PINTURA BARROCA

 

Reflejo del respeto y rectitud,

con cierto tenebrismo y espíritu carpe diem

 


Juicio de Paris de Rubens, más cándido y relajado que los molto vivace renacentistas

Madrid, 1 mayo 2019
Manuel Arnaldos, historiador de Mercabá

            El Barroco fue un movimiento nuevo eclesial, gestado en el Concilio de Trento, impulsado por las nuevas órdenes eclesiales[1], y con la nueva mística que elevaba el alma a Dios[2].

            Vio la luz en Roma bajo Sixto V y su inédita Urbanización de Roma-1585[3], cuando el papa abrió las puertas de Roma a todos los mejores artistas, y a los peregrinos del mundo entero. Kilometrajes de pintura, y la propia Escuela San Lucas de Roma[4], atrajeron a Caravaggio, Carracci, flamencos, franceses, bambochantes[5], mecenas[6] y artistas de todo tipo.

            No obstante, el Barroco fue adquiriendo mucha más importancia fuera de Italia, hasta la evolución decorativa del Rococó. El desbordamiento del Barroco en Roma, con Bernini y Borromini, se trasplantó al holandés Rembrandt, al flamenco Rubens o al francés Poussin. Cada uno de ellos, con su propia escuela de maestro y discípulos.

a) Pintura barroca

            Del término portugués barroco-perla irregular, y del español barrueco-joya, fue definido el Barroco por el arqueólogo Antoine de Quincy como algo chocante y llamativo que se puso en escena.

            Poco después adquirió el rango de inferior respecto al arte renacentista, bajo Jacob Burckhardt en su Cicerone[7]. Enrick Volfield habla en su Renacimiento y Barroco de un Barroco contrapuesto y distinto al renacentista, del que no tenía nada que ver[8]. Henri Focillon aplica el término barroco, en su Vida de las Formas, a las manifestaciones de exuberancia y generosidad de proporciones, volúmenes y líneas.

            La pintura barroca está hoy asociada, pues, a la pintura:

-extravagante, y muchas veces relacionada con lo recargado, sofisticado y grotesco;
-de personalidades, más que de estilos, y de sus seguidores
[9];
-teatral, con influencia de escritores literarios, y en ocasiones al servicio de las monarquías.

            Pasó por las 3 etapas del:

-clasicismo, bajo Carracci y su Escuela de Bolonia,
-caravaggismo, bajo Caravaggio y su estilo rompedor,
-pleno barroco, bajo Rubens, Rembrandt y Poussin.

            Fueron elementos constantes en toda escuela pictórica barroca: la naturaleza muerta, el bodegón[10], las escenas de género[11], las arcadias[12] y los paisajes[13].

a.1) Directrices tridentinas

           Ya en el s. XV, el papa Sixto IV había impuesto la necesidad de obtener un imprimatur diocesano para aprobar y exponer toda obra religiosa dentro de una Iglesia. Paradójicamente, y como resultado de los sucesos que siguieron a la Reforma luterana[14], se produjo un reforzamiento del poder del papado en Italia, y los estados pontificios aumentaron su prestigio mundial.

            Junto a este escenario, el papado aprobó el desarrollo de nuevos métodos de composición artística, e impulsó la proliferación de escritos artísticos como arma de propaganda religiosa eficaz.

            En el Concilio de Trento[15] las disposiciones conciliares de 1563 hablaban de:

-velar por el contenido del arte religioso,
-autorizar sólo las pinturas que fuesen de calidad,
-prevenir contra la indecencia o profanación.

            El acento artístico de Trento vino a pivotar, pues, en la precisión y representación, aún con un cierto margen concedido:

-a las ideas probables que tuvieran fundamento,
-a la sabiduría y erudición que pudiesen aportar los artistas consagrados.

            En cuanto a las filosofías clásicas, el Concilio rechazó las más peligrosas y toleró el resto de mitologías clásicas, bajo el calificativo de inofensivas para la razón.

a.2) Otras directrices aplicadas

            En pintura, Trento había insistido en la no mezcla de lo pagano con lo religioso en una misma obra[16], al tiempo que fue riguroso respecto a la decencia, humor popular, leyendas populares y figuras desnudas[17].

            En esta teoría tridentina del decorum, la indumentaria de las figuras humanas debían obedecer a su rango y carácter, sus gestos ser apropiados, la escena estar bien escogida, y el artista tener presente a qué lugar o espacio se destina su obra.

            En cuanto a los detalles, Trento mandó hacer estudios[18] sobre cuáles debían ser los más convenientes para prevenir:

-la majestuosidad, impresionando en la manera de lo posible,
-el esplendor, alabando las antiguas tradiciones eclesiásticas,
-el carácter religioso, imponiendo el acuerdo entre sacerdotes y artistas.

            En cuanto a los frescos, Trento propuso:

-todo tipo de ciclos y programas intrincados[19],
-dar utilidad a la arquitectura, dentro de las escenas pintadas,
-introducir mensajes con filosofía moral,
-causar piedad, y no sólo imitar la realidad
[20].

b) Carracci

            Annibale Carracci (Bolonia 1560-Roma 1609) fue pintor barroco italiano[21], que encarnó la opción artística opuesta a su rival Caravaggio[22], e influyó en Poussin. Viajó a Parma y Venecia, y trabajó para el Palacio Magnani de Bolonia, Palacio Samperi de Bolonia, Capilla Bonasoni de la Iglesia San Francisco de Bolonia, así como para el Palacio Farnesio de Roma[23] y la Iglesia Santiago de los Españoles de Roma[24].

            De dibujo lineal florentino y acusada observación, y con óleo sobre lienzo o tabla, Carracci fue ecléctico en la temática, con escenas de género, mercado[25], retratos, caricaturas[26]… así como libre en el tratamiento, vestimenta…

            Destacan sus paisajes, no complementarios sino esenciales, autónomos[27], costumbristas, tanto religiosos como naturales y apaisados[28], y que le convirtieron en el precursor del paisaje barroco del s. XVIII y romántico del s. XIX.

            Paralizado en su brazo en sus últimos años, fue ayudado a terminar obras por parte de sus discípulos Domenichino, Albani, Lanfranco, Guido Reni y Badaloccio. Fueron etapas de su vida artística:

-periodo boloñés, hasta 1594,

-periodo romano juvenil[29], de 1594 a 1597,

-periodo romano de madurez, ecléctico y para la familia Farnesio en Roma[30].

b.1) Escuela de Bolonia

            Fue fundada por Ludovico Carracci[31], junto a sus primos Agostino[32] y Annibale[33], y bajo los nombres de Academia del Diseño natural-1582, Escuela de los Deseosos[34]-1590 y Escuela de los Encaminados[35] de 1591 en adelante.

            Pretendió renovar el arte manierista del momento[36], decadente para ellos, y bajo las directrices que había marcado el arzobispo boloñés Gabriele Paleotti en su Discurso sobre las imágenes-1582.

            Y lo hizo intentando reactualizar las referencias clásicas greco-romanas y Renacimiento del primer Cinquecento[37], inspirándose en el claro-oscuro[38] y color veneciano. Trató de inculcar la intelectualidad pictórica, el dibujo al natural[39], el eclecticismo de diversas fuentes[40] y la persuasión en el espectador[41].

            Se trató de un clasicismo boloñés que no pasó desapercibido en la Corte papal de Roma, y que recibió numerosos encargos cardenalicios y nobiliarios romanos.

b.2) Obras de Carracci

            Destaca su Carnicería-1580[42], hoy en la Iglesia de Cristo de Oxford, donde se muestra[43]:

-total rotura del clasicismo[44],
-luz homogénea y neutra,

-muchos personajes, sin mirar al espectador.

            Destaca su Comedor de Habas-1580, hoy en la Galería Colonna de Roma, donde se muestra una técnica suelta-abofetada[45].

            Destaca su Crucifixión y Santos-1583, hoy en la Iglesia Santa María de la Caridad de Bolonia, donde se muestra:

-simetría y equilibrio, en 2 partes,
-pincelada suelta
[46] y abofetada[47],
-sin remates ni interés decorativo,
-naturalidad y novedad retratista,
-la calavera de Adán, y libro a sus pies,
-pies sucios de San Francisco
[48].

            Destaca su Bautismo de Jesús-1584, hoy en la Iglesia San Gregorio de Bolonia, donde se muestra:

-dinamismo,
-factura acabada,
-preanuncio del barroco de Barocci
[49].

            Destaca su Virgen entronizada con San Mateo-1588, hoy en la Galería de Arte de Dresde, donde se muestra:

-influjo veneciano, de Tiziano y Veronés,
-escorzo de María para subir al cielo,
-gestos teatrales en los apóstoles,
-densidad material, que aviva lo prodigioso,
-preanuncio del barroco de Rubens y Da Cortona.

            Destaca su Pesca-1595, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-planos escalonados,
-ideal pastoril bucólico, alegre y fresco,
-paisaje rústico de 1ª importancia,
-armonía hombre-naturaleza-animales, pero sin sentimientos,
-luz veneciana
[50], crepuscular y agradable.

            Destaca su Caza-1595, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-planos escalonados,
-ideal pastoril bucólico, alegre y fresco,
-paisaje rústico de 1ª importancia,
-armonía hombre-naturaleza-animales, pero sin sentimientos,
-luz veneciana
[51], crepuscular y agradable.

            Destaca su Frescos en la Cúpula farnesina-1597[52], hoy en el Palacio Farnesio de Roma[53], donde se muestra:

-la virtud del mundo clásico,
-los 3 tipos de amor: divino, contemplativo, bestial,
-lienzo encajado en el centro del techo, junto a frescos en sus 4 brazos,
-perspectiva, grisalla, efecto real de una visión,
-molduras de estuco, que compartimentan el espacio en cuadraturas
[54],
-su Hércules en la encrucijada
[55], hoy en el Museo Capodimonte de Nápoles[56],
-su Bodas de Baco y Ariadna
[57].

            Destaca su Cristo en gloria y Santos-1597, hoy en el Museo Palatino de Roma, donde se muestra:

-los personajes representados[58],
-el penitente del centro
[59],
-el Vaticano,
-Cristo en la gloria, rodeado de los apóstoles Pedro y Juan,
-influencia de Rafael y Correggio.

            Destaca su Piedad-1599, hoy en el Museo Capodimonte de Nápoles[60], donde se muestra:

-forma piramidal,
-lamentación sobre Cristo
[61],
-belleza formal en el cuerpo de Cristo
[62],
-tragedia clásica, con realismo y poder emocional,
-luz que incrementa el drama,
-influencia de Miguel Angel y Correggio.

            Destaca su Asunción de la Virgen María-1600, hoy en la Capilla Cerasi[63] de la Iglesia Santa María del Popolo de Roma, donde se muestra:

-clasicismo total, en luz, volumen, idealización,
-gestos expresivos y heroicos,
-escorzo y bulto redondo en figuras, poderosas y atemperadas,
-juego de simetría y equilibrio,
-juego de colores al ser llevada María al cielo,
-contraste total con Caravaggio
[64].

            Destaca su Huida a Egipto-1603, hoy en la Galería Doria Pamfili de Roma[65], donde se muestra:

-clasicismo total,
-referencias a la arquitectura romana
[66],
-ausencia de equilibrio
[67],
-centro gravitatorio en movimiento, en torno a la Sagrada Familia,
-2 líneas diagonales, remarcadas por el río y el rebaño,
-planos profundos, creados mediante montículos,
-fondo en esfumato,
-irrealidad
[68] y subjetividad[69],
-luz equilibrada y natural, y juego de claros-oscuros,
-ideal pastoril y bucólico, en armonía hombre-naturaleza,
-árboles prototípicos
[70] y paisajísticos[71],
-naturaleza heroica
[72], aristocrática[73], ennoblecida[74],
-sentimientos de melancolía
[75], de algo perdido.

            Destaca su Autorretrato-1604, hoy en el Museo Hermitage de San Petersburgo, donde se muestra él a sí mismo.

b.3) Discípulos de Carracci

            Domenico Zampieri (Bolonia 1581-Nápoles 1641), Domenichino[76] pintó siempre en Roma, en el Palacio Farnesio junto a Carracci, así como para los cardenales Aldobrandini y Girolamo Agguchi, y la familia Mattei. Anoréxico y maniático, continuó el clasicismo boloñés a través de un ideal que hiciera real la naturaleza, anatomía, paisaje y estatuaria clásica. Destaca su:

-Muerte de Santa Cecilia-1612[77],
-Comunión de San Jerónimo-1614
[78],
-Diana y sus Ninfas-1616
[79].

            Guido Reni (Bolonia 1575-Bolonia 1642) destacó por alargar las formas y buscar la belleza ideal del pathos[80], junto a la experiencia mística religiosa. Se puso a las órdenes de Carracci en el Palacio Farnesio de Roma. De ahí pasó al servicio del cardenal Sfondrato, que lo introdujo en las obras vaticanas de Pablo V. Pintó para el Palacio del cardenal Scipione Borghese, hasta que dejó Roma por una reprimenda del cardenal Spínola[81], desplazando su trabajo hacia las catedrales de Rávena y Bolonia. Destaca su:

-Matanza de los Inocentes-1611[82],
-Triunfo de Sansón-1611
[83],
-Aurora-1614
[84],
-Hipomenes y Atalanta-1619
[85],
-Rapto de Helena-1626
[86].

            Giovanni Barbieri (Ferrara 1591-Bolonia 1666), Guercino[87] introdujo la escuela boloñesa en el pleno barroco. Trabajó para el cardenal Serra de Ferrara, haciéndose famoso[88] por sus efectos sutiles de luz, gestos y expresiones faciales. Ganado para la causa por el anciano Ludovico Carracci, se peleó con Reni y marchó a Roma, donde pintó el Casino Ludovisi y Basílica de San Crisógono, siendo invitado por Gregorio XV para pintar en el Museo Capitolino[89]. Destaca su:

-Et in arcadia ego-1618[90].

            Francesco Albani (Bolonia 1578-Bolonia 1660) abandonó a su maestro manierista Calvaert para unirse al grupo de Domenichino, Reni y otros que se habían sumado al proyecto de los Carracci. Ayudó a pintar las alegorías del Palacio Farnesio de Roma, pasando de ahí a pintar en el Palacio de los Mattei, Palacio de los Giustiniani y Palacio del cardenal Verospi. También dejó su huella en la Iglesia de la Paz y la Iglesia Santiago de los Españoles. Destaca su:

-Alegoría de las 4 estaciones-1616[91].

            Giovanni Lanfranco (Parma 1582-Roma 1647) destacó por sus cúpulas que parecían abrirse al cielo[92], rivalizando en demanda de frescos con Domenichino. Trabó amistad con José Ribera en Nápoles, y pintó escenas gladiadoras para el Palacio Buen Retiro de Madrid. Destaca su:

-Auspicios de un emperador romano-1635[93].

c) Caravaggio

            Michelangelo Merisi (Milán 1571-Porto Ercole 1610), Caravaggio fue pintor barroco italiano, el mayor genio del s. XVII, y activo artista en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia. Aprendió manierismo en el taller de Peterzano, y pronto recibió el apoyo de las familias Colonna y Sforza. Conoció la obra de Da Vinci en su Milán natal, y la de Giorgione en su viaje a Venecia.

            Hijo del arquitecto y marqués de Caravaggio, en 1592 Caravaggio dio el salto a Roma, desnudo y sin nada del dinero hereditario materno, hasta que el papa Clemente VIII decide llamarlo a su servicio.En 1594 decide abrirse paso por sí mismo, forjando las amistades del coleccionista Próspero Orsi, el callejero Onorio Longhi y el siciliano Mari Minniti, y comienza a meterse en peleas callejeras. No obstante, llamó la atención del cardenal Francisco Mª del Monte, que lo saca de apuros y lo pone a trabajar en su galería privada. Poco a poco empezó a conocerse la obra del milanés, y a causar escándalo sus cuadros religiosos[94].

            Hacia 1600, y por influencia del cardenal Del Monte, pasó Caravaggio a pintar la Capilla Contarelli de Roma, dando paso al tenebrismo total y al más emocional barroco, pasando a ser admirado por unos y odiado por otros. Tras lo cual, Caravaggio vuelve a sus temáticas grotescas, de decapitaciones y asesinatos, con un naturalismo y realismo dramático.

            En 1606 mató Caravaggio a Ranuccio Tomassoni, lo que hizo que huyera de Roma a Nápoles, y allí re-empezase de nuevo su vida pictórica. Hasta que la ley vino en su busca[95] y tuvo que huir a Malta, bajo la protección legal de Alof de Wignacourt, maestre de la Orden de Malta, que lo nombró pintor oficial de su Orden. No obstante, también aquí armó una trifurca pública, con destrozo de una casa al completo, y expulsión por non grato de la Orden de Malta.

            Tras verse sin nada y en la calle, recibió Caravaggio intentos de linchamiento[96], hasta que el papa Pablo V decide sacarlo de la postración, que se arrepintiera profundamente de todo, y obtener un perdón general para él. Vuelve a Roma y se pone a trabajar, hasta el final de sus días, para la familia papal de Pablo V[97].

c.1) Estilo de Caravaggio

            Caravaggio es el fundador del tenebrismo, naturalismo realista en contra de todo idealismo y superficialidad manierista. En ese sentido, evitó romper con la tradición renacentista realista.

            No mostró la belleza ideal ni los temas heroicos, renunciando a una enseñanza pedagógica y centrándose en lo cotidiano sin ideal alguno.

            Mostró constantes contrastes luces-sombras, eliminando así todo espacio y atmósfera. La luz procede del exterior del cuadro, y no es una luz natural sino una vela o foco en la oscuridad, para crear así misterio y drama.

            Nunca sopesó el autorretrato, pero sí fue introduciendo elementos personales en sus cuadros. Además, acabó permitiendo que otro pintor lo retratara[98].

            Fueron etapas pictóricas de Caravaggio:

-formación, de 1581 a 1592, centrada en Milán,
-juventud, de 1592 a 1598, cuando llega a Roma
[99],
-madurez temprana, de 1598 a 1606, cuando su personalidad ya es conocida en Roma,
-madurez tardía, de 1606 a 1610, cuando huye de Roma y marcha al exilio.

c.2) Obras de Caravaggio

            Pintó 10 obras sobre el Antiguo Testamento, como:

-Sacrificio de Isaac-1598, hoy en la Galería Johnson de New Jersey,
-Sacrificio de Isaac-1603, hoy en la Galería Uffizi de Florencia,
-Judit y Holofernes-1599, hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma,
-David y Goliat-1599, hoy en el Museo del Prado de Madrid,
-David con cabeza de Goliat-1607, hoy en el Museo Historia del Arte de Viena,
-David con cabeza de Goliat-1610, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Juan Bautista-1598, hoy en la Catedral de Toledo,
-Juan Bautista-1604, hoy en el Museo Nelson-Atkins de Kansas,
-Juan Bautista-1604, hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma,
-Decapitación de Juan Bautista-1608, hoy en la Iglesia San Juan de Valletta.

            Pintó 9 obras sobre Jesucristo, como:

-Natividad-1609, hoy en la Iglesia San Lorenzo de Palermo,
-Adoración de los Pastores-1609, hoy en el Museo Nacional de Mesina,
-Huida a Egipto-1597, hoy en la Galería Doria-Pamfili de Roma,
-Ecce Homo-1605, hoy en el Palacio Rosso de Génova,
-Cristo en Getsemaní-1605, hoy destruido,
-Prendimiento de Cristo-1602, hoy en la Galería Nacional de Dublín,
-Coronación de Espinas-1604, hoy en la Galería Cariprato de Prato,
-Coronación de Espinas-1607, hoy en el Museo de Historia del Arte de Viena,
-Entierro de Cristo-1603, hoy en el Museo Vaticano de Roma.

            Pintó 4 obras sobre la Virgen María, como:

-Virgen de Loreto-1604, hoy en la Capilla Cavalletti de la Iglesia San Agustín de Roma,
-Virgen del Rosario-1607, hoy en el Museo de Historia del Arte de Viena,
-Virgen con niño y Santa Ana-1606, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Muerte de la Virgen-1604, hoy en Museo Louvre de París.

            Pintó 17 obras sobre los santos, como:

-San Mateo y el Angel-1602, hoy destruido,
-Vocación de Mateo-1600, hoy en la Capilla Contarelli de la Iglesia San Luis de Roma,
-Inspiración de Mateo-1602, hoy en la Capilla Contarelli de Iglesia San Luis de Roma,
-Martirio de Mateo-1600, hoy en la Capilla Contarelli de la Iglesia San Luis de Roma,
-Vocación de Andrés y Pedro-1603, hoy en el Palacio Buckigham de Londres,
-Resurrección de Lázaro-1609, hoy en Museo Nacional de Mesina,
-Incredulidad de Santo Tomás-1602, hoy en la Galería Sanssouci de Postdam,
-Discípulos de Emaús-1601, hoy en la Galería Nacional de Londres,
-Crucifixión de Pedro-1601, hoy en la Capilla Cerasi de Iglesia Sta.MªPopolo de Roma,
-Conversión de San Pablo-1600, hoy en la Galería Odescalchi-Balbi de Roma,
-Magdalena Penitente-1597, hoy en la Galería Doria-Pamfili de Roma,
-Marta y María-1598, hoy en el Museo de Arte de Detroit,
-Santa Catalina de Alejandría-1598, hoy en el Museo Thyssen de Madrid,
-San Jerónimo en meditación-1605, hoy en la Abadía Montserrat de Barcelona,
-San Jerónimo escribiendo-1605, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Extasis de San Francisco-1595, hoy en el Ateneo Wadsworth de Hartford,
-Meditación de San Francisco-1595, hoy en Palacio Barberini de Roma.

            Pintó 4 obras de retratos, como:

-Retrato de Cortesana-1597, hoy destruido,
-Maffeo Barberini-1598, hoy en manos privadas,
-Retrato de Pablo V-1605, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Retrato de Alof de Wignacourt-1607, hoy en el Museo Louvre de París.

            Pintó 9 obras cotidianas[100], como:

-Muchacho cogiendo Fruta-1592, hoy en la Galería Longhi de Florencia,
-Muchacho con Cesto de frutas-1593, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Muchacho mordido por Lagartija-1596, hoy en la Galería Nacional de Londres,
-Muchacho con Cordero-1602, hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Buenaventura-1594, hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Jugadores de Cartas-1594, hoy en el Museo Kimbell de Texas,
-Músicos-1595, hoy en el Museo Metropolitano de New York,
-Tañedor de Laud-1596, hoy en el Museo Hermitage de San Petersburgo,
-Canasta de Frutas-1599, hoy en la Biblioteca Ambrosiana de Milán.

            Pintó 8 obras sobre mitología[101], como:

-Baco enfermo-1593, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Baco-1596
[102], hoy en la Galería Uffizi de Florencia,
-Cabeza de Medusa-1597
[103], hoy en la Galería Uffizi de Florencia,
-Júpiter, Neptuno y Plutón-1597, hoy en la Galería Ludovisi de Roma,
-Narciso-1599, hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma,
-Amor Victorioso-1602, hoy en la Galería de Arte de Berlín,
-7 Obras de Misericordia-1607, hoy en el Museo Capodimonte de Nápoles,
-Cupido dormido-1608, hoy en el Museo de Arte de Indianapolis.

c.3) Discípulos de Caravaggio

            Caravaggio no creó ningún taller artístico, ni tuvo colaboradores ni le surgieron discípulos estrictos. Tuvo amigos, pero no círculo ni escuela forjada.

            No obstante, su trabajo a la prima renovación pictórico atrajo a numerosos seguidores, incluidos varios discípulos de su oponente Carracci, y lejos de Italia también. Es lo que nos narra Julio Mancini, médico de Urbano VIII, en su Considerazioni sulla Pittura-1630.

            Bartolomeo Manfredi (Cremona 1582-Roma 1622) fue seguidor de Caravaggio desde 1603 y sus enfrentamientos con Baglione, emulando sus claros-oscuros, insistencia naturalista, pintura de género y lenguaje corporal de los personajes. Compuso pinturas de caballete para privados, e introdujo en el caravaggismo a pintores venidos de Francia y Flandes. Destaca su:

-Paliza de Marte a Cupido-1607[104], pista sobre un Caravaggio perdido[105].

            Carlo Saraceni (Venecia 1570-Venecia 1620) trabajó en la Academia San Lucas de Roma desde 1607, destacando por sus paisajes densamente boscosos, figuras monumentales[106], naturalismo extremo, así como por sus vestuarios franceses y cuadros-joya pequeños. Repitió varios cuadros religiosos de Caravaggio, que el clero romano rechazaba sistemáticamente. Destaca su:

-Martirio de San Lamberto-1608[107],
-Virgen con niño y Santa Ana-1610
[108].

            Orazio Borgiani (Roma 1575-Roma 1616) transportó a España el fenómeno caravaggista, influyendo en Velázquez y Tristán. Destacó por su conocimiento de las ruinas romanas y murales vaticanos de Rafael, así como por sus paños escultóricos y paleta tostada. Destaca su:

-San Cristobal-1600[109],
-Sagrada Familia-1615
[110].

            Bartolomeo Cavarozzi (Viterbo 1590-Roma 1625) trabajó casi siempre en España, al servicio del cardenal Zapata y de las obras de los Crescenzi en El Escorial, e influyendo en Zurbarán. Supo dotar al tenebrismo de elegancia e idealización, así como utilizar unos efectos de luz extremos Destaca su:

-San Jerónimo y 2 ángeles-1617[111],
-Desposorios de Santa Catalina-1618
[112].

            Giovanni Serodine (Ascona 1600-Roma 1631) trabajó para la rica familia de los Mattei, y fue caso aparte por su libertad impresionista, aparte de su brillantez cromática, pincelada desecha y gran empaste, dentro del tenebrismo. Destaca su:

-Santa Margarita resucita a un Joven-1620[113],
-Jesús entre Doctores-1625
[114],
-Despedida de Pedro y Pablo ante el Martirio-1625
[115].

            Orazio Gentileschi (Pisa 1563-Londres 1639) cambió su manierismo por el sistema caravaggista que contempló en Roma, sintetizando un estilo convencional, elegante, sin defectos físicos y sí ricos vestidos. Exportó el caravaggismo a España[116], Génova, París[117], Corte de Carlos I en Londres y su propia hija[118]. Destaca su:

-Anunciación-1623[119],
-Moisés sacado de las Aguas-1630
[120].

d) Cortona

            Pietro Berettini (Cortona 1596-Roma 1669), Cortona fue pintor barroco italiano que destacó por sus frescos decorativos en techos y pintura de caballete. Aprendió en el taller florentino del manierista Andrea Commodi, a quien decide dejar para crear su estilo propio, con cierta mirada puesta en el clasicismo boloñés.

            Trabajó al servicio de la familia Saccetti en su Villa de Pigneto, y de la familia Mattei en su Palacio de Roma. Aquí conoce a Cassiano del Pozo, que lo introduce al cardenal Barberini. Empieza a pintar, por influjo cardenalicio, la Iglesia Santa Bibiana de Roma y su propio Palacio Barberini de Roma, aunque sigue haciendo escapadas a Florencia para pintar el Palacio Pitti.

            Destaca su:

-Rapto de las Sabinas-1627[121], hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Triunfo de la Providencia-1633
[122], hoy en el Palacio Barberini de Roma.

d.1) Discípulos de Cortona

            Giovanni Battista Gaulli (Génova 1639-Roma 1709), Baciccio llevó el ilusionismo de Da Cortona al culmen, abriendo espacios insólitos en bóvedas y techumbres. Conoció a Rubens y Van Dyck en su Génova natal, aunque de lo que se quedó prendado fue de la cúpula de Parma de Correggio. Destaca su:

-Adoración del Nombre de Jesús-1679[123].

            Andrea del Pozzo (Trento 1642-Viena 1709) inventó los efectos especiales en su Perspectiva pictorum-1693, dejando incluso atrás los escenarios ilusionistas y diseños ópticos sorprendentes. Como sacerdote jesuita, trabajó para las iglesias de su Orden, así como para el Palacio de Liechtenstein y otros edificios centroeuropeos. Destaca su:

-Alegoría de la misión de los Jesuitas-1691[124].

e) Rubens

            Pedro Pablo Rubens (Siegen 1577-Amberes 1640) fue pintor barroco flamenco, aparte de embajador de España e Iglesia Católica ante diversas sedes europeas[125].

            Exiliado en su infancia a Alemania por su índole calvinista, regresó a su Amberes natal a los 16 años, convertido al catolicismo y poniéndose en manos de sus maestros Van Noort y Van Veen. Durero fue su modelo a copiar, y pronto marchó a Italia para perfeccionar su estilo.

            En sus viajes por Italia trabajó para los Gonzaga de Mantua, la marquesa Spinola-Doria de Génova y el cardenal Montaldo en la Iglesia Santa María in Vallicella de Roma. En España trabajó para el duque de Lerma y Corte de Valladolid. En Francia para la reina regente María de Médicis y su Palacio Luxemburgo de París. Y a su vuelta a Amberes, se casó con Isabella Brant y se dedicó a la composición pictórica total[126].

            Su taller de Amberes contó con un equipo de artistas que componían cada cuadro en común[127], siendo Rubens su supervisor y el impulsor del colorido de Veronés, movimiento y vitalidad carnal de Miguel Angel[128], sensualidad femenina de Rafael.

            Destaca su Alegoría de la Guerra-1638, hoy en la Galería Pitti de Florencia, donde se muestra:

-total influencia de Tiziano,
-iconografía clásica
[129],
-el hambre y plaga, en los monstruos,
-rotura de la paz, en el instrumento roto de la mujer,
-consecuencia de la guerra, en la mujer con niño huyendo,
-las 3 gracias, pintadas en un libro bajo Marte,
-Europa, vestida de luto y coronada con una ciudad.

e.1) Discípulos de Rubens

            Anton Van Dyck (Amberes 1599-Londres 1641) representa el refinamiento de figuras, elegancia etérea y alargamiento de rasgos faciales, inclinándose por los asuntos religiosos[130].

            Jacob Jordaens (Amberes 1593-Amberes 1678) muestra el polo opuesto a Van Dyck, resaltando la bajeza y embriaguez de la vida cotidiana, y negándose a viajar a Italia para aprender estilo italiano.

            Frans Hals (Amberes 1580-Haarlem 1666) se inclina también por los temas burgueses, plantando en pleno Utrecht el más puro caravaggismo. Destaca su:

-Patronato del Orfanato-1664[131].

            Jacob van Ruisdael (Haarlem 1628-Amsterdam 1682) muestra paisajes que tienden a ser realistas, con 2/3 de cielo y 1/3 de elementos terrenos. Desaparece el hombre como centro de la escena, el centro geométrico de composición y la arcadia pastoril feliz, para mostrarse las nubes, tierra ganada al mar y gente trabajando… tal cual son[132]. Destaca su:

-Campos de Trigo-1670[133].

            Aelbert Cuyp (Amsterdam 1620-Amsterdam 1691) muestra paisajes de vacas, con cierto mensaje heroico del hombre adaptado al entorno. Idealiza, así, la vida del campo, mostrando la arcadia feliz del pastorcito. Destaca su:

-Escena de Mujer ordeñando-1646[134].

            Pieter Claesz (Burgsteinfurt 1597-Amsterdam 1660) muestra los bodegones holandeses, lo idílico del festín, pasteles decorados con vajilla, espejos y aves. Es la cima de la vida burguesa, pintada como pura vanitas y siempre con la fiesta recién terminada. Destaca su:

-Vida Turca-1627[135].

f) Rembrandt

             Harmenszon van Rijn (Leiden 1606-Amsterdam 1669), Rembrandt fue el principal representante del flamenco holandés. Careció casi al completo de temática religiosa[136] y aristocrática, repitiendo una y otra vez los asuntos de la burguesía[137] y milicias ciudadanas[138]. Deshace casi al completo la técnica pictórica, y llega a la máxima representación de sentimientos.

             Continuó con la tarea comercial y espíritu internacional que había ido desarrollando el Renacimiento flamenco en la zona de Flandes, así como con la tarea artística que ya habían iniciado los góticos Jan van Eyck y Van der Weyden, y los renacentistas Joachim Patinir y Lucas van Leyden.

            Rembrandt plasmó sus obras bajo un enfoque artístico de:

-ímpetu católico y anti-protestante,
-fuerte temática guerrera, religiosa y retratista,
-preciosismo de detalles materiales.

            Y llevó a la distinción paisajística entre:

-escena costumbrista, de diversión cotidiana,
-tragedia, de drama cotidiano,
-paisaje heroico, donde el hombre ennoblece la naturaleza.

            Destaca su:

-Anatomía del Dr. Tulp-1632[139],
-La Ronda de Noche-1642
[140],
-Autorretrato-1659
[141].

g) Poussin

            Nicolás Poussin (Normandía 1594-Roma 1665) fue el pintor barroco francés más clasicista[142], y el auténtico intelectual del barroco mundial.

            Advertido en su infancia de su tendencia artística, Poussin fue enviado a París para especializarse bajo George Allemand. Allí obtuvo seguidores poussinistas que se opusieron a la corriente rubenista. Y conoció a Marini, pintor de corte de la reina María de Médicis, que le entregó en matrimonio a su prima Ana María y le abrió las puertas de Roma.

            En Roma pasó la mayor parte de su vida[143], aprendiendo el equilibrio y clasicismo de Rafael, y trabajando sin descanso para el cardenal Barberini, el cardenal Omodei y la familia Giustiniani.

            Su estilo es claro, lógico y ordenado. Su temática fue religiosa y mitológica, siempre con valores morales, y siempre esquivando los temas bajos y la muerte. Y dio al paisaje el protagonismo total, haciéndolo heroico y trascendente, y que el hombre se adaptara constantemente a él.

            Destaca su Et in Arcadia ego-1627 y 1637, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-epigrafía que están leyendo los personajes,
-paisaje idílico,
-línea de horizonte en el centro,
-1/2 de cielo y 1/2 de tierra.

Madrid, 1 mayo 2019
Mercabá, artículos de Cultura y Sociedad

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[1] Entre las que destacaron:

-la Compañía de Jesús de SAN IGNACIO DE LOYOLA, con su Iglesia Gesu de Roma-1568,
-el Oratorio de SAN FELIPE NERI, con su Iglesia Santa María Vallicella de Roma-1577,
-los teatinos de SAN CAYETANO DE THIENE, y su Iglesia Sant Andrea della Valle de Roma-1590,
-los borromianos de SAN CARLOS BORROMEO, y su Iglesia San Carlo al Corso de Roma-1610.

[2] Siendo el año 1622 el cénit del Barroco eclesial, cuando la mayoría de santos del s. XVI fueron canonizados al unísono (SANTA TERESA DE JESUS, SAN JUAN DE LA CRUZ...).

[3] En la que el pontífice trató de dar solución a la vieja y medieval urbanización de la ciudad petrina, con desniveles callejeros, edificios derrumbados, restos arqueológicos en peligro de expoliación...

             Fue entonces cuando el papa SIXTO V (1585-1590) llevó a cabo el imperial proyecto de urbanizar al completo la ciudad de Roma, girada en torno al primado petrino, y dándole la grandiosidad de antaño a todos los lugares paleocristianos (trabajos soterráneos relatados por GIACOMO BOSSIO en 1638).

[4] Donde se forjaron ZUCCARO, MUCIANO, DE NEBIA...

[5] Pintores de anecdotillas bajas de la calle, que desembarcaron en Roma cuando tuvo lugar el auge del papa SIXTO V, y empezaron a ganarse la vida en la calle con pinturas de pequeño tamaño.

             Fundaron la banda de los Bent Vueghels (lit. Pájaros) para protestar contra los impuestos del papa, con pinturas reaccionarias y llenas de inmoralidades en las paredes de Roma (lo que hizo que se les expulsase de Roma, o que acabasen pagando los impuestos).

             Se trató del estilo artístico surgido del holandés VAN LAER, conocido como Il Bamboccio (lit. figura coja), durante su estancia en Roma.

             Fue un arte bambochante anti-sistema, de luz dirigida, no natural, callejera, tabernera, con sensación de naturalidad. Representó el campo paccino (de vacas dentro del foro romano).

[6] Como el marqués GIUSTINIANI, el cardenal DEL MONTE (mecenas de CARAVAGGIO), el cardenal ALDOBRANDINI (mecenas de CARRACCI), los FARNESIO...

[7] Donde se afirma que “empezó a aparecer como distinto e inferior al arte renacentista, a lo salvaje, sin orden y sin filiación directa con el renacimiento”.

[8] Afirmando que “si el renacimiento persigue la línea, el barroco persigue el color; si el 1º busca lo plano, el 2º la profundidad; si el 1º busca la forma cerrada y unidad, el 2º la forma abierta y pluralidad; si el 1º busca la claridad absoluta, el 2º la claridad relativa”.

[9] Como los caravaggistas franceses, los caravaggistas holandeses...

[10] Flores, comidas...

[11] Escenas callejeras, llenas de pícaros, que fueron pintando los bambochantes de Roma.

[12] Relación y armonía total entre el hombre y la naturaleza.

[13] Mares, ciudades inventadas, momentos pastoriles... tanto a nivel de:

-paisajes italianos, como empezó a plasmar BRILL,
-paisajes franceses, como empezó a plasmar DE LORENA.

[14] Que había prohibido las imágenes y el arte, provocando auténticas revoluciones iconoclastas en el norte europeo e Inglaterra, en sus 3 momentos estelares de:

-1522, donde la 7 obras de Misericordia fue rayada ex-profeso,
-1566, cuando empezó a restaurarse toda obra religiosa con caras difusas,
-1581, donde las paredes protestantes pasaron a quedarse vacías y mudas.

[15] 1545-63, y uno de los grandes Concilios de la historia, donde la Iglesia se posicionó respecto a la Reforma luterana, revisó todos los estudios humanísticos y artísticos eclesiales, impulsó la contrarreforma cultural, y puso los medios para el mayor de los florecimientos espirituales y misionales de la historia.

[16] Como también denunciaron:

-DA FABRIANO, en su Diálogo de los errores Pictóricos-1564, donde condena que los pintores giraban cabezas y piernas para hacerlas insuperables, sin pensar en la devoción;
-PALEOTTI, en su Discurso sobre las Imágenes-1582, donde condena la oscuridad veneciana y dejar a los objetos secundarios como mudos.

[17] Los cardenales BORROMEO y PALEOTTI añadieron el consejo particular de evitar la indecencia no sólo en las iglesias y arte religioso, sino en las casas privadas y arte de cualquier estilo. Consejo que adoptó en 1598 la Academia San Lucas de Roma, al exhortar a todos sus académicos a pintar “temas decentes y dignos de elogio”.

[18] Estudios que vieron la luz con las Instructiones Fabricae et Supellectilis Ecclesiasticae-1572 de BORROMEO.

[19] Destacando las temáticas de:

-éxtasis de santos, en su transverberación, martirio…
-administración de sacramentos,
-ángel de la guarda y cielo en la tierra…

[20] Como propuso la línea teológica impulsada por el milanés GUAZZO, sacerdote que en su Compendium Maleficarum había destapado hasta:

-11 fórmulas satánicas llevadas a cabo por brujas de la época,
-las participaciones sexuales de súcubos-hombres e íncubos-mujeres,
-las ceremonias aquelarre que se habían puesto de moda.

[21] Biografiado por:

-MANCINI, médico del papa URBANO VIII, en su Considerazioni sulla Pittura-1630,
-BELLORI en su Vite de Pittori, escultori et architeti Moderni-1672,
-MALVASIA en su Felsina Pittrice-1678, sobre la historia de la pintura en la etrusca Felsina.

[22] Al que algunos apodaban como el “Anticristo del Arte”.

[23] Auténtica joya del Barroco, donde CARRACCI pintó el techo del Camerino con las historias de Hércules, a instancias del cardenal FARNESIO, y con la inspiración que le produjo la Capilla Sixtina del Vaticano de MIGUEL ANGEL.

[24] Cuyos murales se conservan hoy en el Museo del Prado de Madrid.

[25] Por influjo de CAMPI, que en su Vendedora de Frutas-1580, de gran impronta sexual moralizante, introdujo en Italia las escenas de cocina flamenca del s. XVI, con gran interés natural por las gallineras, pescaderas…

            Influjo de CAMPI que llegó a los CARRACCI a través de PASSAROTTI, a nivel de empezar a caricaturizar bodegones y personajes.

            Escenas de mercado que ya habían empezado a sucederse en Flandes, por obra de AERTSEN en su Bodegón con la huida a Egipto-1560 (con la cabeza de vaca cortada y mirando al espectador).

[26] De las que fue su inventor, con humor incorporado y un bloc de notas sobre personajes.

[27] Con autonomía propia, a forma de weltlandschaft-vista de pájaro sobre el mundo.

[28] Lit. de país, de pintar un país.

[29] Cuando ANNIBALE y su hermano AGOSTINO deciden ir a conocer Roma.

             Donde estudian la Capilla Sixtina del Vaticano, la estatuaria clásica, las Stanzas vaticanas de RAFAEL, las loggias-pasillos vaticanos, el tardo-manierismo romano, los restos arqueológicos…

[30] Por invitación expresa del cardenal FARNESIO (hijo del gran ALEJANDRO FARNESIO, y cardenal con 20 años y grandes proyectos políticos), que decide alojarlo en su propio palacio personal (con manutención incluida), pidiéndole a cambio que decorase su estudio (donde los Farnesio guardan su Toro Farnesio y Hércules Farnesio).

[31] LUDOVICO CARRACCI, que ejerció las tareas directivas de la Academia, convocando concursos, premios…

[32] AGOSTINO CARRACCI, que asumió las especialidades de arquitectura y escultura. Y que compuso una Teoría del Arte, Poesía y Música para dar intelectualidad a la Academia. Era el más extrovertido de los tres.

[33] ANNIBALE CARRACCI, que asumió las especialidades de pintura. Era el más introvertido y perfeccionista.

[34] Nivel 1º de estudios en la carrera de Arte. Pues de ese 1º grado de los Desirosi se pasaba al 2º grado de los Estudiosi, y al 3º grado de los Utili.

[35] A forma de progresistas.

[36] Encarnado en PROCACCINI, FONTANA, CALVAERT, PASSAROTTI y CESI.

[37] Junto al aprendizaje de las obras de RAFAEL.

[38] Algo muy distinto a lo que es el tenebrismo.

[39] Con moldes de escayola, esqueletos y copias de esculturas que sirvieron de modelos reales.

[40] Como nueva manera de entender el momento presente (a nivel religioso, artístico…). Pero siempre tendiendo a una fe sencilla.

[41] Mediante lo verosímil.

[42] Distinta a la Carnicería-1580 del Museo Kimbell de Texas (donde uno de los 2 carniceros está mirando de frente al espectador).

[43] Con total paralelismo con el Sacrificio de Noé de RAFAEL, que CARRACCI pudo haber contemplado en las estancias vaticanas (y donde un chico joven mataba un carnero).

[44] Destripando totalmente la vaca (como él había aprendido en la carnicería de su padre).

[45] Mostradora del instante (en este caso las migas de pan).

[46] Sin remate en la capa pictórica.

[47] Espontaneidad abofetada que significa no estar acabada.

[48] Flanqueado por 3 figuras a la izquierda, y 3 figuras a la derecha. Donde un santo (el que sólo muestra la cabeza) recibe un insólito rayo de luz.

[49] Un BAROCCI de Barroco ya total, en color, luz, volúmenes a través del color, filosofía tridentina, esfumatos… y que casi siempre trabajó en la Iglesia Santa María Supraminerva de Roma.

[50] Pues CARRACCI viajó a Venecia en 1587, donde conoció a TIZIANO y resto de venecianos.

[51] Pues CARRACCI viajó a Venecia en 1587, donde conoció a TIZIANO y resto de venecianos.

[52] Cuya temática fue seleccionada por ORSINI (bibliotecario de los FARNESIO) y AGUCCHI (secretario del cardenal ALDOBRANDINI, futuro papa CLEMENTE VIII), decantándose por la virtud clásica y los 3 tipos de amor (a través de los dioses del Olimpo).

[53] Palacio iniciado por DA SANGALLO en 1514, y dado por terminado por DELLA PORTA en 1589.

            Y cuyo Camerino consistía en una pequeña Stanza, de reducidas dimensiones y con un marco gigante y fingido en el centro de la bóveda de cañón (junto a frisos fingidos a su alrededor, con medallones, y por influjo de la cuadratura vaticana).

            Se trataba de que CARRACCI (junto a la colaboración de DOMENICHINO y otros, y emulando la pintura vaticana de MIGUEL ANGEL) decorara una gran escena principal (al lienzo), rodeada de quadri riportati ilusionistas (al fresco, sobre frisos decorados en bronce, a llenar de Hermes y Atlantes, jóvenes desnudos y amorcillos lúdicos…).

[54] Siendo:

-cuadratura = marco de cada quadri riportati,
-quadri riportati = espacios arquitectónicos ficticios, para pintar dentro.

[55] Donde Hércules se debate entre seguir:

-el camino del placer, el de la mujer desnuda derecha,
-el camino de la virtud, el del camino estrecho de la izquierda.

[56] Pues lo que hoy se conserva en el techo original del Palacio Farnesio de Roma es una copia.

[57] Recordando la historia en la que:

-Ariadna, hija del rey Minos, había dado el hilo a Teseo para salir del laberinto minoico,
-Teseo, hijo del rey Egeo, había abandonado a Ariadna en la isla de Naxos,
-Baco, dios del vino, encuentra a Ariadna llorando en la isla, y se casa con ella.

[58] Como son:

-María Magdalena, penitente, arriba a la izquierda,
-San Eduardo el Confesor, rey de Inglaterra, arriba a la derecha,
-San Hermenegildo, rey de Toledo, abajo a la izquierda,
-Odoardo Farnesio, su donante, abajo a la derecha.

[59] Andando a rastras con 2 trozos de madera (a forma de paralítico), y pidiendo limosna.

[60] Encargada por el cardenal FARNESIO.

[61] En los rostros, manos, señales de dedo de los ángeles...

[62] Sin filosofar, y sí representando los affetti-emociones del alma.

[63] Diminuta y prototípica capilla del s. XVII, costeada por CERASI (funcionario de la Curia romana).

[64] Que había pintado 2 cuadros tenebristas para la misma Capilla, y que ahora flanqueaban la obra de CARRACCI para ser contrastados por el público.

[65] Encargado por el cardenal ALDOBRANDINI (futuro papa CLEMENTE VIII), que pidió 6 lunetos como éste.

[66] Sobre las ruinas arqueológicas (que muestran la fugacidad de la construcción humana, tema que retomará el romanticismo del s. XIX), y sobre la Pirámide Cestia de Roma (de Cayo Cestio, 36m. alto x 30 m. ancho, que se edificó en el 12 a.C. junto a la Puerta extramuros para enterrarse allí).

[67] Pues hay más masa cromática a la derecha que a la izquierda, por ejemplo.

[68] En la forma en que crecen los árboles.

[69] Tratando de transmitir lo intangible y no comunicable, a través de las tonalidades del paisaje.

[70] Sobre peñones, que no los dejarían crecer.

[71] Para enmarcar la escena, y marcar los puntos de distancia.

[72] No intacta.

[73] No salvaje.

[74] Por la presencia del hombre.

[75] No ya como mera retórica.

[76] Llamado así, Pequeño Domingo, por su estatura.

[77] Hoy en la Iglesia San Luis de los Franceses de Roma, con gran influencia del Expulsión de Heliodoro de RAFAEL, y extensa narrativa sobre la vida de la mártir.

[78] Hoy en la Pinacoteca Vaticana de Roma, casi copia de la de CARRACCI, aunque con mayor idealismo.

[79] Hoy en la Galería Borghese de Roma, con figuras que miran al espectador, gestos en las manos y gran retórica general (que busca la belleza).

[80] Para lo que tenía numerosos moldes con ojos mirando al cielo.

[81] Por dejarse ver con su compañera de trabajo y sentimental SIRANI.

[82] Hoy en la Pinacoteca Nacional de Bolonia, con niveles expresivos, pathos constantes, escorzos y cielo al fondo.

[83] Hoy en la Pinacoteca Nacional de Bolonia, con cuerpo de estatuaria griega alargada, para reflejar al héroe.

[84] Hoy en el Palacio Pallavicini de Roma, en cuadro riportato al fresco, y algo de viejo renacimiento y manierismo.

[85] Hoy en el Museo del Prado de Madrid, donde Atalanta rechaza a sus pretendientes, y convoca una carrera para deshacerse de los perdedores (tirando una manzana al suelo a Hipomenes, para que se entretenga y no venza).

[86] Hoy en el Museo Louvre de París.

[87] Apodado así porque estaba bizco.

[88] Siendo visitado por el mismo VELAZQUEZ en su casa de Ferrara.

[89] El museo más antiguo del mundo, fundado por el papa SIXTO IV en 1471, y donado siglos después por el Vaticano para la ciudad de Roma.

[90] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma, la obra más famosa de GUERCINO.

[91] Hoy en el Palacio Borghese de Roma.

[92] Como la de la Iglesia Sant Andrea della Valle de Roma.

[93] Hoy en el Museo del Prado de Madrid.

[94] Pues no tenía la experiencia ni hondura suficiente como para reflejar la figura de San Pedro, o el arrepentimiento de la Magdalena, o la seriedad de San Juan Bautista (a los que pintaba como otros jóvenes callejeros más). De hecho, el clero romano le censuró, retiró e hizo volver a repetir la mayoría de sus temáticas religiosas.

[95] Por la denuncia que le puso BAGLIONE, también pintor del entorno romano.

[96] De hecho, a Roma llegó la noticia de que lo habían matado.

[97] En el Palacio Borghese de Roma.

[98] Como fue el caso de LEONI, en su Retrato de Caravaggio.

[99] Donde su estilo todavía conservaba las características de:

-luz clara, sin apenas sombras,
-colorido brillante, y gusto por el blanco,
-dibujo claro y preciso, con contornos escrupulosos y perfectos,
-escenas de género, con bodegones ocupando el papel central,
-composiciones con 1 ó 2 personajes, adolescentes de medio cuerpo y aspecto sexual ambiguo.

[100] Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte juvenil.

[101] Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte juvenil (salvo las 3 últimas).

[102] Cuadro del que se dice que pintó CARAVAGGIO su propio rostro y temperamento (pues no representa al Baco mitológico tradicional, sino a otra persona muy concreta). Destaca en él:

-dibujo pulido y preciso,
-representación escrupulosa de la realidad,
-escorzo en el hombro,
-inmediatez (anti-mito manierista),
-colores brillantes y trasparentes, casi sin sombras (no como el colorito veneciano),
-parapeto-mesa lleno de fruta y vino,
-corona de hojas de vid secas, en la cabeza de Baco,
-un Baco mórbido, andrógino, carnal, bien comido, algo basto.

[103] Como escudo cuya mirada petrificaba al enemigo (de ahí que el mundo clásico la pusiera en las fachadas). Y con las serpientes en el pelo (que remite a las clásicas máscaras griegas de la tragedia).

[104] Hoy en el Instituto de Arte de Chicago. Destaca por sus flechas partidas y paloma volando.

[105] CARAVAGGIO había prometido una pintura sobre el tema a MANCINI, coincidiendo con el momento en que el cardenal DEL MONTE se llevó consigo al genio milanés. Así, MANCINI tuvo que encargar la obra a MANFREDI.

[106] Invento del pintor alemán afincado en Roma, ELSHEIMER.

[107] Hoy en la Iglesia Santa María del Anima de Roma, de los alemanes y norteños holandeses. Donde se aprecia fondos no oscuros, telas sin tenebrismo, gradación cromática rica, tipos faciales muy repasados.

[108] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma.

[109] Hoy en el Museo del Prado de Madrid.

[110] Hoy en la Galería Barberini de Roma, donde ya se aprecia la última etapa de su vida: el clasicismo armónico de RAFAEL (sin perder el naturalismo de CARAVAGGIO).

[111] Hoy en el Palacio Pitti de Florencia. De fondo oscuro y tenebrista, medias figuras, figuras reflexivas y apacibles, sin el drama grotesco.

[112] Hoy en el Museo del Prado de Madrid, de la que se hicieron varias copias y variantes. De figuras sólidas, naturalistas pero apacibles, sobre fondos tenebristas.

[113] Hoy en el Museo del Prado de Madrid.

[114] Hoy en el Museo Louvre de París.

[115] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma.

[116] Influyendo en MAINO.

[117] Influyendo en SIMON BUE.

[118] ARTEMISA GENTILESCHI, autora de una Judit y Holofernes que sigue el estilo de su padre.

[119] Hoy en la Galería Sabauda de Turín, por encargo de CARLOS MANUEL DE SABOYA.

[120] Hoy en el Museo del Prado de Madrid. Con tornasolados, rigidez de figuras...

[121] Donde prima la línea y el color por igual (por influjo de RAFAEL y TIZIANO), y figuras con peso específico.

[122] Al fresco y siguiendo el programa iconográfico del poeta BRACIOLINI. Destaca por su:

-superación de todas las obras anteriores del mismo género,
-técnica del sotto in su, desde abajo mirando hacia arriba,
-la cuadratura arquitectónica fingida (con estucos fingidos, guirnaldas y medallones a forma de quadri riportati…),
-combinación de personajes por detrás y delante, y hasta escondiendo lo arquitectónico,
-el color de VERONES,
-alegoría de Cronos y Parkas, junto a muchos atlantes en las pechinas,
-1 corona de laurel, con las virtudes teologales,
-1 corona de la inmortalidad, sobre los BARBERINI.

[123] Hoy en la Iglesia Gesu de Roma, sobre bóveda de cañón. Rompe literalmente el techo de la Iglesia, con figuras que salen volando hacia el cielo.

[124] Hoy en la Iglesia San Ignacio de Roma, donde muestra arquitecturas coherentes, completamente proyectadas hacia el cielo infinito, entre asombrosos efectos de la perspectiva.

[125] Siendo enviado a muchos conflictos, para mediar en muchos procesos de pacificación.

[126] Con encargos que le llegaban de CARLOS I DE INGLATERRA, FELIPE IV DE ESPAÑA...

[127] Recibiendo el permiso de ISABEL CLARA EUGENIA a guardar sigilo profesional, sin descifrar sus secretos y conocimientos internos.

[128] Evitando la sensación pétrea de la estatuaria clásica, y haciendo que la sangre fluyera por las venas de los personajes.

[129] Donde:

-Marte abre el templo de Jano, y sale con su espada ensangrentada amenazando a todos los pueblos,
-Venus intenta retener a su esposo Marte, para evitar la guerra.

[130] Dada la cualidad católica de Flandes. Una Flandes católica que nunca perdió los valores trascendentales, y que nunca se economizó y comercializó tanto como Holanda.

[131] Hoy en el Museo Frans Hals de Haarlem.

[132] Eso sí, con un matiz de realidad pasajera y fugaz, que crea nostalgia.

[133] Hoy en el Museo Metropolitano de New York.

[134] Hoy en el Museo Estatal de Arte de Karlsruhe.

[135] Hoy en el Museo Rijks de Amsterdam.

[136] Dada la cualidad protestante de Holanda.

[137] De riqueza, comercio... Y es que dentro de la respiración calvinista, los burgueses se movían mejor que los aristócratas, y tenían a gala ser la vanguardia del comercio artístico.  

[138] Que ofrecían la resistencia de Holanda frente a todo invasor extranjero.

[139] Hoy en el Museo de la Haya.

[140] Hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam, sobre la milicia ciudadana.

[141] Hoy en el Museo Kenwood de Londres.

[142] Y el que sigue ejerciendo mayor influencia en el arte francés actual del s. XXI.

[143] Salvo cuando fue requerido por el cardenal RICHELIEU para pintar en la corte de LUIS XIII DE FRANCIA.