar sistemáticamente un sistema de leyes
geométricas al problema de las representaciones pictóricas: -mediante
la matemática,
Se trató de dar una nueva perspectiva[35],
pero siempre como un redescubrimiento de lo clásico[36],
y no como evolución de lo medieval[37].
Por ello, podía construirse un espacio
ficticio-ilusorio, pero éste tenía que: -ser
convincente,
Como consecuencia, fue generalizada en el Renacimiento la Teoría
de las Proporciones, por la que: -el
ojo tiende a centrarse en el centro, dentro de una línea de horizonte, y a
forma de punto de fuga[38],
Fue
Botticelli
el principal impulsor de esta perspectiva[39],
tratando de: -aplicar
la geometría euclídea a la visión[40],
Y Brunelleschi su principal
seguidor, con las 2 tablas que pintó sobre el Baptisterio de Florencia y Plaza Señoría
de Florencia, cuando iba a construir la cúpula de la Catedral de Florencia, y en un intento de
hacer ver a los canónigos: -la
perspectiva,
Fue publicado por la Catedral de Florencia para las puertas de su
baptisterio, patrocinado por el gremio lanero Arte
di Calimara de Florencia[41],
y marcó el nacimiento exacto del Renacimiento[42],
con dos obras finalistas imbuidas de renacimiento total[43]:
-Sacrificio
de Isaac de Ghiberti[44],
de canon policlético perfecto, resaltando la delicadeza, gracia y suavidad, y
sin el drama del padre que tiene que sacrificar a su hijo (de hecho, focaliza más
las referencias colaterales).
-Sacrificio
de Isaac de Brunelleschi[45],
de perfecta habilidad observativa, resaltando la vigorosidad, emoción y
coherencia narrativa, con el drama de Dios Padre entregando a su Hijo por la
humanidad.
Se trató del concurso de pintura narrativa más importante de la época,
y en él pudieron verse los frutos
de: -nuevo
ilusionismo pictórico, . ARQUITECTURA RENACENTISTA . a) Brunelleschi
De nombre Filippo Lapi (Florencia 1377-Florencia 1446), fue Brunelleschi[46]
arquitecto italiano e hijo de
notario, que decantó la carrera de abogado por la de orfebre, aprendiendo para
ello la geometría y la forma de ver y representar lo que ve.
Su
viaje a Roma
le permitió ver la forma de construir de los antiguos, y las bóvedas de varias
clases (con sus cimbras[47],
simetrías, proporciones, y la forma de prescindir de elementos técnicos).
Tras
perder el concurso de 1401, dejó la escultura y de dedicó sólo a la
arquitectura, inventando una nueva
arquitectura: -de
elevada matemática,
Ya había empezado a ser estudiada desde 1417, decidiendo el colegio de
canónigos su encomienda a Brunelleschi en 1420, con todo tipo de maquinaria
inventada[48]
o necesaria para el caso[49].
Brunelleschi decidió llevarla a cabo mediante el arco
apuntado ojival[50],
para repartir el peso y reducir la presión hacia fuera. Con una cimbra circular
como andamio, empieza a diseñar una cúpula[51]
de doble casquete[52]: -de
28 nervios hacia dentro, y 8 hacia fuera,
Destacó
su Hospital de los Inocentes de
Florencia-1419, para los niños abandonados de Florencia, y con la idea de
hacer una fachada
porticada para la gigantesca plaza. Se trató de la máxima perfección
de proporciones[53]
del arte racionalista[54],
permitiendo a la fachada la máxima luz y el mínimo peso sustentante.
Destacó
su Iglesia San Lorenzo de
Florencia-1423, donde Brunelleschi vuelve al paleocristianismo
romano[55],
y empieza a tender a un modelo básico. Apuesta por el techo plano, arquerías
simétricas, líneas rectas, simetría casi de espejo.
Destacó
su Iglesia Espíritu Santo de
Florencia-1436, donde Brunelleschi da tratamiento[56]
a la planta de cruz latina como si fuera (por efecto óptico) una especie de planta centralizada romana[57].
Alargó las capillas
laterales por la cabecera, todo el exterior y la fachada[58],
con la idea de unificarlas mediante 4
puertas de entrada. Dotó de luz[59]
todo el conjunto.
Destacó
su Capilla Pazzi[60]
de Florencia-1440,
donde Brunelleschi introduce ya directamente la planta rectangular
centralizadora, con 1 cúpula
centralizadora[61]
y 2 bóvedas circunstanciales de cañón. Desprecia el narthex, e introduce un ábside
semicircular[62]
de pies cuadrados[63].
De nombre
Michel
di Bartolomeo (Florencia 1396-Florencia 1472), fue Michelozzo arquitecto italiano que supo
trabajar a la sombra de los grandes arquitectos de la época, para los intereses
de los Médicis y los gremios florentinos de Sant Michelle.
Educado por Ghiberti, abrió un taller propio en Florencia-1424 para
atender la demanda privada, y otro más tarde en Pisa para hacerse con la
patente del mármol de Carrara[64].
Adaptado a los gustos de la clientela[65],
construyó todo
tipo de obras, hasta diques para los ríos, y supo combinar lo
antiguo con lo moderno.
Fue
construido en 1444 para Cosme de Médicis[66]
en pleno centro de Florencia, siendo comprado después por la familia Riccardi.
Copió
el estilo de Brunelleschi[67],
con planta rectangular y: -patio
con columnata, como centro neurálgico,
Su fachada constaba de 3 pisos y uno 4º
para la cornisa superior, todos con bastimento rústico[68]: -romano,
sin tallaje, rugoso y no liso ni pulido, en el 1º piso,
De nombre León
Battista Alberti (Génova 1404-Roma 1472), fue Alberti sacerdote del Vaticano,
abogado[69],
matemático y arquitecto
italiano, aparte de criptógrafo, lingüista, filósofo y el primer arqueólogo moderno de la
historia.
Se
trata del primer
teórico artístico del Renacimiento[70],
figura emblemática en Italia[71],
buscador incansable de nuevas reglas artísticas sobre el cuerpo humano,
inventor de la perspectiva científica[72],
inaugurador de la arquitectura moderna.
Proyectó
numerosas
obras arquitectónicas y artísticas
por toda Italia[73],
trabajando para el papado de Roma, los Este de Ferrara, los Gonzaga de Mantua,
los Malatesta de Rímini, así como para la alta burguesía italiana y la clase
nobiliaria florentina.
Construido en piedra caliza, en 1452 y plena
efervescencia constructiva[74]
florentina, a petición y costeo del rico banquero florentino Rucellai[75].
Tenía 3 pisos: -con
superposición de órdenes[76],
Enfatizaba así la bi-dimensionalidad, combinando
los vanos de las ventanas con los pilares, todo a forma de cuadrado.
Fue rediseñada en mármol por Alberti en 1470, respecto a la iglesia gótica
pre-existente desde el s. XIII, e introduciendo una fachada telón[78]
totalmente nueva.
Introduce
la policromía,
con mármoles en taracea[79]
y colores toscanos[80].
Tuvo como sustentación: -6
arcos apuntados[81],
tratando de hacer un envoltorio,
Siguió el modelo del cuadrado[82],
que divide la fachada en 2 mitades en total armonía[83]: -la
parte inferior[84],
más ancha que la superior,
Destacó
su Templo San Francisco de Rímini-1450,
encargado por Segismundo Malatesta como capilla
funeraria paleocristiana[87].
Envuelve a forma de cáscara el edificio gótico anterior, con elementos
emuladores de los arcos del triunfo romanos[88].
Destacó
su Iglesia San Andrés de Mantua-1470,
encargada en ladrillo
por Ludovico Gonzaga para guardar las reliquias
de la sangre de Cristo, y albergar gran afluencia de peregrinos. De
nave central impresionante, naves laterales de cañón no paralelas a la
central, impronta
etrusca y monumental, fachada de 4 altas pilastras, ombrelone
superior[89]
y cabecitas
en el arquitrabe-cubrimiento.
De nombre Donato d’Angelo (Urbino 1444-Roma 1514), fue Bramante arquitecto italiano y
el gran genio del Cinquecento, siendo el
principal arquitecto jefe de la descomunal y renovada Basílica San Pedro de Roma.
Su vida tuvo 2 periodos: -el
quatrocentista, al servicio de Ludovico Sforza
de Milán, donde conoce a Da Vinci, d.1)
Templo San Pedro in Montorio de Roma
Fue construido
entre la necrópolis y circo de Nerón y la vieja San Pedro del Vaticano, en
1502. Fue encargado por el rey de España, en honor a la crucifixión de Pedro, a modo de arquitectura
conmemorativa[91].
Contó con planta circular clásica, con
patio circular interior y con la idea de verse su interior desde el exterior[92].
Introdujo la columnata clásica, el arquitrabe, tambor en la 2ª planta[93]…
y todo tipo de referencias
clásicas.
Comenzó
a ser construida con roca
travertina[94]
el 18 abril 1506[95],
bajo Julio II y sobre
3 capas inferiores: los restos de la tumba de San Pedro, grutas y
criptas[96]
y la vieja Basílica Constantiniana de Roma-326. Dividió el trabajo por equipos: -de
arquitectura, al mando de Bramante y Rossellino,
Se trata de la interior planta
más grande del mundo, con 218 m. longitud x 136 m. altura, y una
superficie interna de 2,3 hectáreas, en la que se esparcían: -el
altar mayor, junto a 45 altares más y 11 capillas artísticas,
Fue algo más que un mero castillo-fortaleza medieval, y una especie edificación promocional,
administrativa y lucrativa de los nobles y grandes familias
comerciales.
Se trataba de “una ciudad
en pequeño”[99],
“una ciudad en forma de palacio”[100],
“un organismo
arquitectónico autosuficiente y polifuncional”[101].
Tuvo su punto de referencia en el Palacio Piti de Florencia, de Brunelleschi.
Destacó
el Palacio Strozzi[102]
de Florencia-1490,
basado en un modelo de madera de Giuliano da Sangallo. Contó con 3 pisos y uno 4º de cornisa,
almohadillado rústico, plano y ausente en sus 3 niveles,
arcos de medio punto y capiteles.
Destacó
el Palacio Diamanti de
Ferrara-1492, de Rosetti,
en modelo florentino pero muy decorativo[103].
Contó con 2 pilastras y arquitrabe en la puerta central, arcos de medio punto,
esquinas con balcón[104] y pilastras.
Destacó
la Villa Médicis de Poggio a
Caiano-1480, de Giuliano da Sangallo, en forma de villa romana[105]
campestre.
Contó con muralla exterior de 4 torres-fortaleza, uniendo naturaleza y arte, e
introduciendo el
frontón clásico
de los templos, a forma de sacralizar el campo. Incluyó también un salón
abovedado.
Destacó
el Palacio Ca’Vendramin-Calergi
de Venecia-1481, de Mauro Codussi para la familia Loredan. Contó con 3 pisos, arquitrabes, columnas,
regusto gótico, pisos con ventanales de vidrio[106]
y loggia
abierta[107].
Ya tuvo su primer intento de plasmación práctica con Brunelleschi,
cuando intentó representar en 1401-1409 y en 2 tablas de madera la Plaza Duomo
de Florencia y la Plaza Señoría de Florencia
No obstante, y así como la ciudad griega había sido de planta hipodámica, y la romana
pivotaba en torno al cardo y decumano… ahora
la ciudad renacentista se vino a convertir
en: -el
centro de la vida pública,
Se trataba, pues, de compaginar en la ciudad renacentista: -la
commoditas, o elemento funcional,
Así como su prototipo de ciudad fue: -la
Roma
cuadrada, para Alberti[108]
y la gran mayoría, . ESCULTURA RENACENTISTA . a) Ghiberti
De nombre Lorenzo
Ghiberti (Florencia 1378-Florencia 1455), fue Ghiberti escultor italiano y el fundador
del primer gran taller artístico de Italia, educando personalmente a
Donatello, Michelozzo, Ucello, Masolino, Filarete…
De
entorno social aceptable, aprendió la orfebrería de su padre, y obtuvo el
grado de maestro en orfebrería en 1409. Con 21 años ganó el concurso escultórico
para las puertas del Baptisterio San Juan
de Florencia-1401.
Sus
Comentarii-1453
aportaron valiosas referencias a los jóvenes artistas, así como introdujo una
importante autobiografía en la historia del Arte.
Completó los 28 paneles que habían sido
presentados para el concurso de la Catedral de Florencia-1401, y que el mismo
Ghiberti había ganado[110].
Fue encargada por el gremio pañero Arte de Calima: -sobre
escenas del AT[111]
fundidas en bronce dorado,
Se trata de imágenes verticales, con curvas,
movimiento dinámico, perspectiva lineal, cierta difusión del horizonte, suelo
que sale hacia el espectador, arquitectura totalmente clásica, cabezas sueltas
que decoran los marcos, personajes clásicos y otros de la época…
Llamadas así por el mismo Miguel Angel[113],
y calificadas de belleza
por el resto de artistas[114],
fueron esculpidas en bronce
dorado perfecto en 1426 para la Catedral de Florencia[115],
siendo la obra más importante de Ghiberti. Fue llevada a cabo con total libertad de ejecución, y trató
de distanciarse de la práctica y arte oficial de los gremios.
Contiene paneles[116]
sobre escenas del AT, que producen un gran efecto pictórico[117]: -saliendo
más hacia el espectador, la parte inferior del panel,
Completan
los paneles los profetas
de los laterales, a modo exento.
Se trató de una narración histórica[118]
que utiliza la escultura para: -evocar
las técnicas
pictóricas renacentistas,
Emplea, así mismo, la perspectiva: -lineal,
con 1 solo punto de fuga, en las losas del suelo,
Finalmente, rompe la teoría de las 10 figuras por escena, jugando con la visión del
espectador y tratando de educar la manera de ver.
De nombre Donato Bardi (Florencia 1386-Florencia 1466), fue Donatello escultor
del mármol, terracota, madera y bronce. De
la familia humilde de los Barri obtuvo la formación filosófica, y perteneció al
gremio de carpinteros.
Tuvo
tanta creatividad
que se le ha dividido en 3 fases creativas, pero siempre: -con
absoluta libertad temática,
Sin
linealidad
ni proporción perfecta clásica, Donatello siempre prefirió: -la
fascinación de lo que ve,
Pero
lo que le hizo alcanzar rápida fama fue su invención
de la stiacciato, escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo
plano, a forma de relieve aplanado[121].
Fue esculpido en 1408 para la Catedral de Florencia[122],
en mármol y con todo el significado[123]
que eso tenía. Se trata de un David joven, totalmente anti-medieval, con la
cabeza de Goliat a sus pies y una cinta original en la mano derecha, en la que
estaban escritos los héroes de la
patria. b.2)
Figuras del Huerto San Miguel de Florencia
Fueron esculpidas para un edificio gótico cuadrado[124],
lleno de esculturas del s. XIV puestas encima de hornacinas de los muros, y que
constituía la sede y granero
de los gremios florentinos[125].
Destacaron las aportaciones de Donatello, con su: -San
Marcos[126]-1413,
de 2,5 m. alto, encargado por el gremio de la lana, y en que muestra la sandalia
clásica, mirada
al frente, movimiento en reposo, contraposto[127]… -San
Jorge[128]-1417,
en mármol, y en que muestra el orgullo de la juventud
caballeresca, que vive sus ideas, con mirada
idealizada en la eternidad. Introduce, además, a San Jorge en contraposto, con texturas
bien acabadas en mármol, relieve en la parte inferior y planos súper bajos.
Destacó su Zuccone-1423, en
piedra, para el campanile de la Catedral de Florencia[129].
Muestra a un profeta
mortificado, inspirando su rostro en las mascarillas
funerarias romanas[130],
con niveles de incisión
increíble. Incluye gran desarrollo en los pliegues.
Destacó su Banquete de Herodes-1425,
en bronce dorado para la fuente bautismal de la Catedral de Siena, mostrando el horror
de la escena[131]
y su consecuente explosión
psíquica[132].
Rompe con el clasicismo idealista[133]
y deforma las
proporciones en pro de la expresividad[134],
sensación de realidad y coherencia de sentimientos. Introduce, no obstante, elementos renacentistas, como la
perspectiva clásica, los arcos de medio punto, el plegado de paños…
Destacó
su David Palaciego-1428,
en bronce clásico para el Palacio Médicis de Florencia[135].
Muestra un David adolescente y desnudo,
de 1,5 m, con curva
praxiteliana, suavidad en la piel, contraposto del Doríforo, con la
cabeza de Goliat a sus pies, piedra en la mano y casco desafiante. Llega al
realismo desde el lirismo.
Destacó
su Anunciación-1435, en
piedra caliza dorada y terracota
policromada para la Basílica Santa
Cruz de Florencia. Muestra la parte
más clasicista de Donatello, sin sorpresas ante el anuncio, con
humildad de María, equilibro María-libro, ángel reposado, serena comunicación…
Destacó
su Gattamelata equestre-1450,
en bronce para la Plaza del Santo de Padua. Representa al serio Erasmo
de Narni[136],
en 3,5 x 4 m, de cara contenida, fuerte disciplina e individualismo. Sobre pedestal elíptico, muestra el dominio
del jinete y caballo[137]
sobre la naturaleza[138],
aunque sin llegar a la posición de corbeta.
Destacó
su Magdalena penitente[139]-1453,
en madera para el baptisterio de la Catedral de Florencia[140].
Plasma la etapa
más liberal y expresionista de Donatello. Muestra un cuerpo
anciano, vertical, musculoso, sin rasgos humanos, sin dientes, con
pelo asilvestrado.
Destacó
su Judit y Holofernes-1454,
en bronce[141]
para el patio del Palacio Médicis de Florencia[142].
Muestra el gusto por los distintos
puntos de vista, y no sólo por el penitencial. Plasma una Judit
decidida, de 2,4 m, con rostro
tenso e impresionante, que sostiene la cabeza de Holofernes.
De nombre Jacopo d’Agnolo (Siena 1367-Siena 1438), fue Della Quercia escultor italiano que buscó la síntesis
entre la escultura gótica de Pisa y Borgoña, introduciendo en ambas
el clasicismo florentino.
Esculpió figuras monumentales,
de curvas y gran vitalidad,
golpes de expresividad
y efectos prácticos.
Fue
uno de los escasos antecedentes de Miguel Angel, y careció de discípulos que
continuaran su obra.
Destacó
su Tumba Hilaria del Carreto de
Lucca-1406, para la Catedral de Lucca y con las características de: -sarcófago
exento
totalmente en mármol,
Destacó
su Fuente Gaia de Siena-1409,
para la Plaza del Campo de Siena[144]
y con las características de: -forma
cuadrangular con 5
caños de agua,
Destacaron
sus Relieves San Petronio
de Bolonia-1425, para la puerta de la Iglesia San Petronio de Bolonia y con las características de: -escasa
pulición,
De nombre Lucca
della Robia (Florencia 1400-Florencia 1482), fue Della Robbia el escultor italiano de la dulzura,
armonía, suavidad, belleza decorativa… siendo las terracota vidriadas de Vírgenes
con niño su tema favorito, sobre fondos
blancos o azules.
Hijo de tintoreros, estudió por su cuenta la Antigüedad, y montó junto
a su hermano un taller familiar artístico[154],
pero sin
demasiados avances renacentistas.
Destacó su Cantoría de Catedral de Florencia-1431, en mármol
para la entrada de la sacristía de la catedral florentina[155],
y con las características de: -más
clasicismo
que la Cantoría de Donatello[156],
De nombre Andrea di Cione (Florencia 1435-Venecia 1488), fue Verrocchio escultor italiano, profesor en la corte de los Médicis, y maestro
de Da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Botticelli.
Hijo
de un fabricante de azulejos, emigró a Venecia y allí aprendió el arte de
manos de un tal Verrocchi.
Vuelto
a Florencia, creó un taller de altísimo nivel[160]
que no quiso compartir con nadie, e imponiendo en él el más sereno
clasicismo renacentista de ahí en adelante.
Destacó
su Duda de Santo Tomás-1463,
en bronce para el Huerto San Miguel de Florencia[161]
y con las características de: -una
obra monumental de 2m.
altura,
Destacó
su Fuente Putto con Delfín de
Florencia-1470, en bronce para el Palacio Vecchio de Florencia y con las características de: -giro
ex-profeso[166],
De nombre Antonio Benci (Florencia 1431-Roma 1498), fue Pollaiuolo escultor italiano, experto en esmaltes y discípulo
de Domenico Veneciano.
Hijo de un granjero de pollos, fundó con su hermano Pedro Benci su
propio taller florentino, inventando entre ambos la técnica
del ecorché[168],
y reflejando un interés por la anatomía
clásica[169],
brusca en el hombre[170]
y serena y detallista en la mujer.
Destacó
su Hércules y Anteo-1431,
en bronce con aires
pictóricos[171]
y con las características de: -multiplicidad
de puntos
de vista[172],
La Tumba Aragazzi de Montepulciano-1430
fue esculpida
por Michelozzo en mármol de Carrara, por encargo de Bartolomé Aragazzi[177]
para la Catedral de Montepulciano. Con afán arqueologicista[178]
y realismo de las mascarillas romanas republicanas, representa las virtudes
teologales con gran expresividad, al igual que la recepción en el cielo a
Aragazzi, por parte de la Virgen y su familia.
La Tumba Bruni de Florencia-1444
fue esculpida por Bernardo Rossellino[179]
en mármol, por encargo de Leonardo Bruni[180]
para la Basílica Santa Cruz de Florencia. Con afán centralizador
en la esfinge central, deja sencillo todo lo demás[181],
incluido el arco superior[182].
Innovó las 3 bandas de colores[183],
y puso al difunto yacente sobre una losa sujetada por 2 águilas[184],
con libro en la mano y panel laudatorio[185].
La Tumba Marsupini de Florencia-1453
fue esculpida por Desiderio Settignano[186]
en mármol porfírico blanco, por encargo de Carlo Marsupini[187]
para la Basílica Santa Cruz de Florencia. Con sepulcro en forma de
urna, y flanqueamiento de puti-niños en vez de
ángeles, muestra gran clasicismo[188]
y dinamismo, con texto laudatorio incluido.
La Tumba del Cardenal portugués de
Florencia-1460
fue esculpida por Antonio Rossellino[189]
en mármol porfírico rojo[190], por encargo de la familia del cardenal[191]
para la Iglesia San Miniato de
Florencia. De gran unidad decorativa, bajo arco
hecho con profundidad y rosetones, fondo combinado con el rojo[192],
y una cortina que permite ver la escena. Aludiendo a los viejos
panteones romanos[193],
introduce la iconografía cristiana: -centralizándolo
todo con la Virgen del fondo, . PINTURA RENACENTISTA .
De nombre Tommaso Cassai (Arezzo 1401-Roma 1428), fue Masaccio un pintor
austero, aunque su muerte precoz le hizo no poder desplegar toda su capacidad.
Entró
a los 16 años en los gremios de Florencia, y de ahí pasó a la Asociación de
Pintores San Lucas de Florencia[195].
Mucho
más dramático y libre que su precedente Masolino[196],
tuvo gran personalidad y supo dejar obras de marcada
autoridad. No tuvo parecido
estilístico con nadie, y rompió con la composición anterior: -poniendo
la pintura estructural por encima de la decorativa,
Pintados al buon fresco[197]
en 1424, junto a Masolino[198]
y Lippi[199],
para la Iglesia del Carmen de
Florencia. Fueron encargados por los Brancacci[200],
y dedicados a la Madonna del popolo[201]
y a la vida de San Pedro[202].
Destacaron los pasajes del: -Pecado
original y expulsión del paraíso-1424,
de angustia y
dramatismo[203]
supremos en la historia del Arte, con toda su iconografía[204], -Tributo
de la moneda-1427, de género descriptivo-histórico[205],
composición circular[206],
perspectiva lineal[207],
perspectiva aérea
al fondo[208],
luz
natural moldeadora[209],
claros-oscuros[210]
para crear relieve escultórico, figuras
pesadas[211]
y dinámicas[212],
colores
típicos y gestos
identificadores[213].
Fue pintada al buon fresco con pincelada amplia
de temple, en 1425 y para la Basílica Santa
María Novella de Florencia, por encargo de la familia de los Lenci.
Muestra
una iconografía
100%
religiosa[214]
y 100%
clásica[215],
sin detalles decorativos, con los colores
suaves de Masaccio[216],
epígrafes en la parte inferior[217].
Introduce 3
triángulos
invertidos, como perspectiva matemática sugerida por su amigo
Brunelleschi, para producir sensación
de realidad[218]
y dividir: -el
mundo divino, desde el punto de fuga hacia arriba,
Destacó
su Tríptico de San Juvenal[219]-1422,
para la Iglesia San Juvenal de
Reggello. Muestra una factura[220] suelta y amplia, con gradaciones
monocrómicas suaves[221].
Con trono excepcionalmente tridimensional
y realista[222],
caras raras que transmiten
expresión[223],
paños coloreados.
Destacó
su Políptico de Pisa-1426,
para la Iglesia del Carmen de
Pisa[224].
Muestra a la Virgen con niño[225],
la Adoración de los Magos[226],
la Crucifixión[227].
En la Virgen
con Niño introduce abundantes colores rosas, niño bien sentado y
flexible, juego de luces en el niño, búsqueda de tridimensionalidad, líneas
anatómicas no tan geométricas… En la Adoración[228] introduce ausencia de cielo,
sencillez, austeridad decorativa, ordenamiento de personajes, sombras en el
suelo, silla romana de la Virgen, 2 pajes vestidos con capas negras
renacentistas[229]…
En la Crucifixión
se vuelve al fondo dorado arcaico, Cristo con mucho estudio anatómico y lumínico[230],
actitudes de dolor, un arbusto en lugar del INRI.
De nombre Guido
di Mugello (Florencia 1390-Roma 1455), fue fray Angelico pintor de exitazo de la 1ª
generación de quatrocentistas, asumiendo las novedades pictóricas y
pro-arquitecturas clásicas de Masaccio desde un estadio gótico anterior[231],
y haciendo de puente,
junto a fray Filippo Lippi, con la generación posterior.
Ilustrador de pergaminos[232]
en su convento dominico, ya se había dedicado a combatir la herejía mediante
la ortodoxia y sus figuritas
pictóricas[233],
paisajes continuos, suelos renacentistas… y otro tipo de elementos renacentistas que fue
aprendiendo.
Destacó
su Tabernáculo de Tejedores-1433,
hoy en el Museo San Marcos de
Florencia[234]
y con las características de: -una
predela inferior de San
Marcos,
Destacó
su Coronación de María-1430,
hoy en el Museo Louvre de París y con
las características de: -una
predela inferior de Santo
Domingo[236],
Destacó
su Descendimiento de Cristo-1432,
hoy en el Museo San Marcos de
Florencia[238]
y con las características de: -pintura
al temple sobre madera,
Fue pintada en temple sobre tabla escuadrada, en 1426
y para el convento dominico de Fiésole[241].
Sin gran evolución estilística,
marca una tríada de Anunciaciones junto a la Anunciación-1432 de Cortona[242]
y la Anunciación-1440 de San Marcos[243].
Introduce elementos arquitectónicos renacentistas totales[244],
unificación espacial[245],
profundidad espacial[246],
iconografía cristiana[247]…
y todo a forma de visión a través de una ventana. b.2)
Frescos de Capilla Nicolina
del Vaticano
Fueron encargados en 1447 por Eugenio IV[248]
y su sucesor Nicolás V[249],
tratando de retomar la Antigüedad
clásica, sobre todo en su parte paleocristiana.
Introduce grisallas para pintar formas
escultóricas, y fondos
arquitectónicos sobre todos los lunetos.
Incluye 6 escenas de San Esteban[250]
y 5 escenas de San Lorenzo[251],
en medio de las cuales se entrecruza la figura de Pedro[252].
De nombre
Filippo Lippi (Prato 1409-Espoleto 1469), fue fray Filippo Lippi
el pintor
italiano más demandado de toda la historia, teniendo como discípulos a
Botticelli y su hijo Lippi[253].
Transmitió una inédita dulzura en el arte[254],
introduciendo algunas características pictóricas de la pintura
neerlandesa mural[255]
y originando la elegancia
nerviosa del paisaje.
Destacó
su Virgen de Tarquinia-1437,
hoy en el Museo Barberini de Roma y
con las características de: -el
interior doméstico[256],
Destacó
su Virgen con niño, San Frediano y San
Agustín-1440, hoy en el Museo Louvre de París[258]
y con las características de: -nichos
arquitectónicos avenerados,
De nombre Filippo Lippi (Prato 1457-Florencia 1504),
fue Filippino Lippi pintor italiano y
amigo de Botticelli, con el que compartió muchos proyectos.
Hijo de sacerdote, fue versátil
tanto en frescos como en óleo, temple, y todo tipo de temáticas. Fue
solicitado continuamente por los Strozzi.
Tendió
hacia la verticalidad
de las figuras, y hacia el estilo
grotesco[259]
que captó durante sus idas y vueltas a Roma.
Destacó
su Virgen entronizada-1486,
hoy en la Galería Uffizi de Florencia[260]
y con las características de: -un
canon alargado[261],
Destacó
su Aparición de la Virgen a San
Bernardo-1489, hoy en la Iglesia Badia de Florencia y con las características de: -la
iconografía[264]
cristiana.
Destacó
su Ciclo de Santo Tomás de Aquino-1489,
hoy en la Capilla Caraffa de Roma[265]
y con las características de: -la
iconografía
cristiana[266],
Destacó
su Ciclo de San Felipe y San Juan
Bautista-1493, hoy en la Capilla Strozzi de Florencia[270]
y con las características de: -la
iconografía
cristiana[271],
De nombre Paolo
di Dono (Pratovecchio 1397-Florencia 1475), fue Uccello[275]
el pintor veneciano
por excelencia, discípulo de Alberti y el último de la 1ª generación
de pintores experimentales.
Hijo de cirujano, con 10 años ya adquirió el reconocimiento
precoz del mismo Ghiberti, que lo llamó a entrar en su grupo[276].
Tampoco quiso tener discípulo alguno.
Representó a la perfección el espacio y la perspectiva lineal matemática[277],
proyectando en su obra todas las novedades de la época, sin olvidar la herencia gótica internacional.
Destacó
su Milagro de la Forma-1467,
hoy en el Museo de Urbino y con las características de: -vuelta
al tardogótico,
Destacó
su Caza Nocturna-1470,
hoy en el Museo Ashmolean de Oxford y con las características de: -figuras
coloridas-brillantes
y ligeras
de volumen,
Destacó
su Estatua equestre de Sir John
Hawkwood[280]-1436,
hoy en la Catedral de Florencia y con las características de: -pintura
al fresco, con color
verdoso,
Fue pintado bajo forma de tríptico en 1456[281],
en temple al huevo sobre madera, con medidas de 3,1 x 1,8 m. y por encargo de los Médicis[282],
para representar la victoria de los florentinos y sus aliados[283].
Incluyó las 3 tablas de: -Nicolás
Tolentino al frente de los florentinos[284],
o tabla de Londres,
En la tabla de Londres se representa el momento de lanzarse el
ataque florentino, desde la izquierda. Inserta una
figura en cada loseta, a partir del punto de fuga, presenta cierta
exploración de los espacios[287],
y con damascos
y elementos decorativos[288]
va creando un relieve
óptico de colores[289],
que saltan a la vista.
En la tabla de París se representa un momento de parón en la
batalla. Traza un espacio de baldosas sin baldosas,
introduce escorzos
angulados[290],
y hace resaltar el color
plata de las armaduras.
De nombre Domenico
Bigordi (Florencia 1449-Florencia 1494), fue Ghirlandaio pintor italiano especializado en los mosaicos
y estilo
narrativo-histórico.
Reclamado
por los Médicis y Tornabuoni, se decidió en 1475 por el papa Sixto IV[291],
tendiendo siempre a la belleza
y dulzura, y dejando lo
experimental en un 2º plano.
Destacó
su Adoración de Pastores-1483,
para la Iglesia Santísima Trinidad de
Florencia y con las características de: -los
elementos clásicos[292]
y florentinos[293],
Destacó
su Retrato de Abuelo con Nieto-1488,
hoy en el Museo Louvre de París y con
las características de: -contraste
entre la deformación
de la vejez y la belleza de la infancia[294],
De nombre
Domenico
di Bartolomeo (Venecia 1400-Florencia 1461), fue Veneziano pintor
italiano especializado en el manejo de colores
y la luz[295],
para crear luz
atmosférica.
Educado en su Venecia natal, se trasladó a Perugia y de ahí pasó a
trabajar en Florencia al servicio de los Médicis[296].
Sus Vírgenes con niño le hicieron ganarse el título de revolucionario.
Destacó su Retablo de Santa Lucía-1445, para la Iglesia Santa
Lucía de Magdoli[297]
y con las características de: -la
iconografía
cristiana[298],
De nombre Andrea di Bargilla (Castagno 1421-Florencia 1457), fue Castagno
pintor italiano descubierto por fray Filippo Lippi, y dado
a recordar a Giotto y Masaccio.
Fue
reclamado por los Médicis para pintar a los ahorcados de la Guerra de Anghiari-1440[299],
y de ahí se dedicó a pintar todo
tipo de temáticas.
Fue
el iniciador de la línea
y contorno renacentista[300],
de la sinopia[301],
de la intarsia[302]
y de los torna-solados[303].
Destacó
su Ultima Cena-1447,
para el Convento Santa Apolonia de
Florencia[304]
y con las características de: -la
iconografía
cristiana[305],
Destacó su Dormición de la Virgen-1448, para la Basílica San
Marcos de Venecia y con las características de: -búsqueda
de sensación
real,
De nombre Benozzo di Lese (Colombano
1421-Pistoia 1497), fue Gozzoli pintor italiano descubierto por fray Angelico[310]
y entregado a Eugenio
IV[311].
No fue
gran innovador, pero sí supo captar
el gusto de sus patrocinadores, sin desprenderse nunca del tardo-gótico
internacional.
Destacó su Capilla de los Reyes Magos-1459, para el Palacio Médicis-Ricardi
de Florencia[312]
y con las características de: -el
viaje
de los 3 magos[313],
De nombre Antonio Benci (Florencia 1431-Roma 1498), fue Pollaiuolo pintor italiano, experto
en esmaltes y discípulo de Domenico Veneciano.
Hijo de un granjero de pollos, fundó con su hermano Pedro Benci su
propio taller florentino, inventando entre ambos la técnica
del ecorché[318],
y reflejando un interés por la anatomía
clásica[319],
brusca en el hombre[320]
y serena y detallista en la mujer.
Destacó su Apolo y Dafne-1470, hoy en la Galería Nacional
de Londres y con las características de: -el
fondo
de la Roma del s. XV,
De nombre Alessandro Filipepi (Florencia 1445-Florencia 1510), fue Sandro Botticelli[323]
el pintor italiano de la edad
de oro florentina.
Hijo
del barrio
obrero de Florencia, empezó a recibir trabajos de la familia vecina
Vespucci, despuntando una modernidad[324],
mitología[325]
y feminidad insospechada, todo ello
pintado al temple.
Demandado por todo el mundo[326],
se decidió en 1481 por el mecenazgo del papa Sixto IV[327],
con el que desarrolló una pintura
neoplatónica.
Destacó su Nacimiento de Venus-1485, hoy en la Galería Uffizi
de Florencia y con las características de: -un
ideal distante[328],
Destacó su Primavera-1481, hoy en la Galería Uffizi
de Florencia[332]
y con las características de: -una
auténtica primavera
del Arte[333],
De nombre Andrea
Mantegna (Mantua 1431-Mantua 1506), fue Mantegna pintor italiano de la escuela de Mantua[335],
casado con una
Bellini, hermana de los hermanos pintores.
Hijo de pastor, fue iniciado en los anticuarios con 10 años, a los 17 se
independiza y pasa a trabajar para los Gonzaga,
y para el papa Inocencio VIII, introduciendo por 1ª vez la pintura de corte, la restauración
artística, la numismática
arqueológica y la perspectiva en sotto in su[336].
Destacó su Capilla de los Esposos-1474, para el Palacio ducal
de Mantua y con las características de: -frescos
por todos los espacios, a partir de la
misma idea,
De nombre
Pierro
di Franceschi (Arezzo 1415-Arezzo 1492), fue Della Francesca pintor italiano de la escuela de Mantua,
aparte de matemático que llenó el arte de
geometría
ecuclídea y del ábaco[337]
aritmético de madera.
Hijo de mercaderes, introdujo en el arte claridad,
humanismo sereno,
y escribió De Prospectiva y Di
Ingendi sobre el uso de las formas
y de la luz y
color[338]
Destacó su Leyenda de la Vera Cruz-1452, para la Basílica San
Francisco de Arezzo y con las características de: -la
iconografía
cristiana, en 9 escenas[339],
De nombre Giovanni
Bellini (Venecia 1433-Venecia 1516), fue Bellini pintor italiano de la escuela de Venecia[340],
muy ligada a la vecina Padua, y de impronta
bizantina, con perspectiva, luz
veneciana[341]
y naturalismo.
Hijo
del gran Japoco Bellini, y hermano de Gentile Bellini, representó el momento
de oro veneciano, recibiendo en su taller[342]
a los mismos Tiziano
y Giorgione.
Supo
hacer la pintura veneciana más sensual[343] y colorista, gracias al uso de tintes
intensos[344]
y sombras detalladas.
Destacó su San Giobbe-1487, hoy en la Galería Academia de
Venecia y con las características de: -retablo
gigantesco
al óleo, de 4,7 x 2,5 m,
De nombre Antonello di Giovanni (Mesina
1430-Mesina 1479), fue Da Mesina pintor italiano de la escuela de Sicilia[346],
y el primer promotor
del óleo[347].
Hijo
de artesanos, aprendió a cincelar desde pequeño, y la cultura flamenca que llegaba
desde Flandes. Viajante sin descanso, trabajó siempre al mosaico, haciendo grandes lazos
con el mundo de Venecia[348].
Destacó su San Jerónimo en su Estudio-1460, hoy en la Galería Nacional
de Londres y con las características de: -arcos
ilusionistas, entre románicos y góticos,
Destacó su Virgen Anunciada-1475, hoy en el Museo Abatelis
de Palermo[349]
y con las características de: -análisis
psicológico, para conocer al personaje,
De nombre Leonardo da Vinci (Anchiano 1452-Amboise 1519), fue Da Vinci pintor italiano, discípulo del gran Verrocchio
y colaborador inseparable del milanés Francesco Melzi[350].
Trabajó
al servicio de la familia Sforza
de Milán, en Venecia
y con Francisco I de Francia[351].
Fue un polifacético
genio de la humanidad, e iniciador del Cinquecento[352].
Proyectó desde muy joven escribir un tratado sistemático sobre sus ideas, hoy perdido entre una
enorme cantidad de notas anotadas de 1489 a 1518[353],
con sede en el archivo Vaticano.
Da
Vinci investigó la zoología, la anatomía, la botánica, la geografía, las
matemáticas, la mecánica… expresando su fe en esta experiencia sensorial, y en la fórmula
de Aristóteles de que “todo nuestro saber tiene su origen en las
percepciones”[354].
La
creencia de Leonardo en la imitación
exacta de la naturaleza fue llevada hasta el extremo, debiendo
imitarse la naturaleza con fidelidad y no tratar de mejorarla[355],
conforme a pretextos de belleza u omisión de fealdades[356].
Visto así, el arte debía juzgarse según dos
criterios[357]:
la certeza y la plenitud del saber.
Y analizarse las figuras humanas: -fijas
en la altura,
Introdujo Da Vinci la teoría del decorum[358],
repitiendo que era importante mostrar el espíritu
humano[359].
Leonardo sostenía que la pintura
era la más excelente[360]
de las ciencias, porque podía emplear el color, la perspectiva aérea, trasparentes,
tempestades… y representar así perfectamente a la naturaleza.
Destacó su Señora con Erminia-1483, hoy en el Museo Czartovsky
de Cracovia y con las características de: -el
retrato
de Cecilia Gallerani,
Destacó su Ultima Cena-1495, hoy en el dominico Convento Santa
María de Gracia de Milán y con las características de: -gran
análisis
matemático,
Destacó su Gioconda-1503, hoy en el Museo Louvre de París[362]
y con las características de: -oleo
sobre tabla, sin
contornos definidos,
De nombre Rafael
Sanzio (Urbino 1483-Roma 1520), fue Rafael pintor italiano, célebre por su perfección
y gracia en las artes visuales, hiperprolífico y el primer artista moderno[363].
Hijo de pintor sin relevancia, fue niño
prodigio y huérfano, que pronto aprendió de Peruggino
y entró en los talleres de Montefelto[364],
y que pronto
murió sin haber llegado a constituirse en el pintor más productivo
de la historia.
Trabajo siempre dentro de las estancias
vaticanas, y allí fue evolucionando
desde el arte normativo, equilibrado, sereno[365],
idealista[366],
elegante[367]
y académico hasta elementos totales de la curva[368]
y del manierismo. Introduce nuevas
técnicas[369]
pictóricas.
Destacó su Desposorios de la Virgen-1504, hoy en la Pinacoteca Herrera
de Milán[370]
y con las características de: -el
punto de fuga,
en la ventana del fondo,
Destacó su Sueño del Caballero-1504, hoy en la Galería Nacional
de Londres y con las características de: -complejo
y modélico paisaje,
Destacó
su Escuela de Atenas-1508,
hoy en la Signatura Vaticana[375]
y con las características de: -interpretación
filosófica,
Destacó
su Disputa del Santísimo Sacramento-1508,
hoy en la Signatura Vaticana y con las características de: -interpretación
teológica[381],
Destacó su Expulsión de Heliodoro del Templo-1511, hoy en los
Palacios Vaticanos[385]
y con las características de: -la
época manierista
de Rafael,
Destacó su Misa de Bolsena-1512, hoy en los Palacios Vaticanos[387]
y con las características de: -el
milagro de
1263[388],
Destacó su Liberación de Pedro-1513, hoy en los Palacios
Vaticanos[390]
y con las características de: -escena
nocturna, con Roma
de noche,
Destacó su Fuego en el Borgo de San Pedro-1514, hoy en los
Palacios Vaticanos[391]
y con las características de: -fresco
de pura pintura narrativa,
De nombre Michelangelo Bounarroti (Florencia 1475-Roma 1564), fue Miguel Angel escultor y pintor[394],
y el mayor
artista de la historia. Apodado el
Divino por la corte republicana de Florencia en 1560, ese mismo año
recibió también la honra de todos los artistas
florentinos en pleno[395].
Fue biografiado por dos veces en
vida, por Vasari[396]
en 1550, y por Ascanio Condivi[397]
en 1553. Francisco de Holanda[398]
también vino a Roma en 1538 y se movió en el círculo de Miguel Ángel.
En
Florencia
desarrolló Miguel Angel su concepción artística renacentista[399],
su tradición científica, atmósfera de neoplatonismo, y conocimiento de la
naturaleza que aprendió en el taller de Ghirlandaio y círculo de Lorenzo de
Médicis.
Hacia
1530, y cuando la Reforma Protestante había
empezado a dividir a la Iglesia, Miguel Angel empezó a reclamar una reforma interna dentro de la Iglesia.
No
obstante, tras esta época de rebeldía interior, se produjo la misteriosa conversión[400]
de Miguel Angel, donde: -abandona
todos sus principios previos,
En Roma
encontró Miguel Angel una ciudad a la altura de su capacidad, y con un papel
de guía política para el mundo. Aquí estudió Miguel Angel la anatomía, la
perspectiva… pero nunca creyó en la imitación exacta de la naturaleza[401].
El
mundo real pasaba a ser inexistente[402],
y su interés se centraba en la capacidad para sobrepasar
este mundo visible. Ya en sus escritos, era posible encontrar en este
nuevo modo de concebir el arte: -lo
efímero de la belleza,
Y
es que el amor
debía surgir
“de los sentidos humanos más nobles”, y esto era posible “a través de la vista”.
Destacó su Piedad-1499, hoy en la Basílica San Pedro de Roma[403]
y con las características de: -final
de la 1ª
etapa de Miguel Ángel,
Destacó su David-1504, hoy en el Museo de la Academia de Florencia y con las características de: -5,2
m. altura, . RENACIMIENTO
VENECIANO .
No pudo desarrollar una gran pintura mural debido a la enorme humedad[409]
de Venecia. Eso sí, la funcionalidad
del pintor veneciano fue siempre muy libre.
En
Venecia se juntó: -la
técnica del óleo[410],
venida de los Países Bajos,
Con el óleo se pudo desarrollar lo
opaco-trasparente[412]
y lo más rugoso-menos rugoso[413].
Se trataba de ir imponiendo: -la
veladura[414],
allí donde Bellini y Da Vinci habían sido la avanzadilla,
Con el lienzo Venecia fue evolucionando
según fue pintando, alternando evolutivamente las composiciones pictóricas.
También la luz[417]
veneciana influyó en las técnicas desarrolladas: -como
una luz invasora y difuminadora,
Por último, fue el color
la forma con la que pintó Venecia. Se trataba de un colorito[419]
sin dibujo previo, “infinito, imposible de explicar con palabras, cuyos
colores son bellos en sí mismos y no necesitan un dibujo de contorno previo”[420].
Venecia trató, pues, da dar importancia al color, más que a la
caja-contorno que contiene al color. De ahí la importancia del tono,
de cómo colocar ese color.
Según Boschini, fue Venecia la que alcanzó los 3 grados de perfección[421],
pues “la imitación es imposible sin claro-oscuro y sin color, y Venecia supo
hacer inseparables el color y la pincelada”[422].
Según Vasari, la pintura veneciana “puede imponer el espíritu a la materia, pero
nunca llegar a la perfección, dado que carecía de grabados, maestría y
capacidad imitativa”[423].
De nombre Giorgio Barbarelli (Castelfranco 1477-Venecia 1510),
fue Giorgione pintor
veneciano de escasa obra pictórica, pero suficiente para ser biografiado por
Paolo Pini y Carlo Ridolfi. Universalizó la técnica del óleo[424],
inició la técnica del lienzo,
introdujo el esfumato
en Venecia[425],
realizó cuadros de género,
y supo poner al paisaje como el elemento
fundamental.
De
origen oscuro, trabajó para las familias Barbarigo, Ferrante y Tedeschi, en el
Palacio ducal de Venecia, Sede de mercaderes alemanes de Venecia, Palacio
Soranzo y Palacio Grimani. Su muerte prematura en la Peste-1510 hizo saltar su fama
por toda Italia: -por
su “esplendor, sensualidad y poética melancolía” de una Venecia en auge
cultural,
Fue
el primero en asentar la nueva
pintura veneciana, sobre lienzo y sin pintura previa. Pues para él,
“la pintura es los colores mismos”. Fue, por tanto, el fundador de la
pintura moderna[426],
a pesar de las críticas que recibió por menospreciar el dibujo previo[427].
Destacó su Retrato de Hombre-1505, hoy en el Museo de
Arte de San Diego y con las características de: -aceite
sobre panel,
Destacó su Madona de Castelfranco-1506, hoy en la Catedral de
Castelfranco y con las características de: -sacra
conversación triangular[428],
Destacó su Tempestad-1508, hoy en el Museo de la Academia de Venecia
y con las características de: -poema
pictórico[429],
Destacó su Tres Filósofos-1509, hoy en el Museo del Arte de
Viena y con las características de: -alegoría
de la filosofía medieval-árabe-renacentista,
Destacó su Venus dormida[433]-1510,
hoy en el Museo de Dresde y con las características de: -personajes
remotos[434],
De nombre
Tiziano
Vecelli (Belluno 1485-Venecia 1576), fue Tiziano pintor veneciano conocido como
“el Sol entre las estrellas”, y versátil
en todo tipo de retratos, paisajes, mitología, asuntos religiosos… Destacó
por su color y pincelada suelta y delicada.
Hijo de militar, fue educado desde los 10 años junto a los hermanos
Bellini, por el mosaista Zuccato, trabajando para los papas León X y Pablo III,
los Este, Gonzaga, Farnesio, Urbino y la Corte española de Carlos I y Felipe
II. Trasladó
su espíritu a la Escuela de Bolonia, a Rubens, Caravaggio[435]
y resto de pintores del XVI.
Destacó por su acabado meticuloso, colores
brillantes, contornos menos definidos, colores salidos de las líneas, luces
difuminadoras de colores. Evolucionó hacia una técnica casi deshecha e
impresionista, a base de pasta de color y sin dibujo alguno.
Destacó su Madona Gitana-1511, hoy en el Museo del Arte de
Viena y con las características de: -recursos
ópticos,
Destacó su Amor sacro y Amor profano-1515, hoy en la Galería Borghese
de Roma y con las características de: -alegoría
del amor religioso[438]-pagano[439],
Destacó su Madona con la familia Pesaro-1519, hoy en la Iglesia Santa
María de Frari de Venecia y con las características de: -escudo
de los Pésaro,
Destacó su Baco y Ariadna-1520, hoy en la Galería Nacional
de
Londres[441]
y con las características de: -contactos
con piezas florentinas,
Destacó su Venus de Urbino-1538, hoy en el Palacio ducal
de Urbino y con las características de: -emulación
de la Venus de Giorgione[443],
Destacó su Familia Vendramín-1540, hoy en la Galería Nacional
de Londres y con las características de: -un
retrato en una escena,
Destacó su Pablo III con sus Sobrinos-1555, hoy en el Museo Capo
dil Monte de Nápoles y con las
características de: -ubicaciones
de cortina, tronco, mesa[450]…
De nombre Jacoppo Robusti (Venecia 1518-Venecia 1594), fue Tintoretto pintor
veneciano conocido como “el Furioso” por su dramático uso de la perspectiva
y especiales
efectos de la luz. Fue admirador del colorido de Tiziano y del dibujo
de Miguel Angel, y deambuló entre el manierismo y el barroco.
Hijo de tintorero y mayor de 21 hermanos, fue educado personalmente por
Tiziano, cuyo círculo le excluyó y dejó en la miseria.
Formó su propio taller, que trabajaba de noche y sin que nadie conociera sus técnicas.
Trabajó siempre para los Pisani, en la Escuela San
Marcos de Venecia[455],
la Iglesia San Roque de Venecia y el Palacio ducal
de Venecia.
Contó
siempre con modelos
de cera, que hacía antes de pintar un personaje, e incluso a veces
con muertos diseccionados. Con tácticas poco ortodoxas, y enorme rapidez
en la ejecución[456],
su obra fue puro movimiento del pincel[457].
Destacó su Lavatorio de Pies-1547, hoy en el Museo Prado de Madrid[458]
y con las características de: -resistencias
de Pedro,
Destacó su San Marcos liberando al Esclavo-1548, hoy en el Museo de
la Academia de Venecia[459]
y con las características de: -drama
total, con falta de claridad[460],
Destacó su Encuentro del cuerpo de San Marcos-1562, hoy en el
Museo de la Academia de Venecia[465]
y con las características de: -3
escenas de San Marcos,
De nombre Paolo Cagliari (Verona 1528-Venecia 1588), fue Veronés pintor veneciano
que despuntó por el lujo suntuoso[469]
y los grandes
formatos[470],
admirando sobre todo el manierismo de Miguel Angel.
Hijo de picapedrero, fue educado por un tal Antonio Badile, veronés y
futuro suegro que le enseñó la técnica
del sotto
in su-de abajo a arriba[471].
Trabajó en la Iglesia San Sebastián
de Venecia y para la familia Cuccina, hasta que fue condenado por la Inquisición
por sus excesivas irreverencias.
Utilizó siempre empastes ligeros[472],
no descuidó la perfección del dibujo previo, y se decantó por los colores fríos[473].
Presentó siempre escenas
calmadas, equilibradas, y con estabilidad sentimental[474].
Destacó
sus Bodas de Caná-1563,
hoy en el Museo Louvre de París[475]
y con las características de: -más
de 150 figuras,
Destacó su Banquete en casa de Simón-1573, hoy en el Museo de
la Academia de Venecia[477]
y con las características de: -arquitectura
clásica[478],
a forma de tríptico, f) Bassano
De nombre Jacoppo da Ponte (Bassano 1515-Bassano 1592),
fue Bassano pintor
veneciano que destacó por la invención del tenebrismo,
así como por sus tamaños
apaisados horizontales[480].
Hijo de Francesco Bassano, y padre del gran Leandro Bassano, fue educado
Jacoppo en el taller familiar iniciado por su
padre, dando un estilo tenebrista al mismo, e infundiendo su espíritu en su
hijo. Primó siempre por el estilo narrativo-bíblico, siendo prototípicos sus animales de granja, detalles de bodegón, vida cotidiana, multitud de figuras y paisajes destacados. . MANIERISMO
RENACENTISTA .
Del término
maniera-cosa
rara, se trató de un movimiento subjetivo, de recreación y torcimiento de las
líneas renacentistas[481],
de alteración de los colores en la piel o vestidos.
Del adjetivo greca-griego[482],
trató de aportar una visión subjetiva de la realidad, pintando las cosas como
las veía el artista, y no como eran en sí.
Datado de 1510 a 1600[483],
fueron causas
de su aparición[484]
los interrogantes generados en torno a: -Reforma
luterana-1517, que rompió con la Iglesia y descuartizó Europa en pedazos,
Son principalmente cuatro:
-Movimiento.
Mostrando constante agitación[485],
desequilibrando las figuras, provocando movimiento óptico y haciendo que el
espectador vea los cuerpos desde distintos puntos de vista[486].
Se trata de la figura serpentinata-retorcida[487],
con cada miembro hacia un lado y con la idea de crear un espacio en que el
espectador se pudiera mover a su alrededor.
-Intensidad
espiritual. Separando radicalmente cielo y tierra, con rompimientos
brutales de cielo. Así como mostrando agitación y no acatamiento[488]
en las figuras sagradas, buscando el impacto ante el milagro, impresionando y
mostrando como sobrenatural todo lo sobrenatural.
-Espacio.
Introduciendo diagonales en medio de espacios irreales, hacia luces del más allá.
Así como mostrando desorden y dificultad para encontrar al personaje principal[489],
espacios lúdicos[490]
y perforaciones ficticias de arquitecturas para abrir ventanas infinitas al
fondo[491].
-Subjetividad
y Anticlasicismo. No apoyando a los personajes en el suelo, mostrando
objetos diminutos frente a los personajes… y todo con la idea de romper la perfección
clásica y el orden racional impuesto[492].
Benvenuto
Cellini (Florencia 1500-Florencia 1571), más conocido como Cellini,
fue orfebre italiano y uno de los mayores de la historia (sobre joyas, adornos,
monedas… en plata, oro, bronce, metal), aprendiendo el manierismo romano de
las manos del mismo Miguel Angel. Trabajó al servicio de Clemente VII para el
Museo Numismático del Vaticano, desde 1529 y hasta el fin de sus días.
Destacó su Salero-1539, Ninfa
de Fontainebleau-1540, Perseo-1554
y Andrómeda-1555.
Pirro
Ligorio (Nápoles 1510-Ferrara 1583), más conocido como Ligorio,
fue arqueólogo y anticuario italiano contratado por Pio IV y Pablo IV para
colaborar en el Museo de Antigüedades
del Vaticano, desde 1534 en adelante. Famoso por sus gigantescas esculturas
manieristas, destacaron su Villa Adriana
de Tívoli-1549, Villa del Agua de
Ferrara-1550, Parque de los Monstruos
de Bomarzo-1552, Capilla Pía del
Vaticano-1559 y su Mapa de Roma Antigua-1561.
Giovanni
da Bologna (Douai 1529-Florencia 1608), más conocido como Giambologna,
fue marmolista y broncista franco-italiano que hizo de puente entre Miguel Ángel
(con quien aprendió) y Bernini. Descubierto por Pio IV y al servicio de los
Veccietti de Florencia y Corte española, esculpió su Sansón-1562,
Fuente Neptuno de Bolonia-1566, Rapto
de las Sabinas-1574 y Hércules y el
Centauro-1599.
Antonio
Allegri (Correggio 1489-Correggio 1534), más conocido como Correggio,
fue pintor italiano de la Escuela de Parma, discípulo de Andrea Mantegna,
admirador de Rafael y trabajador al
servicio de los Farnesio y los Gonzaga.
De
técnica depuradísima, composición y color de 1ª categoría, suavidad
femenina y juvenil, y gran intensidad dramática, se desmarcó Correggio del
clasicismo e inició el manierismo, plasmando nocturnos y cielos ingrávidos y
rotos (como en la bóveda de la Catedral de Parma-1526). Destacó su Noche de Navidad-1522[493].
Jacoppo
Carrucci (Empoli 1494-Florencia 1557), más conocido como Pontormo,
fue pintor italiano, admirador de Miguel Angel y Durero (de ahí su influencia
por el arte nórdico, y las tensiones que luego aparecerán en el Greco) y
primer reaccionario contra el clasicismo renacentista. Destacaron su Visitación
de la Virgen-1514, Descendimiento de
la Cruz-1528 y Legión de Theban-1531.
Giovanni di Jacoppo (Florencia 1495-Fontainebleau 1540), más conocido como Fiorentino, fue pintor italiano
integrante de la Escuela Fontainebleau de París, rebelde contra el clasicismo
renacentista, con un estilo casi lúgubre y atormentado. Destacaron su Asunción-1517,
Pecado Original-1524 y la Galería
de Francisco I-1535.
Giulio
Pippi (Roma 1499-Mantua 1546), más conocido como Romano,
fue pintor italiano que aprendió de la mano de Rafael, pintando el Ciclo
de Constantino para las Stanzas
Vaticanas. Fue contratado por Federico Gonzaga para trabajar en Mantua, donde
empezó a pintar frescos ilusionistas, como Olimpo-1525,
Sala de Gigantes-1532 y el álbum I
Modi-1534.
Angelo
di Cosimo (Florencia 1503-Florencia 1572), más conocido como Bronzino, fue pintor italiano,
discípulo y ahijado de Pontormo, y cumbre intelectual y refinada del
manierismo. Destacó su Retrato de Lucrecia
Panciatichi-1540, Paso del Mar Rojo-1541,
Retrato de Leonor de Toledo-1545, Alegoría
del triunfo de Venus-1545, Resurrección
de Cristo-1546, así como sus frescos para la Iglesia San
Lorenzo de Florencia-1556.
Francesco
Mazzola (Parma 1503-Cremona 1540), más conocido como Parmigianino,
fue pintor italiano y máximo exponente del manierismo. Aprendiz con Correggio y
admirador de Rafael, introdujo la acuarela y la xilografía (escritura
tallada en madera) del claroscuro. Destacó su Esponsales
de Santa Catalina-1521, Madona del
cuello largo-1535 y Augusto y la
Sibila de Tibur-1536.
Francesco
Primaticcio (Bolonia 1504-Fontainebleau 1570), más conocido como Primaticcio, fue pintor italiano
que aprendió de la mano de Innocenzo de Imola, pasando a integrar la Escuela de
Fontainebleau. Destacaron sus pinturas para la Sala Hércules de Fontainebleau-1535 y la Capilla Valois de Saint Denis de París-1560, así como su Rapto de Helena-1562 y Ulises
y Penélope-1563.
Francesco
Salviati (Florencia 1510-Roma 1563), más conocido como Salviati,
fue pintor italiano imbuido por la obra de Miguel Angel y Rafael, que trabajó
al servicio del cardenal Salviati. Introdujo figuras grandes y aristocráticas,
destacando su Vida de San Juan Bautista-1531, Duda
de Santo Tomás-1543, Historias de
Furio Camilo-1544 y Retrato de Poggio
Bracciolini-1547.
Giuseppe
Arcimboldo (Milán 1527-Milán 1593), más conocido como Arcimboldo,
fue pintor italiano e iniciador del rostro humano surrealista, pintado a partir
de elementos naturales. Destacó su
Elementos-1563,
Estaciones-1573
y Retrato de Rodolfo II-1591. Domenikos Theotokopoulos (Creta 1541-Toledo 1614), más conocido como el Greco, fue pintor griego que había aprendido el arte post-bizantino en Creta, así como las evoluciones de Tiziano en Venecia y Miguel Ángel en Roma. Marchó a vivir a Toledo, donde se puso al servicio de la Contrarreforma y se convirtió en uno de los artistas inmortales de la historia.
Destacaron
su Dormición de la Virgen de
Siros-1566, Curación del Ciego de
Venecia-1567 y Retrato de Clovio de
Roma-1571, así como su ciclo toledano con Trinidad-1577, Dama de Armiño-1578,
Expolio-1579, Sueño de Felipe II-1581, Alegoría
de la Liga Santa-1582, Caballero de la
Mano en el Pecho-1585, Entierro del
Conde de Orgaz-1586, Crucifixión-1597,
Hospital de la Caridad-1603, Inmaculada
Concepción-1607, Asunción-1608, Visión del Apocalipsis-1608, Adoración
de los pastores-1612 y Laoconte-1614.
A finales del s. XVI el manierismo[494]
dejó de ser el estilo dominante y pasó a ser reemplazado por el eclecticismo
de los Carracci[495]
y la Academia de diseño de Bolonia[496],
aparte de algunos arranques esporádicos en el Vaticano[497].
Pero existió un grupo de artistas que tomaron conciencia
de la decadencia del arte italiano, y se propusieron no dejarlo
caer y morir. Decidieron hacerlo además sin utilizar nuevos descubrimientos,
sino mediante la imitación inteligente del Renacimiento.
Este movimiento contra-manierista tuvo dos grupos de seguidores: -la
Academia San Lucas de Roma, bajo
el liderazgo de Zuccaro,
Los dos grupos trataron de volver a la composición
clásica, aunque se vieron en la necesidad de subrayar las figuras
repoussoir, el doble
contraposto y las alusiones alegóricas oscuras. La
Galería Farnesio[498]
y los frescos de Cavaliere d’Arpino[499]
son buenos ejemplos de ello.
Zuccaro[500]
trató de beber de la tradición romana y veneciana. Para él, todo derivaba del disegno interno, siendo el dibujo mero fundamento de una investigación
intelectual. Así, concordaban con el arte renacentista todas las doctrinas escolásticas,
y todo el aparato artístico y
racional aristotélico. En este sentido, “el juicio es el que escoge lo que es
más agradable al ojo”. Lomazzo[501] tomó elementos de Leonardo, Rafael y Miguel Angel, e incorporó los de su maestro Ferrari[502] y los de sus coetáneos Mantegna y Pontormo. Su esquema era análogo al de Zuccaro, pero teñido de filosofía neoplatónica de fondo, y no aristotélica. Si para un platónico la belleza era la manifestación visible del bien, para Lomazzo era una gracia espiritual, que se introducía en la materia a través de medios irracionales. En este sentido, “la unión de la gracia y del gusto es de naturaleza sensorial, no intelectual”. Madrid,
1 abril 2019 ________ [1]
La moda de que el artista era un individuo
autónomo, que necesitaba conocer todas las artes liberales y de la
ciencia. [2] Un CENNINO DI ANDREA, más conocido como CENNINI, que supo: -dar
continuidad a las geniales innovaciones trecentistas de GIOTTO, en su De
Artibus-1390, [3]
Un LORENZO GHIBERTI que consiguió crear, en el mismo Trecento, el primer gran taller artístico de Italia, educando allí a
los futuros DONATELLO, MICHELOZZO, UCELLO, MASOLINO, FILARETE… Así
mismo, su postrero Comentarii-1451
introdujo una valiosísima autobiografía de la historia del Arte. [4]
Arquitecto italiano, más conocido por su
trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia, de elevada matemática
y perspectiva cónica. [5]
Escultor italiano, más conocido
por inventar la stiacciato, escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo plano, a
forma de
relieve aplanado. [6] Pintor italiano, conocido por aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica. [7] Trabajando exclusivamente para el Vaticano de 1434 a 1443, tras la llamada que le había hecho el veneciano papa EUGENIO IV, para su proyecto de renovación del Vaticano. [8]
Famosas fueron sus constantes
condenas sobre el lujo de la ciudad, afirmando que éste era el origen
por el que vendrían ocasionados
todos los vicios. [9]
De 10 volúmenes y por orden del papa
NICOLAS V, tras haber estado circulando durante años en forma de
manuscritos escritos a mano.
En
él se habla de: -los
edificios públicos de la ciudad, [10]
Sacerdote y filósofo neoplatónico, que
fundó la platónica Academia de Florencia, educando en ella a toda la
prole de los MEDICIS y
originando el Renacimiento filosófico en Italia. [11]
Filósofo y pensador italiano, y principal
ayudante de FICINO en la platónica Academia de Florencia. [12]
Superioridad de la pintura, respecto a la
arquitectura y escultura. Del italiano comparación-competición. [13]
Donde habla de: -la
visión científica del arte, con estudio de la óptica… [14]
Donde habla de: -el
diseño de contornos, definiendo la línea de contorno como elemento
ajeno a la visión real, [15]
Donde habla de: -el
aprendizaje de la Antigüedad, [16]
Figuras forzadas. [17]
Aún sin un soporte teórico, que lo
hubiera hecho ser el primer renacentista. [18]
Palabra inventada en el s. XIX para hacer
referencia a la renovatio de
que se hablaba la época.
En
concreto, por: -BALZAC,
al referirse a la pintura flamenca post-gótica, [19]
Según JACOB BURCKHARDT. [20]
Desde un concepto antropocéntrico, y no teocéntrico. [21]
A forma de buscadores de tesoros, libros, ruinas… [22]
Pues antes todo era plano y de oro litúrgico. [23]
Como los Comentarii-1453
de GHIBERTI, importante autobiografía en la historia del arte.
Especial
e importante fue, posteriormente, la Vida
de los mejores Aristas italianos-1550
de VASARI, célebre por sus biografías sobre artistas italianos,
colección de métodos, rumores y leyendas recogidas, y en las que el
artista italiano divide la historia del Arte en 3 etapas: -la
de GIOTTO, [24]
Como los de DANTE sobre GIOTTO. [25]
Como los de BARTOLOMEO FACIO, FILIPPO VINARDI... De hecho, la imprenta
facilitó que los libros empezasen a publicarle sin control, pudiendo
cada artista fijarse en lo que quería. [26] Momento en que entra en la pintura el conocimiento científico, tras haberlo hecho antes en la arquitectura gótica. [27]
Lo que les impedía entrar en el mundo de
los caballeros, pues habían trabajado con sus manos. [28]
Como ya había enseñado ANGELINO,
que en su Tratado de Arte enseñaba a pintar: -copiando
a los grandes maestros, pues algo se pegará (imitación), [29]
Pues veían las obras arqueológicas
que iban apareciendo. [30] Como es el caso de: -los
Diez
tratados de Arquitectura
de Vitruvio,
Es en lo que consistió la exfasis,
o descripción de los cuadros a través de los textos. [31]
Fundada en 1459 por el sacerdote MARSILIO FICINO, costeada por
los MEDICIS, y forjadora de los grandes talentos florentinos (BOTTICELLI…). [32]
Fundador del neoplatonismo en el s. III
(que muy poco después sería cristianizado). [33]
Los Diálogos y Banquete
de Platón… [34]
Siendo BOTTICELLI el primero que empezó
esta moda renacentista. Así, por ejemplo: -Venus
podía servir para iluminar la belleza terrenal, a imagen de la
celestial, [35]
Forma racional del espacio y de la vista. [36]
Pues en la Edad Clásica la perspectiva
significaba humanismo, sabiduría, sistema único racional, y no
conjunto relativo de sistemas. Se trataba de una imagen espacial
percibida por la vista, pero concebida por la mente.
De
ahí que cuando Policleto compuso su canon, pidió opiniones a todos
al respecto. Y al final mostró a todos: -su
canon,
Y es que, decían los griegos, la mente piensa lo que percibe. Luego
la reflexión se hace sobre el modo de ver a través del intelecto, y
no a través de los ojos. En Roma, por ejemplo, el Jardín de Libia
del Museo de las Termas ya incluía la perspectiva aérea, con
elementos difuminados al fondo (luego tampoco fue DA VINCI su
inventor, sino su copiador). [37]
Pues en la Edad Media la
perspectiva significaba óptica, ciencia de la visión. [38]
Punto de fuga que el Barroco no pondrá en
el centro, sino en la esquina superior derecha, dejando vacío del
resto. [39]
Que llegó a definir como “la ventana a través de la cual el
espectador mira para ver el mundo de su interior”. [40]
Donde el ojo del pintor pasa a ser
el único punto de vista, el único que fija las proporciones del
horizonte y del primer plano. [41]
Que patrocinó el concurso y puso las
condiciones y la temática (civil, de alta causa, y a través de los
elementos religiosos). Condiciones que obligaron a los candidatos a
estudiarse los libros y técnicas clásicas. [42]
Momento que hasta el mismo VISCONTI tuvo
que respetar, y esperar a que terminase el concurso para seguir
sitiando militarmente la ciudad de Florencia.
Lo que supuso unas mayores ganas del concurso, un enardecimiento de
los sentimientos patrióticos, y una apelación a “los ideales
republicanos romanos” de libertad civil y política clásica. [43]
Cuyos 28 paneles tenían que ser
hechos en bronce dorado (cobre + estaño, mediante la técnica de la
cera perdida), para la puerta este del Baptisterio (hoy en la puerta
norte). Resultando ganador el de GHIBERTI, que se impone en la final
al de BRUNELLESCHI y será invitado a completar el resto de 28 paneles. [44]
En el que destaca: -paisaje
con rocas, dentro de un marco cuadrilobulado, [45]
En el que destaca: -escenario
escueto, con 1º plano separado del resto, [46]
Del que sabemos su biografía gracias al
matemático ANTONIO MANETTI, que recoge sus ideas con gran fidelidad
(mayor que la que le mostrará su biógrafo ALBERTI). [47]
Andamios para construir las cúpulas. [48]
Lo que hizo a BRUNELLESCHI ser conocido
como el Inventor. [49]
Pues el diámetro del crucero era enorme.
De ahí que dijera ALBERTI, una vez finalizada la cúpula de la
Catedral de Florencia, que ésta podía dar sombra a todo el pueblo
toscano. [50]
Para intentar emular la cúpula del
Panteón de Roma, y relacionar así a Florencia como la nueva Roma. [51]
Cúpula acabada a la muerte de
BRUNELLESCHI, y que sería rematada con las pinturas de VASARI y
ZUCCARO. [52]
Lo que significaba hacer 2 cúpulas
(1 más ligera sobre otra interior) y no sólo 1, construidas sobre
andamios circulares, y donde la pesada linterna sostenía el peso. [53]
Donde anchura del arco = altura de las columnas. [54]
De hecho, introdujo una arquería
tan equilibrada y perfecta, que ni siquiera llama la atención. [55]
Reproduciendo toda la austeridad y
grandiosidad de Roma. [56]
Con la idea de unidad y centralidad en
todo el proyecto. [57]
Haciéndola el doble de ancha que de larga. [58]
Aunque BRUNELLESCHI murió sin
poder llegar a terminar el total de capillas. Ni tampoco después se
terminaron, ni se construyeron las 4 puertas de entrada que había
planificado BRUNELLESCHI. [59]
Para romper el espíritu e
intensidad del gótico (que buscaba crear sorpresas en el espectador),
e infundir los nuevos espíritus renacentistas a la obra. [60]
Familia florentina que pidió hacer
una capilla particular dentro de la Basílica Santa
Cruz de Florencia para su propio culto, a forma de ponerse ella
como mecenas de las artes (y no sólo como donante). Sirvió para
enterrar a sus muertos y realizar liturgias privadas. [61]
Sobre 4 pechinas, y edificada con pietra serena-piedra gris local (para hacer juego con el color
blanco de las pechinas). [62]
Para simbolizar la esfera eterna divina. [63]
Imagen de lo humano y lo terreno. [64]
Y evitar así el intermediario comercial
de la Catedral de Florencia. [65]
No de 1ª categoría, y muchas veces arruinados. [66]
Cuya familia ya poseía otro palacio, el
Palacio Piti de Florencia,
como su buque insignia. De ahí que no les preocupara vender
posteriormente este palacio de MICHELOZZO a la familia RICCARDI. [67]
Al que COSME DE MEDICIS no se
atrevió a contratar para no dar la imagen de tanta ostentación (pues
acababa de volver de su destierro en Venecia). [68]
Pero combinando perfectamente lo clásico,
como arquitectura puramente renacentista. [69]
Cuya carrera de derecho estudió en Bolonia. [70]
Tras los dos precedentes del Trecento, que
habían insistido en la autonomía individual de cada hombre, de la
mano de: -CENNINI,
continuador del naturalismo de GIOTTO, que en su Tratado de la Pintura-1390 había abierto un abanico de principios
artísticos y técnicos; [71]
Bajo su lema, que llegó a hacerse famoso por toda Italia, de “quid
tum” (lit. y ahora que). [72]
En su De
Pictura-1435. [73]
Aunque siempre encargó su ejecución a
otros, debida su escasez de tiempo. [74]
Lo que hizo que ALBERTI, metidos en miles
de proyectos simultáneos, encargase la ejecución de obras a su
capataz ROSSELLINO. [75]
Gran anti-MEDICIS
y pro-STROZZI. [76]
Inspirados en el Coliseum de Roma y Teatro
Marcelo de Roma, en que se
superponen el toscano, dórico, jónico y corintio. [77]
A forma de entablamentos-arquitrabes,
imitadores pero alteradores de los órdenes clásicos.
Aquí
hay que distinguir: -los
pilares, cuadrados y sustentantes, [78]
Para no dar idea de lo que hay detrás. [79]
Trabajo de incrustación, en que piezas
cortadas de distintos materiales se van encajando, hasta realizar el
diseño. [80]
Como es el caso del mármol blanco
y verde, o las incrustaciones bicolores. [81]
Sobre 6 tumbas. [82]
Siendo el ancho total = altura total, y el
ancho del piso inferior el doble que el del piso superior. [83]
Aunque no con elementos simétricos perfectos. [84]
Articulada por medio de columnas y pilastras. [85]
Articulada por medio de 4 pilastras. [86]
A forma de aletón, para cubrir la
diferencia y unificar los 2 niveles. [87]
Para enterrar a su familia y
ensalzar su figura terrenal. No obstante, hoy la obra está sin
terminar, dado que MALATESTA murió en combate en 1461, y se
paralizaron las obras. [88]
Como la gran cabecera, cúpula, arcos de medio punto, frontones
griegos… [89]
A forma de paraguas, para paralizar y
obstaculizar la entrada de la luz. [90]
Que trató de armonizar cultura cristiana
y cultura clásica, valorando el presente y el pasado. Y que propició
la creación, para ello, de un cuerpo artístico teórico, como
lenguaje oficial de la Iglesia.
Fue
el momento en que
empezaron a surgir los vestidos imperiales de los papas,
tratando de entroncar la Roma cristiana con la Roma antigua. [91]
No para usarse. Pues, de hecho, por dentro
mide sólo 4,5 m. [92]
De ahí que el palacio oscile entre
arquitectura y escultura. [93]
Emulando al Panteón de Roma, pues no había
problemas de peso. [94]
La
misma que la utilizada en la Roma antigua. [95]
A la llegada de los papas a Roma, tras su
destierro de 5 papados en Avignon.
Durando
los trabajos de Nueva Basílica hasta el 18 noviembre 1626, en que se
terminan todas las obras del Estado Vaticano, Palacio Vaticano, Museos
Vaticanos, Biblioteca Vaticana, Archivo Secreto, estancias y
prefecturas… y la Basílica papal, con las columnatas de BERNINI
como colofón final.
Pues
nada más que en museos, el Vaticano contaba con el Museo Vaticano, Museo
Egipcio, Museo
Etrusco, Museo
Griego,
Museo
Clásico, Museo
de Medallas, Museo
Numismático, Estancia
de Constantino, Museo
Medieval,
Museo
de los Mapas,
Museo
Pío-Clementino, Museo Chiaramonti,
Museo Misionero-Arqueológico,
Pinacoteca
Vaticana,
Colección
de Arte, Capilla Nicolina ,
Capilla
Paulina,
Capilla
Sixtina,
Capilla
Oriental,
Aposentos
Borgia,
Estancia
de la Signatura, Estancia
de Heliodoro, Estancia
del Borgo,
Museo
Filatélico,
Museo
de Tapices, Museo de Carruajes… [96]
Donde están enterrados los 265 papas de
la historia. [97] Que tenía a su cargo a SIGNORELLI, PERUGINO, BOTTICELLI, ROSSELLINI, GHIRLANDAIO, MIGUEL ANGEL, VAN DER BROECK... [98]
El Constantino
y el Carlomagno de BERNINI. [99]
Como decía ALBERTI. [100]
Como decía CASTELLONE. [101]
Como se diría hoy en día. [102]
Familia banquera de Florencia, muy anti-MEDICIS. [103]
Con formas de diamantes por toda la fachada. [104]
Similares a los balcones triangulares góticos. [105]
La 2ª de las 3 formas de casas romanas (domus,
villa, insula), en este caso en el campo. [106]
Material fácil de conseguir en Venecia. [107]
Galería de arcos en los patios
renacentistas, en armonía con la naturaleza, y aún a pesar de poseer
ventanales y cristaleras. [108]
Que defiende las calles con rectas
porticadas, curvas suaves, barrios para nobles, zonas cultivables. [109]
Que ideó este modelo de ciudad para
FRANCISCO SFORZA y su ciudad de Milán, con la plaza como centro neurálgico
y albergadora de la catedral y palacio real. [110]
Y donde había escrito en un epígrafe
superior: OPUS LAURENTII FLORENTINIS. [111]
Salvo las últimas 2 líneas de paneles,
que debían representar: -a
los 4 padres latinos, San Agustín, San Gregorio, San Ambrosio,
San Jerónimo; [112]
Divididos por cuarterones-líneas
esculpidas. [113]
Al considerarlas como las más dignas de
estar a las puertas del Paraíso. [114]
Siendo ésta la 1ª vez que se utiliza
esta categoría en el Renacimiento, con independencia del tema. [115]
Hoy en el Museo del
Duomo de Florencia. Pues
lo que aparece hoy en la Puerta Este del baptisterio es una copia del
original. [116]
Pero no sobre cuadrifolio, por
deseo personal de GHIBERTI, para dar mayor espacio a las piezas
narrativas. [117]
Dado el relieve lleno de texturas y perspectiva. [118]
Donde Rebeca está dando a luz en su cama,
Esaú es enviado al campo con sus perros, y Jacob recibe la bendición
de Isaac ante la mirada atenta de Rebeca. [119]
Como las metopas del Partenón de Atenas,
que tenían los miembros casi quebrados. [120]
Muy opuesto a la serenidad de GHIBERTI. [121]
Lo que permitía jugar con relieves
supersensibles, dando perspectivas geniales y juegos de gradación. Y es que en el Renacimiento empezó a dejarse de pintar las esculturas, pues los artistas iban encontrando las piezas clásicas sin pintura, y pensaban que así habían sido hechas (de ahí que MIGUEL ANGEL se tirara temporadas enteras en las canteras, buscando la mejor materia prima posible).
Además, ningún libro de los llegados de la Antigüedad
hablaba de esculturas policromadas, salvo cierto escrito que hablaba
de policromía en el Augusto Primaporta. [122]
Hoy está en el Museo Bargello
de Florencia. [123]
DAVID en Florencia simbolizaba al pequeño
que podía con el gigante, la figura política que vencía a los
enemigos que le rodeaban. [124]
Hoy conocida como Iglesia San
Miguel de Florencia. [125]
De ahí la existencia de 14 nichos con
elementos y esculturas totalmente distintas (de las que participó
también DONATELLO), las últimas 9 de las cuales (de 1423) exaltando
escenas guerreras (ante la amenaza del rey de Nápoles sobre
Florencia).
Nichos
en los que había participado, antes de la llegada de DONATELLO, el
mismo NANNI DI BANCO (máxima promesa florentina, que murió joven y
con un par de obras nada más), sobresaliendo sus Cuatro
Mártires Escultores, que supuestamente se habían negado a
esculpir la figura de Diocleciano.
Se trata, el Cuatro Mártires
Escultores,
de una compleja composición, en la que los 4 van vestidos de romanos
republicanos realistas, muestran la vieja virtus
romana, y están hablando sobre su castigo por negarse a esculpir a
Diocleciano. Incluye: -señales
con el dedo, [126]
Patrón de los pañeros. [127]
2 pies separados. [128]
Santo que murió mártir en Palestina, en
un lugar donde lucha contra un dragón que se comía a las doncellas,
y al que vence con sólo mentar a Jesucristo, por medio del cinturón
de la doncella. [129]
Hoy está en el Museo del
Duomo de Florencia (en la Plaza del
Duomo de Florencia, que recoge tan sólo las piezas de la Catedral
de Florencia). [130]
Donde se resaltaba la virtus
romana en su máxima madurez (pues estaba ya muerta). [131]
Horror por los planes de Herodías
y su hija Salomé (que todavía está bailando), horror de la cabeza
del Bautista, y horror en Herodes y los invitados. [132]
Pues todos los personajes se echan para atrás. [133]
Introduciendo la parte negativa y pathos del hombre. [134]
Casi anti-renacentistamente. [135]
Hoy está en el Museo Bargello
de Florencia. [136]
Al que se le apodaba el Gato Meloso, justo lo contrario a
lo que DONATELLO muestra aquí. [137]
Pues éste sostiene la bola del
mundo bajo sus patas. [138]
Pues la escultura está fuera de cualquier
tipo de soporte arquitectónico. [139]
Vestida con piel de camello y llorando en
una cueva, según cuenta la Leyenda
Dorada-1250 del dominico SANTIAGO DE LA VORAGINE, y según recoge
en sus temáticas TIZIANO. Pues María Magdalena se había retirado a
vivir a una gruta para vivir en penitencia. [140]
Hoy
está en el Museo del Duomo
de Florencia. [141]
En bulto redondo. [142]
Como fuente decorativa. [143]
Como
motivo decorativo que se alargará hasta el Seicento. [144]
Hoy está en el Museo Municipal
de Siena. [145]
La madre de Rómulo y Remo (Rea Silvia) y
la pastora que los crió (Lupa). [146]
La Virgen con Niño, las 8 virtudes, la
Creación de Adán, la Expulsión del Paraíso. [147]
No nítidas pero sí expresivas, como
precedente de la genialidad de MIGUEL ANGEL. [148]
Con rocas neutras decorativas. [149]
En la creación de Eva. [150]
En el caso de: -Adán,
que se pone de espaldas a Eva, [151]
Como es el caso de Dios Padre, dinámico a
pesar de su enorme peso. [152]
En la expulsión del paraíso, o en el ángel expulsador. [153]
Como la Creación, el Pecado Original… [154]
Floreciente, y que se alargaría hasta el
1600 mediante sus hijos GIOVANNI y GILOVANO y su sobrino ANDREA DELLA
ROBBIA. [155]
Hoy,
en el Museo del Duomo de
Florencia. [156]
Mucho más dramática y suelta en libertad
compositiva, recogiendo las máscaras romanas, palmetas griegas,
dinamismo que llega al caos de los gritos infantiles... Y que estaba
justo enfrente de la de DELLA ROBBIA. [157]
Donde aparecen los niños cantando un
salmo (el mismo que aparece escrito en los frontones), pero no
gritando (como aparecía en la Cantoría
de DONATELLO). [158]
Inspirado en el Augusto
del Ara Pacis de Roma. [159]
En las togas sinuosas (de sinus,
lit. curva), pliegues caídos,
anatomía bajo los pliegues… [160]
Se dice que VERROCCHIO fue el más grande
artista del s. XV italiano. [161]
Hoy está en el Museo de Basílica Santa Cruz de Florencia. [162]
Poniendo el pie de Tomás fuera del marco,
y a Jesús subido a una tarima. [163]
De ahí el poner a Tomás de lado (aún
sin perder el equilibrio). [164]
Que rompe el vestido de Jesús, y se pone
en la diagonal descrita para que pueda ser vista por Tomás y por el
espectador. [165]
Por sus rizos del pelo. [166]
Sosteniendo el peso en la pierna
izquierda, y girando su cabeza hacia la derecha. [167]
Nueva moda introducida en el Renacimiento
por el gran VERROCCHIO, introduciendo el movimiento ilusorio en las
estáticas fuentes clásicas de Roma. [168]
Técnica de pintar al hombre casi sin
piel, y sólo músculos en vivo. [169]
Que le hizo ser llamado en 1493 por el
papa SIXTO IV para los trabajos de la gruta de la Basílica San
Pedro del Vaticano. [170]
Por las investigaciones anatómicas que
habían obtenido de su afición a las disecciones reales. [171]
Al tratarse de un tema de acción, basándose
en su precedente pintura Trabajos
de Hércules. [172]
Ya inventados por Lisipo en el s. IV a.C. [173]
Que habían puesto en la
estaticidad su criterio de composición. Con POLLAIOLO, ahora será la
acción el criterio de composición. [174]
Inventando el concepto de libertad escultórica,
para provocar movimiento en cualquier dirección. [175]
Clásico héroe de la Antigüedad, que con
la piel del león de Nemea, había tronchado a Anteo. [176]
Hijo de Poseidón y Gea, que vivía en
Libia con aspecto de gigante, y que retaba a todos los viajeros que
pasaban por allí (hasta que llegó Hércules en uno de sus trabajos,
y lo tronchó). [177]
Secretario del papa MARTIN V, gran erudito
y experto en textos clásicos. [178]
Pues estaba empezando a ponerse de moda la
recolección de anticuarios y detalles antiguos. [179]
De nombre Bernardo Gamberelli
(Florencia 1409-Florencia 1464), perteneció ROSSELLINO a una
familia de 5 hermanos, todos ellos aprendices en las canteras de su
padre. [180]
Canciller de Florencia y gran abogado, al
servicio del papa INOCENCIO VII en diversos trabajos para el Concilio
de Constanza-1411. [181]
Salvo la Madonna
con Niño y el León
Marzocco (símbolo de Florencia) del tímpano. [182]
Emulador de los Arcos del Triunfo de Roma. [183]
Elemento muy repetido en adelante, en los
elementos sobre tumbas en la pared. [184]
Por las victorias conseguidas por el canciller. [185]
Sobre el dolor de las musas, por haber
perdido a BRUNI. [186]
De nombre Desiderio di Bartolomeo (Settignano
1430-Florencia 1464), fue SETTIGNANO famoso por sus
esculturas de niños (conocidos como puti). [187]
Canciller de Florencia, venido de la
familia gobernadora de Génova, y de gran altura intelectual. [188]
Por sus roleos, hojas de acanto, patas de animal, la venera… [189]
De nombre Antonio Gamberelli (Setignano
1427-Florencia 1479), perteneció ROSSELLINO a una familia de
5 hermanos, todos ellos aprendices en las canteras de su padre. [190]
Para aludir al poder de Roma. [191]
Muerto con 27 años y príncipe de
Portugal, que estuvo emparentado con todos los nobles europeos. [192]
Mediante la técnica del estofado,
o dorado al que luego se le unen las pinturas, con punzón. [193]
Por la forma del sarcófago, y por la
inspiración en las máscaras funerarias (para dar suavidad al mármol
y variación en los tonos-sombras). [194]
Uno llevando la corona de la vida eterna,
y otro llevando la palma de la victoria. [195]
Dados los testimonios de compras que hizo
de materiales en 1423. [196]
Que se ceñía exclusivamente al
Renacimiento clásico. Y del que no era su discípulo, como quería
hacernos creer VASARI. [197] Aplicación de pintura: -mientras
la cal está fresca (de hecho, si la capa de cal se levantara, se vería
la silueta pintada detrás),
Pues si se quería cambiar lo pintado al
día siguiente, había que cincelar la cal seca. Así, si un cuadro
tenía 134 giornatas, al
final se ven 134 piezas unidas. Esto requería buenos pintores, de gran claridad y que no corrigieran
errores. Eso sí, al final se obtiene la pintura más indestructible de la historia. [198]
Del cual son las primeras pinturas. [199]
Del cual son las últimas pinturas. [200]
Familia que se había opuesto a la nueva
moneda e impuesto florentino (de ahí su reiteración en mostrar la
negación de Judas por 30 monedas). [201]
En el centro de la capilla. [202]
Siguiendo los Hechos
de los Apóstoles, la Leyenda
Dorada-1250 y las homilías de la época (sobre el pecado original
y expulsión del paraíso, al que se opone Pedro y su Iglesia. Pues si
de Adán vino el pecado, de Pedro vino la salvación). [203]
Muy opuesto al Pecado Original y Expulsión del
Paraíso de MASOLINO, justo enfrente. [204]
Donde: -no
existe fondo, y la luz viene sólo de la derecha, [205]
Donde Jesús manda a Pedro sacar una
moneda del lago, pues los apóstoles no querían pagar, y si no
pagaban les hundirían el barco. Y donde: -Cristo
aparece en el centro, [206]
Parecida a los Cuatro
Mártires
Escultores
de NANNI DI BANCO, y motivada por la influencia y amistad de
BRUNELLESCHI. [207]
Sobre el punto de fuga (el rostro
de Cristo). [208]
Con paisaje de fondo difuminado, y
coloreado con colores neutros y grises para no distraer la atención
(aún sin quitarle realismo). [209]
Moldeadora de las formas y del
volumen. De hecho, las masas de ven gracias a la intensidad y dirección
de la luz. [210]
En el suelo, las caras, pómulos, ojos… [211]
Sin detalles anecdóticos, para darles solemnidad. [212]
Creativas, en movimiento. [213]
Pues muchos personajes son parecidos, y
aparecen además de perfil para emular el retrato romano de las
monedas. [214]
Como son: -la
paloma en el cuello de Dios Padre,
Es de destacar la incoherencia de Dios Padre, pues es imposible que
sostenga con sus 2 brazos el crucifijo. [215]
Bóveda de cañón con rosetones romanos, enjutas triangulares
romanas, pilastras corintias, columnas jonias… [216]
Siempre rosas, azules y amarillos, y nunca
colores verdosos. [217]
A forma de grisalla imitadora de lo escultórico, donde reza “Yo fui
lo que vosotros sois; vosotros seréis lo que yo soy”. [218]
Aunque es totalmente irreal. Lo que se
explica por la perspectiva lineal matemática, que pone el punto de
fuga a los pies de la cruz y hace creer que esto es real. [219]
Donde se muestran 3 tablas: -tabla
izquierda,
con San Bartolomé y San Blas, [220]
Forma de pintar, o “pincelada”. [221]
Siempre rosas, azules y amarillos. Y nunca
colores verdosos. [222]
En su perspectiva, base, gran peso sustentador… [223] Con la intención de romper el gótico tardío. [224]
Con piezas hoy desaparecidas, y ausencia
de algunas partes. Fue donado por un notario de la ciudad. [225]
En la tabla central, hoy en la Galería Nacional
de Londres. [226]
En la predela-tabla
inferior, hoy en el Museo de Arte de Berlín. [227]
En la tabla superior, hoy en Nápoles
(al pertenecer a la colección de los FARNESIO, y ser trasladada desde
Roma hasta Nápoles). [228]
A diferencia de la Adoración
de los Magos-1423 de GENTILE DA FABRIANO, obra maestra del gótico
internacional, pintada por encargo de PALLA STROZZI para la sacristía
de la Iglesia Santísima
Trinidad de Florencia.
En
efecto, se trataba de un retablo pintado al temple sobre madera, de 3
x 2,8 m. más predela inferior, de enorme naturalismo, frescura inmediata y
modernización sobre el gótico de GIOTTO. Muestra a los caballos en
escorzo, junto a monos, leopardos, caballos en movimiento, siervo
quitando el estribo del jinete… y todo tipo de gestos ultra-realistas.
En medio de escenas nocturnas, el niño que nace es el único foco de
luz.
En sus tablas inferiores, numerosos edificios góticos y renacentistas
se van mezclando, mostrando atención a los cambios que se están
produciendo en Florencia. [229]
Mientras que el resto va vestido a la
manera clásica. Lo que da a entender que se trataba de los 2 donantes
del cuadro, personas vivas, y testigos oculares de lo que ocurrió en
el pasado. [230]
Pero sin cuello. [231]
Que duró en Florencia hasta 1450. [232]
De piel traslúcida, con la técnica del
temple para darle colores chillones. [233]
Que saltan por alto la importancia del peso. [234]
Encargado por el gremio de los tejedores
de lino. [235]
Donde destaca: -San
Pedro y San Pablo, [236] Su muerte, la resucitación a un enfermo de los MEDICIS, el sueño explicado a un rey… todo ello con la señal identificativa de Santo Domingo de Guzmán: la estrella en la frente (sueño que tuvo su madre, en el que veía a un perro con una antorcha en la boca).
De hecho, la
Orden de los dominicos viene del término canen domini:
perros del Señor, surgidos para ser mendicantes para los pobres de
las ciudades. [237]
Donde destaca: -San
Luis de Francia, [238]
Encargado por PALA STROZZI para la
sacristía de la Iglesia Santísima
Trinidad de Florencia. [239]
Donde destaca: -Nicodemo,
María Magdalena, Juan, [240]
En el paisaje y en Jerusalén. [241] Hoy en el Museo del Prado de Madrid.
Pues fue vendida por el convento al
DUQUE
DE LERMA en 1611, para comprar un campanario. El cual Duque de Lerma se la
donó posteriormente a
los Dominicos de Valladolid, de donde pasaría a las Descalzas de
Madrid, y de ahí al Museo del Prado. [242]
Para la Iglesia dominica
de Cortona, y hoy en el Museo diocesano
de Cortona. [243]
Para el Convento San
Marcos de Florencia, y distinguible por el ángel con grandes alas
negras-rojas. Convento
San Marcos de Florencia, del
que cabe destacar: -el retablo, con: -alfombra renacentista,
-los
frescos del noviciado, con: -homogeneidad, y rectángulos sobre el blanco, -los frescos de las celdas de los monjes, con: -imágenes de la vida de Cristo y la Virgen, [244]
De influencia en BRUNELLESCHI. [245]
De influencia en GENTILE DA FABRIANO. [246]
En la cámara-habitación de la Virgen. [247]
Donde destaca: -el
rayo solar, desde la mano del Padre a la paloma del Espíritu Santo, [248]
Que ideó los ciclos de San Esteban y San
Lorenzo, los dos diáconos mártires. [249] Autor de la Capilla Nicolina del Vaticano, Capilla Petrina del Vaticano y Capilla Sagrado Sacramento del Vaticano. [250]
En la parte superior. [251]
En la parte inferior. [252]
Para dar continuidad a la jerarquía eclesiástica. [253]
Al que tuvo tras un romance con LUCRECIA BUTI. [254]
Tendente al realismo, por influencia neerlandesa. [255]
De Holanda, Flandes y Bélgica. [256]
Por influjo de VAN DER WEYDEN. [257]
Que ofrece una perspectiva falsa, por
medio de ventanas, muros... haciendo creer que es real (lit. trampa
ante el ojo). [258]
Pero encargada en su momento por la
familia BARBADORI. [259]
Estilo decorativo romano, inspirado en las “cuevas” pintadas
romanas que se iban descubriendo arqueológicamente (que luego
resultaron ser el Domus Aurea, o complejo palaciego de Nerón, en el
centro de la ciudad). [260]
Pero encargada en su tiempo por PALA DEGLI
OTTO para la Cámara de Consejos de Florencia. Fue el cuadro que hizo
famoso a FILIPPINO LIPPI. [261]
Que hace a las figuras más vivas y eficaces. [262]
San Víctor, San Zenobio, Juan Bautista, San Bernardo… [263]
Donde todos hablan entre sí, rompiendo así la “sacra conversación”. [264]
Donde destaca: -la
Virgen, que acaba de llegar, con su cortejo [265]
Dentro de la Iglesia Supra
Minerva de Roma, de los dominicos. [266]
Con el ciclo de Santo Tomás de Aquino (Santo Tomás ante los
herejes… hasta Santo Tomás presentando al cardenal CARAFFA ante Dios). [267]
Con las 4 sibilas en la bóveda,
arquitectura ficticia, detalles de la naturaleza, templete en el
centro. [268]
En el centro, y mirando hacia arriba. [269]
Arriba, y mirando hacia abajo. [270]
Dentro de la Basílica Santa
María Novella de Florencia. [271]
El Ciclo de San Felipe (protector de los STROZZI) derrotando al dragón
de Hierópolis, el Ciclo de San Juan Bautista… [272]
Rizos en los pliegues de las ropas (para mostrar movimiento)… [273]
Por medio de colores brillantes, detalles cargantes… [274]
En las arquitecturas del fondo. [275]
Apodo que significaba el Pájaro, por su adherencia a pintar pájaros
en su infancia. [276]
A lo que se opuso, pues siempre quiso ir
por libre. [277]
De influencia en BRUNELLESCHI. Lo
que hace que UCCELLO se convierta, sin él saberlo, en cierto
iniciador del cubismo. [278]
Pues narra el juicio que se hijo a un judío
por comprar a una pobre viuda la Sagrada Forma, a cambio de un abrigo. [279]
División realizada por medio de troncos,
que llevan la vista hacia el punto de fuga de dentro. [280]
Condotiero inglés. [281]
Cuyas 3 piezas fueron reunidas gracias a
la intervención de LORENZO MEDICIS en 1492. [282]
Hoy está en el Museo Louvre
de París. [283]
En la Batalla de Lucca-1432, en la que
Florencia (liderada por NICOLAS DE TOLENTINO) y Siena (liderada por
BERNARDINO DA COTIGNOLA) derrotan al ejército de milaneses y
venecianos (liderados por LIONARDO SALIMBENI, candidato a destronar a
los MEDICIS).
Se trató de una batalla importante, pero que se supo utilizar
propagandísticamente mucho más allá de lo militar, para asentar el
poder y mecenazgo de los MEDICIS. [284]
Hoy está en la Galería Nacional
de Londres. [285]
Hoy está en la Galería Uffizi
de Florencia. [286]
Hoy está en el Museo Louvre
de París. [287]
Donde separa el horizonte con arbustos,
pero deja nítidas y no difumina las figuras del fondo. [288]
En los caballos, gorros, armaduras… [289]
Plateados y dorados. [290]
De lado. [291]
Donde trabajará, en la Capilla Sixtina
del Vaticano y Biblioteca Vaticana. [292]
El Arco del triunfo, capiteles griegos, sarcófagos a forma de cuna… [293]
Con gran influencia en el Tríptico Portinari
de VAN DER GOES, llegado a Florencia en 1483. [294]
A forma de
testimonio póstumo. [295]
A los que mezcló con un aumento del
aceite en la témpera. Lo que supuso el inicio del óleo en Florencia. [296]
Al que había escrito quejándose de que
todos los trabajos eran encomendados a fray ANGELICO y fray FILIPPO
LIPPI. [297]
Hoy está en la Galería Uffizi
de Florencia. [298]
San Zenobio, San Juan Bautista, San Francisco, Santa Lucía… y la
Virgen con niño (referencia a la Iglesia). [299]
Lo que le valió el mote de el Ahorcado. [300]
Apartando la pintura de la mera mancha. [301]
Trabajo preparatorio para el fresco, como
dibujo general hecho en la cal húmeda. [302]
Dibujos incrustados en las columnas. [303]
Brillo de las telas en otro color. [304]
Que había recibido permiso del papa
EUGENIO IV para restaurar el convento. [305]
En la línea Crucifixión-Resurrección-Sepulcro. [306]
Venida de 2 ventanas de la derecha, que
impactan con fuerza sobre algunas barbas y vestidos. [307]
Incluso difuminada en el suelo, y no en el horizonte. [308]
Pues
el techo queda indefinido. [309]
En pilastras, mármoles, esfinges, paño del fondo que cae
sobre el banco, intarsias-dibujos
incrustados en las columnas… [310]
Mientras colaboraba con él en algunas
celdas del Convento San Marcos
de Florencia. [311]
Pasando a trabajar en el Vaticano hasta el
final de sus días, en que salga a pintar por Orvieto. [312]
Pintado al fresco sobre 3 paredes, todas
por encargo de PEDRO DE MEDICIS. [313]
LORENZO DE MEDICIS (el más joven, en un
humilde burro), JUAN VIII DE BIZANCIO (el mediano, del medio),
SEGISMUNDO DE AUSTRIA (el más viejo, en un humilde burro). [314]
Con toda serie de personajes de la época
(y él mismo incluido). [315]
El Concilio de Ferrara-Florencia (real), y
la Unión de las Iglesias oriental-occidental (ilusorio). [316]
Por encargo expreso de los MEDICIS, para
resaltar su poder. [317]
Como escudos, hermanas de los MEDICIS… que llenan el escenario. [318]
Técnica de dejar el cuerpo casi sin piel,
y sólo con músculos en vivo. [319]
Que le hizo ser llamado en 1493 por el
papa SIXTO IV para los trabajos de la gruta de San Pedro. [320]
Por las investigaciones anatómicas que
habían obtenido de su afición a las disecciones reales. [321]
Dafne convirtiéndose en laurel… [322]
Lo que es irreal, pues no todos los
miembros (sino sólo los que están desarrollando una actividad)
pueden estar en tensión al mismo tiempo. [323]
Apodo que se le dio por su afición a la bebida. [324]
Continuando la tradición, pero alterando
totalmente el uso y el significado. [325]
Yendo de la alegoría a la idea. De ahí que su “mito” no se
entienda como una defensa del mito irreal, sino como un instrumento
alegórico. [326]
Por el mismo DA VINCI y el gran VERROCCHIO, desde Pisa
y toda Europa… [327]
Trabajando en la Capilla Sixtina del Vaticano y al mando de
RAFAEL (que le fue introduciendo poco a poco en la “maniera
devota”) [328]
A forma de amor cortés medieval,
donde las doncellas se quedaban platónicamente esperando a su
caballero (que había marchado a la guerra), sin poder casarse con
otro. [329]
Con Venus: -emergiendo
del mar, [330]
Con sutil comparación al nacimiento del
alma cristiana (nacida del agua del bautismo, por la concha que
soporta Venus). [331]
Con sutil comparación al nacimiento de la
belleza (por las flores que emergen de Zéfiro). [332]
Pero encargada en su tiempo por
JULIANO DE MEDICIS: -para
celebrar el éxito en la Justa,
torneo por excelencia de Florencia, [333]
Pues da en la diana de poner al Clasicismo
como generador de vida. [334]
Situada: -en
el centro: Venus (diosa del Amor, diosa de Abril), [335] Patrocinada por el mecenas LUDOVICO GONZAGA, condotiero militar exitoso, que introduce en la historia del Arte el concepto de pintor de corte como competidor en lo artístico de sus dotes.
Y
es que en 1461 el papa PIO II había visitado Mantua, y le había
pedido a LUDOVICO GONZAGA hacer de Mantua la admiración de toda
Italia. [336]
Lit. de
abajo hacia arriba, a forma de espectador que observa desde el
cielo. [337]
Especie de regla de cálculo, de origen
chino, por la que corren bolas movibles para hacer operaciones. [338]
Evitando el negro en las sombras. [339]
Como son: -Madera
del árbol de Adán, que murió a sus pies (y donde le da a Set
una rama de olivo), [340]
Escuela donde deslumbraron los mismos DA MESINA, VITORE
CARPACCIO, CARLO CRIVELLI… [341]
Indirecta y desde abajo, y muy
diferente al resto de la pintada en toda Italia. [342]
Taller que tuvo que adaptarse a 2
generaciones: Quatrocentto y Cinquecento. Lo que implica que supo
evolucionar. [343]
Y no tan racional. Es aquí cuando entran en Venecia los sentimientos,
el estado de ánimo, la profundidad espiritual… [344]
Pues BELLINI empezó utilizando el
temple al huevo (para figuras ordenadas), y acabó pintando al óleo
(para hacer figuras expresionistas). Pues el lienzo no aparecerá
hasta el s. XVI. [345]
Virgen María, San Sebastián, San Juan… [346]
Donde aprendió a las órdenes de
COLANTONIO DE NAPOLES. [347]
Técnica que introdujo en Venecia, y desde
Venecia se extenderá por toda Italia, y de Italia al mundo entero. [348]
En la cuestión de la iluminación interior, búsqueda de efectos… [349]
Como “obra maestra del Quatrocentto” para los venecianos. [350]
Su discípulo predilecto, y el que pintaba
en su lugar, pues DA VINCI vio como se le inutilizaban las manos los
últimos años de su vida. [351]
Con quien desplegó toda su capacidad
inventiva y curiosidad infinita. [352]
Continuación del Quatrocentto, pero con
nuevas formas artísticas. [353]
Y es que DA VINCI acabó perdiéndose
en los detalles, y preocupándose muy poco de introducir leyes
generales. [354]
Se trata, pues, de una visión del
mundo antropocéntrica, en la que DA VINCI no parará de interesarse
por todo, desde los animales y las plantas hasta la noche y la
tempestad. [355]
Como se ve claramente en las secciones en
que la exactitud de sus observaciones se reveló de un modo más
patente, sin atenuación ni exageración: la luz, la sombra, la
perspectiva aérea. [356]
Pues todo es igualmente digno de ser imitado por un artista,
“incluyendo la belleza y la fealdad del cuerpo humano”. [357]
No animando nunca al artista a que dé
rienda suelta a su imaginación, pues lo que invente debe tener
siempre un fundamento real. [358]
De sentimientos, cosas apropiadas a la edad, rango, posición social,
vestido, ambiente circundante… [359]
Los gestos, la expresión facial, cuando discuten, cuando están
tristes, cuando no son conscientes de sus actitudes… [360]
Junto a la poesía, como mejores
armas para describir la realidad. Es su teoría del paragone. [361]
Que llevó horas de análisis visual antes
de ser pintados. [362]
Pero en su momento para la familia de
AMILCARE PONCHIELLI. [363]
Cuya influencia quedará plasmada en
TIZIANO y RUBENS. [364]
De arte profano y culto. [365]
Pero no como quietud del alma. [366]
En los entornos. [367]
Mediante un canon delgado. [368]
Línea ondulada pero no de movimiento radical. [369]
Como: -el
lápiz rojo o arcilla, para dar suavidad, [370]
Pero pintado en su momento para la
Catedral de Perugia. [371]
Que gira el rostro para dar dinamismo a la acción. [372]
Pretendientes de la Virgen, todos
enfadados y con sus varillas (de los cuales uno de ellos rompe su
vara). [373]
Como el tholo-templo
circular clásico, emulador del Templo San
Pedro in Montorio de Roma de BRAMANTE. [374]
Descubierta por MASILIO FICINO, como
mezcla de sabio y héroe, y que se ve aquí en: -el
caballero que se recuesta sobre su laurel, y sueña con su fama, [375]
Iniciada por el papa JULIO II, tras los
consejos que le había dado BRAMANTE. Se trata de unas Estancias
que narran y explican la teología con una perfección pictórica
insuperable. [376]
Referentes a la Basílica de Constantino,
a la Basílica del Vaticano. [377]
Discutiendo con Alcibiades y Jenofonte. [378]
Con la cara de DA VINCI, y el
dedo hacia arriba (hacia el mundo de las ideas). [379]
Con su Etica
a Nicómaco en la mano. [380]
Donde aparecen: -Protágoras,
en la esquina derecha, defendiendo que el hombre es el centro de todas
las cosas, [381]
Estando el fresco justo enfrente de la Escuela de Atenas. [382]
Iglesia triunfante, sin perspectiva. [383]
Iglesia militante, con perspectiva. [384]
Deesis bizantina (María y Juan Bautista), grupo de sabios (Virgilio,
Petrarca, Santo Tomás de Aquino y los 4 padres occidentales) disputándose
la Custodia… [385]
En concreto, en la Estancia
de Heliodoro. Pues los Palacios Vaticanos albergan estancias
kilométricas. [386]
Donde el papa presencia la escena. Y donde Heliodoro (abajo, a la derecha) necesita visitar Fenicia, y para ello
ha de pasar por Jerusalén (donde se le ocurre robar el tesoro del
templo). Al descubrírsele la intención, el Sumo Sacerdote pide ayuda
a Dios (que le envía un caballo y 2 jóvenes de ayuda, que le dan una
paliza a Heliodoro). [387]
En la Estancia
de Heliodoro. [388]
En que un sacerdote dudaba de la
transustanciación, y la Sagrada Forma le empezó a sangrar. Se trata
de un corporal que hoy se guarda en la Catedral de Orvieto, y que dio
pie al papa URBANO VIII a instituir la fiesta del Corpus. [389]
Trajes, mujeres con niños… [390]
En la Estancia
de Heliodoro. [391]
En la Estancia
del Incendio. [392]
Pequeño y en la ventana del fondo, y por
cuya intercesión se sofocan las llamas. [393]
Con Eneas: -ayudando
a sacar gente del edificio incendiado, [394]
Disciplinas que aprendió bajo su
maestro GHIRLANDAIO. [395]
Los cuales le escribieron avisándole que “toda la ciudad
desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de
lejos… Vuestra excelencia nos haría un gran favor si quisiera
honrar con su presencia a su patria natal”. [396]
Que da cuenta de sus métodos de trabajo y
de alguna de sus opiniones. [397]
Discípulo y biógrafo del anciano MIGUEL ANGEL, cuya Vita de
Michelangelo Bounarroti escribió cuando el maestro tenía 80
años. [398]
Cartógrafo y miniaturista portugués, y
autor de De Aetatibus Mundi
Imagines-1553. [399]
Como muestra en la Capilla Sixtina del Vaticano, la Piedad del Vaticano, sus poemas de amor… [400]
Hoy se quiere imputar esta tendencia a
alejarse de las cosas materiales de MIGUEL ANGEL, para acercarse a las
espirituales: -al
hecho de que envejecía,
Pero lo cierto es que SAVONAROLA parece que influyó en el cambio de
vida del artista. [401]
Pues, para MIGUEL ANGEL, el artista debe representar lo que ve en la
naturaleza, pero conforme a su espíritu y no solamente a su visión.
Para él, la belleza es “el reflejo de lo divino en el mundo
material”. [402]
Desapareciendo todo espacio real,
perspectiva y proporciones prototípicas. [403]
Encargada por el francés cardenal
VILLIES, para su propia tumba. [404]
Creadas aquí ex-profeso, para dejar caer
a plomo un cuerpo muerto en el regazo de una mujer, sin aparentes
dificultades. [405]
Héroe desnudo. [406]
En la cara, entrecejas, labios, narices… y en las poderosas venas de
la mano. [407]
El cuerpo. [408]
La mano derecha. Pues se trata de una mano
potente y latente, que muestra que algo le está pasando al personaje.
Muestra así no lo ideal, sino lo heroico y lo vulnerable. [409]
Al igual que sucedió en la pintura
flamenca del norte, que renunció al fresco debido a que los colores
nunca iban a secarse. Y es que hasta la salinidad influye en la
conservación de los cuadros. [410]
Tras GIORGIONE, que fue el que empezó a
explorar el óleo, sin llegar todavía al empaste
(poner pegotes encima de la pintura). [411]
Con todo tipo de texturas (de espina de pez, del suave terciopelo, de
la rugosa madera…), como algo nuevo y que no existía hasta el
momento. [412]
Para lo que no se precisaba haber
pintado los trazos con anterioridad. [413]
Permitiendo las correcciones, y el
rectificar sobre la marcha. [414]
De mucho pigmento y poco aceite. [415]
Surgida al eliminar el contorno. [416] Surgidas del dibujo a base de carboncillo, y no de pluma. Y es que el carboncillo (trozo de madera carbonizada encima de un fuego) posibilitaba disolver fácilmente la forma trazada.
Se trató de una herramienta, el carboncillo, que en Venecia fue preferida
al plumeado
(que se dejó para hacer sombras). [417]
Luz que mostraba una existencia
independiente de su reflejo en el cuadro. [418]
Capa delgada de
pintura trasparente. [419]
Término que expresaba una forma verbal
(lit. coloreando), como la acción de colorear. [420]
Según decían BOSQUINO y PAOLO PINI. [421]
1º dibujo, 2º color, 3º composición. [422]
Según la Carta
del Navegar
Pittoresco-1653 de MARCO BOSCHINI. [423]
De ahí que VASARI hablara de la técnica
veneciana como el resultado de: -impasto-empaste,
a forma de pegote rugoso, [424]
Inventada por DA MESSINA. [425]
Por influjo de DA VINCI. [426]
Intentando explorar la relación de la
figura con su entorno, captando ese ambiente mediante la luz y el
color (de forma temporal, y no permanente como buscaba DA VINCI)... [427] Sobre todo por parte de VASARI y los florentinos, que hablaban del dibujo como premisa básica académica, y que no podía ser suplida “ni siquiera por la atractiva belleza del color”.
Y es que, según
Vasari, “la pintura de mancha de Venecia aplica los colores en
trazos, rotos o grandes, y dejan una superficie rugosa, que no puede
verse bien de cerca por haber prescindido del trazo”. Así, continúa
Vasari, “Tiziano es un ejemplo de habilidad y esfuerzo, pero sus
pinceladas son tan grandes que parecen haber sido hechas con
escoba”. [428]
Realizada entre Virgen-Niño-San
Jorge con bandera. [429]
Sobre: -la
fantasía libre, según unos, [430]
Y un estado de la naturaleza más.
Se trata del primer paisaje en la historia del Arte. [431]
Que busca la emoción del espectador. [432]
Integrando las figuras en el
paisaje, como personajes accidentales dentro de un paisaje totalmente
protagonista. [433]
Obra cumbre de GIORGIONE, terminada por
TIZIANO al sobrevenirle la muerte al autor ese mismo año. [434]
Dormido, y que en este caso no nos mira. [435]
Cuya obra fue definida como “oscuridad iluminada por un foco de
luz”. [436]
Que da una textura diferente a cada parte
y figura. [437]
Conseguidos con una pintura de rojo debajo
de él. [438]
Con Venus celeste vestida. [439]
Con Venus terrestre desnuda. [440]
Desde el centro, y como espectador al que
reconoce TIZIANO (lo que será copiado después por VERONES y RUBENS). [441]
En su momento, pintada para ALFONSO DE
ESTE y su camerino en el Palacio de Ferrara (en el que tenía que
hacer compañía a sus Culto a
Venus y Bacanal). [442]
A imitación de MIGUEL ANGEL. [443]
A la que TIZIANO despierta, para que nos
mire desde un sitio concreto. [444]
Hecho inédito en la historia del Arte. [445]
Elemento de feminidad total. [446]
Pues ésta había llegado al poder
de ANDREA VENDRAMIN en 1369, que inmediatamente la llevó a la Iglesia
San Juan Evangelista de
Venecia (cayéndose un trozo de la Cruz en el canal, tras lo cual quedó
suspendida en el aire). [447] Aunque no llega a delimitarla. [448]
Con 2 grupos de hijos equilibrando la composición. [449]
A pesar de las diferentes miradas de cada personaje. [450]
Pistas de lo que el pintor quiere destacar. [451]
Sin rematar, y con volúmenes construidos
a base de luces-sombras, sin líneas. [452]
A nivel de que algo pasa psicológicamente
entre el papa PABLO III y sus sobrinos ALEJANDRO FARNESIO y OCTAVIO
FARNESIO. Psicología en la pintura que ya había inventado DA MESSINA. [453]
El de Octavio, que se agacha, con 22 años,
y ejemplo de ideal maquiavélico. [454]
La de ALEJANDRO FARNESIO, de 26 años, y ejemplo de
cardenal inteligente. [455]
Asociación libre y gremial, con fines
sociales y caritativos. [456]
En la que pudieron ayudar hasta sus
propias hijas, vestidas de chico en su taller. [457]
Pintando siempre agitado todo lo natural,
y pintando siempre en calma todo lo sobrenatural. [458]
Pero entonces pintado para el
presbiterio de la Iglesia San
Marcos de Venecia, a la izquierda de los espectadores (por su
colocación de Cristo a la derecha de la escena). [459]
Pero
entonces pintado para la Escuela San Marcos de Venecia. [460]
Por lo que el cuadro fue rechazado en su época. [461]
Que cae del cielo con todo su peso. De
hecho, no es visto por la gente. [462]
Que se había escapado para venerar
las reliquias de San Marcos, y al que su amo había capturado para
apalearlo (de hecho, el esclavo aparece con heridas). [463]
Al fondo, donde también se deja
ver una arquitectura de piedra clara. [464]
Como forma de simbolizar a los infieles
(pues los turcos eran los enemigos de los venecianos) [465]
Pero entonces pintado para la Escuela San Marcos de Venecia. [466]
Donde se trasparentan hasta las losetas. [467]
A la izquierda, y muerto en el suelo. [468]
Traído por un hombre y una mujer, para
que tocase al santo y así se curase. [469]
Cuyos trajes y fiestas venecianas trató
de introducir en sus obras religiosas, con resultados peligrosos. [470]
De 10 x 7 m, 12 x 5 m, tanto al fresco
como al óleo. Se trató de una inventione-composición
genial del espacio, que introdujo a su taller plenamente en el barroco. [471]
Ya fuese a pluma, a tinta, a tiza, con bocetos al óleo y tablas
recordatorias de lo pintado… intentando siempre superarse.
Importante fue, en ese sentido, la invención de las réplicas,
o cuadros que repetía él mismo o un discípulo suyo mientras estaba
pintando el original (muy diferente a los que son las copias,
o repetición de un cuadro realizada fuera del taller y del tiempo del
artista). [472]
Para las trasparencias, sobre todo. [473]
Gris, plata, azul y amarillo. Pero colores “a los que VERONES hizo
cantar, a forma de orquesta con distintas voces que interpretaban una
misma música”, se decía en su siglo. [474]
A pesar de los escorzos difíciles
y decorados de techos, que fue mezclando de forma tranquila. [475]
Pero entonces pintado para el refectorio
del Convento San Juan de
Venecia. [476]
Donde VERONES toca la viola, TIZIANO la
viola baja, BASSANO la flauta, TINTORETTO el violín. [477]
Pero entonces pintado para el refectorio
del Convento San Lázaro y Celso
de Verona. [478]
Con arquerías de 3 vanos que lo marcan todo. [479]
Lo que hizo que el cuadro fuese condenado
por la Inquisición, y cambiado su título original de Ultima
Cena por el de Banquete en Casa
de
Leví (pues VERONES alegó que tenía libertad de
expresión, como los locos). [480]
Con la idea de poner sus obras en las
tarimas de madera donde se sentaba la gente a charlar (evitando así
el frío). [481] Lo que supuso la muerte del Renacimiento, justo cuando DA VINCI, MIGUEL ANGEL y RAFAEL estaban a mitad de su carrera.
De hecho, la finalidad expresionista del Manierismo iba
totalmente en contra de la finalidad cientificista del Renacimiento, y
acabó por hundirlo. [482]
Llamado así por VASARI para
referirse a la influencia que el arte bizantino había vuelto a
influir en los artistas manieristas, en especial en MIGUEL ANGEL. [483]
En que un II Manierismo evolucionó sobre un I Manierismo. [484]
No del todo normales, pero sí lógicas
(dado que el Renacimiento había llegado a modelos clásicos
perfectos, que necesitaban ser rotos por algún lugar). [485]
Hasta en los paños. [486]
Retomando así la estereometría inventada
por Lisipo en el s. IV a.C. [487]
Según la llamó VASARI. [488]
Como sí había en el arte bizantino, con
el fondo de oro que hacía estático lo sobrenatural. [489]
De hecho, al manierismo le gusta crear líos
de personajes, unos boca arriba y otros boca abajo. [490]
Llenos de trampantojos-trampas
de perspectiva al ojo, grisallas-esculturas
y arquitecturas fingidas, balaustradas-baldaquines
falsos, cuadros dentro del cuadro… [491]
Con vistas marinas al fondo… y a forma de fusionar las 3 artes
(arquitectura, escultura y pintura). [492]
De hecho, al manierismo le gustaba pintar
arquitecturas y vistas ilusionistas, para que no pudiesen ser
encuadradas dentro de ningún estilo ni realidad parecida. [493]
Hoy en el Museo de Dresde, y donde se muestra: -escena
nocturna con resultado popular, [494]
Movimiento que había supuesto, tras su
inclusión en el s. XVI, una vuelta artística al medievalismo: -sometiendo
el arte a la religión,
Se trató, pues, de un movimiento que puso la pintura y la naturaleza
bajo control del intelecto humano, que a su vez está bajo control del
intelecto divino. [495]
ANNIBALE CARRACCI (Bolonia
1560-Roma 1609) fue pintor y grabador italiano, auténtico rival del
naturalista CARAVAGGIO (Milán 1571-Porto Ercole 1610) y reformador de
la corriente artística manierista, hacia un arte ecléctico sin
principios determinados, que trataba de hacer compatible cualquier
tipo de arte mediante la mezcla y combinación de sus elementos, sin
llegar a formar un todo orgánico. [496]
Fundada en 1563 por LUDOVICO CARRACCI, tuvo onda expansiva hacia otras
ciudades, especialmente Roma. Integró la Scuola dei Desiderosi (de los deseosos de saber), la Scuola
degli Incamminati (de los encaminados progresistas), la Scuola
Naturale (renovadora del decadente manierismo)… como respuesta a
la propuesta que hizo el arzobispo de Bolonia, GABRIELE PALEOTTI, de
imponer los principios estéticos del Concilio de Trento, en su Discorso intorno alle Immagini sacre e profane. [497]
Como los de DANIELE DE VOLTERRA (Volterra
1509-Roma 1566), pintor italiano apodado por MIGUEL ANGEL como il Braghettone por haber sido el encargado de cubrir, por mandato de
PIO V, todos los desnudos que habían pintado los manieristas en el
Vaticano. [498]
Compuesta entre 1597 y 1608 por ODOARDO FARNESIO, con las estatuas del
Toro Farnesio, el Hércules
Farnesio… y la pintura como complemento perfecto a la colección
escultórica. No obstante sus variadas manos, hacia 1602 se hizo cargo
de la misma ANNIBALE CARRACCI. [499]
De nombre Giuseppe Cesari (Roma 1563-Roma 1640), fue ARPINO pintor italiano protegido del
papa CLEMENTE VIII, y discípulo de
NICCOLO POMARANCIO (Pisa 1553-Roma 1626). Fue maestro de artistas como
MUZIO, PIER FRANCESCO MOLA, FRANCESCO GUBBIO, GUIDO UBALDO ABATINI,
VINCENZO MANENTI, BERNARDO PARASOLE... y el mismo CARAVAGGIO (que
ingresó en su taller en 1593 como pintor de flores y frutas). Fue
destacable de ARPINO su Flagelación
para la Iglesia San Biagio
de Roma. [500]
De nombre Federico Zuccaro (Roma 1542-Roma
1609), fue ZUCCARO arquitecto y pintor italiano, que fundó la Academia San
Lucas de Roma y trabajó en el Palacio Caprarola
de Roma y la Capilla Paulina
del Vaticano. Terminó también la decoración de la cúpula de la
Iglesia Santa María del Fiore
de Florencia y el Palacio Dogos
de Venecia (donde pintó su Humillación
de Barbarroja). Huido de Italia por motivos personales, en Londres
pintó los retratos de Isabel I
y de María Estuardo, y en Madrid la decoración del Monasterio del
Escorial. [501]
De nombre Giovanni Lomazzo (Milán 1538-Milán
1600), fue LOMAZZO pintor manierista italiano, famoso por su Angeles
en Gloria y Caída de Simón
Mago, de la Capilla Foppa
de la Iglesia San Marcos de
Milán, y su Autorretrato
para la Colección Di Brera
de Milán. [502] Iniciador de la corriente manierista del romanismo, que trataba de imitar el estilo de los autores italianos que habían trabajado en Roma, como RAFAEL y MIGUEL ANGEL. |