CARAVAGGIO
d)
Estilo de Caravaggio
e)
Obras bíblicas de Caravaggio
f)
Obras cristianas de Caravaggio
g)
Obras marianas de Caravaggio
h)
Obras hagiográficas de Caravaggio
i)
Retratos de Caravaggio
j)
Obras cotidianas de Caravaggio
k)
Obras mitológicas de Caravaggio
a.1)
Concilio de Trento
Paradójicamente,
y como resultado de los sucesos que siguieron al Saco de Roma-1527 y Reforma
luterana[1],
se produjo un reforzamiento del poder del papado
en Italia, y los Estados pontificios aumentaron su prestigio mundial.
Junto a este panorama político, también el papado incluyó el
desarrollo de nuevos métodos de composición artística, e impulsó la
proliferación de escritos artísticos, no sólo para justificar la religión,
sino también como arma de propaganda eficaz.
En el Concilio de Trento[2]
las disposiciones
conciliares de 1563 hablaban de:
El acento artístico de Trento vino
a pivotar, pues, en la precisión y representación, aún con un cierto margen
concedido:
-a
las ideas probables que tuvieran fundamento,
Tras
la celebración del Concilio de Trento, el mundo eclesial intercontinental, con
instrucciones positivas al respecto, comenzó a resaltar el valor de:
-la
pintura, para el mundo de la imagen,
-la
escultura, para incitar a la piedad y conmover el espíritu,
-la
arquitectura, para atraer la mirada de las personas distraídas.
En arquitectura, Trento había
propuesto estructuras artísticas duraderas, pudiéndose utilizar al caso los órdenes
clásicos. Así, empezó a ser común, tras las prebendas tridentinas[3]:
-construir
las iglesias sobre promontorios,
-esculpir
figuras o adornos serios y decentes para las fachadas,
-elevar
el altar sobre unas gradas, para oficiar con dignidad,
-unir
la sacristía al transepto y no al presbiterio, para impulsar las procesiones,
-convertir
en capillas los brazos del crucero, para oficiar allí los días festivos,
-conveniente
iluminación,
-obligación
de restaurar la decoración y mobiliario anticuado
La
Iglesia Gesu de Roma[5],
adaptada a la perfección al nuevo arte impulsado por Trento, fue el mayor
ejemplo de “edificio de gran belleza ofrecido a Dios”, con:
En pintura, Trento había
desaprobado la introducción de lo pagano en el arte religioso[6],
al mismo tiempo que había sido riguroso respecto a la decencia, humor popular,
leyendas populares, figuras desnudas[7].
En
esta teoría tridentina del decorum,
la indumentaria de las figuras humanas debían obedecer a su rango y carácter,
sus gestos ser apropiados, la escena ser bien escogida, el artista tener
presente que su obra se destina a una iglesia.
En
cuanto a los detalles, Trento mandó hacer estudios[8]
sobre las características que éstos debían tener en el mundo del arte,
viniendo a convenir en:
-la
majestuosidad, impresionando en la manera de lo posible,
-el
esplendor, alabando las antiguas tradiciones eclesiásticas,
-el
carácter religioso, imponiendo el acuerdo entre sacerdotes y artistas.
En cuanto a los frescos, Trento propuso:
El
arte barroco fue un movimiento nuevo eclesial, gestado en el Concilio de Trento,
impulsado por las nuevas órdenes eclesiales[11],
y con la nueva mística que elevaba el alma a Dios[12].
Vio
la luz en Roma bajo Sixto
V y su inédita Urbanización de Roma-1585[13],
cuando el papa abrió las puertas de Roma a todos los mejores artistas, y a los
peregrinos del mundo entero.
Kilometrajes
de pintura, y la propia Escuela San Lucas
de Roma[14],
atrajeron a Caravaggio, Carracci, flamencos, franceses, bambochantes[15],
mecenas[16]
y artistas de
todo tipo.
No
obstante, el Barroco poco a poco adquiriendo mucha más importancia fuera
de Italia, hasta la evolución decorativa del rococó. Desde el
desbordamiento del barroco en Roma, con Bernini, Borromini… hasta el holandés
Rembrandt y el flamenco Rubens, todos los artistas barrocos fueron impregnando
una nueva forma de reflexionar en la historia.
Del
término portugués barroco-perla irregular,
y del español barrueco-joya,
fue definido el Barroco por el arqueólogo francés
Antoine Quatremere de Quincy como algo chocante
y llamativo que se puso en escena.
En
el s. XIX adquirió el rango
de inferior respecto al arte renacentista, bajo Jacob Burckhardt en
su Cicerone-1860[17].
Enrick
Volfield habla en su Renacimiento y
Barroco de un Barroco contrapuesto y distinto
al renacentista, del que no tenía nada que ver[18].
Henri
Focillon, en su Vida de las formas-1934
aplica barroco a las manifestaciones de exuberancia
y generosidad de proporciones, volúmenes y líneas.
El
Barroco está hoy asociado, pues, al arte:
-extravagante,
y muchas veces relacionado con lo recargado, sofisticado, grotesco;
-de
personalidades, más que de estilos, y de sus seguidores
-teatral,
con influencia de escritores literarios, que se decantó por la pintura.
Son
elementos barrocos: la naturaleza muerta, el bodegón[20],
las escenas de género[21],
las arcadias[22],
los paisajes[23].
Tuvo 3 etapas:
-Caravaggismo,
-Clasicismo,
con Carracci...
-Pleno
barroco, con Da Cortona, Rubens, Rembrandt…
Y llevó a la distinción
paisajística entre:
-escena
costumbrista, de diversión cotidiana,
-tragedia,
de drama cotidiano,
-paisaje
heroico, donde el hombre ennoblece la naturaleza.
Hijo del arquitecto y marqués de Caravaggio, en 1592 Caravaggio dio el
salto a Roma, desnudo y sin nada del dinero hereditario materno, hasta que el
papa Clemente VIII decide llamarlo a
su servicio.
En
1594 decide abrirse paso por sí mismo, forjando las amistades del coleccionista
Próspero Orsi, el callejero Onorio Longhi y el siciliano Mari Minniti, y
comienza a meterse en peleas
callejeras. No obstante, llamó la atención del cardenal Francisco Mª
del Monte, que lo saca de apuros y lo pone a trabajar en su galería privada.
Poco a poco empezó a conocerse la obra del milanés, y a causar escándalo sus
cuadros religiosos[24].
Hacia 1600, y por influencia del cardenal
Del Monte, pasó Caravaggio a pintar la Capilla Contarelli de Roma, dando paso al tenebrismo total y al más
emocional barroco, pasando a ser admirado por unos y odiado por otros. Tras lo
cual, Caravaggio vuelve a sus temáticas grotescas, de decapitaciones y
asesinatos, con un naturalismo y realismo dramático.
En 1606 mató Caravaggio a Ranuccio Tomassoni, lo que hizo que huyera de
Roma a Nápoles, y allí re-empezase de nuevo su vida pictórica. Hasta que la
ley vino en su busca[25]
y tuvo que huir a Malta, bajo la protección legal de Alof de Wignacourt,
maestre de la Orden
de Malta, que lo nombró pintor oficial de su Orden. No obstante,
también aquí armó una trifurca pública, con destrozo de una casa al
completo, y expulsión por non grato
de la Orden de Malta.
Tras verse sin nada y en la calle, recibió Caravaggio intentos de
linchamiento[26],
hasta que el papa Pablo V decide sacarlo de
la postración, que se arrepintiera profundamente de todo, y obtener un perdón
general para él. Vuelve a Roma y se pone a trabajar, hasta el final de sus días,
para la familia papal de Pablo V[27].
No mostró la belleza ideal ni los temas heroicos, renunciando a una enseñanza
pedagógica y centrándose en lo
cotidiano sin ideal alguno.
Mostró constantes contrastes
luces-sombras, eliminando así todo espacio y atmósfera. La luz
procede del exterior del cuadro, y no es una luz natural sino una vela o foco en
la oscuridad, para crear así misterio y drama.
Nunca sopesó el autorretrato, pero sí fue introduciendo elementos
personales en sus cuadros. Además, acabó permitiendo que otro
pintor lo retratara[28].
Fueron etapas
pictóricas de Caravaggio:
-formación,
de 1581 a 1592, centrada en Milán,
-juventud,
de 1592 a 1598, cuando llega a Roma
-madurez
temprana, de 1598 a 1606, cuando su personalidad ya es conocida en Roma,
-madurez
tardía, de 1606 a 1610, cuando huye de Roma y marcha al exilio.
-Sacrificio
de Isaac-1598, hoy en la Galería Johnson
de New Jersey,
-Sacrificio
de Isaac-1603, hoy en la Galería Uffizi
de Florencia,
-Judit
y Holofernes-1599, hoy en la Galería Nacional
de Arte de Roma,
-David
y Goliat-1599, hoy en el Museo del
Prado de Madrid,
-David
con cabeza de Goliat-1607, hoy en el Museo Historia
del Arte de Viena,
-David
con cabeza de Goliat-1610, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Juan
Bautista-1598, hoy en la Catedral de Toledo,
-Juan
Bautista-1604, hoy en el Museo Nelson-Atkins
de Kansas,
-Juan
Bautista-1604, hoy en la Galería Nacional
de Arte de Roma,
-Decapitación
de Juan Bautista-1608, hoy en la Iglesia San
Juan de Valletta-Malta.
f) Obras cristianas de Caravaggio
Giraron
en torno a Jesucristo, destacando las de:
-Natividad-1609,
hoy en la Iglesia San Lorenzo de
Palermo,
-Adoración
de los pastores-1609, hoy en el Museo Nacional de Mesina,
-Huida
a Egipto-1597, hoy en la Galería Doria-Pamfili
de Roma,
-Ecce
Homo-1605, hoy en el Palacio Rosso
de Génova,
-Cristo
en Getsemaní-1605, hoy destruido,
-Prendimiento
de Cristo-1602, hoy en la Galería Nacional
de Dublín,
-Coronación
de espinas-1604, hoy en la Galería Cariprato
de Prato,
-Coronación
de Espinas-1607, hoy en el Museo Historia
del Arte de Viena,
-Entierro
de Cristo-1603, hoy en el Museo Vaticano
de Roma.
g) Obras marianas de Caravaggio
Giraron en torno a la Virgen María, destacando las de:
-Virgen
de Loreto-1604, hoy en la Capilla Cavalletti
de la Iglesia San Agustín de Roma,
-Virgen
del Rosario-1607, hoy en el Museo Historia
del Arte de Viena,
-Virgen
con niño y Santa Ana-1606, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Muerte
de la Virgen-1604, hoy en Museo Louvre
de París.
h) Obras hagiográficas de Caravaggio
Giraron en torno a los santos, destacando las de:
-San
Mateo y el Angel-1602, hoy destruido,
-Vocación
de Mateo-1600, hoy en la Capilla Contarelli
de la Iglesia San Luis de Roma,
-Inspiración
de Mateo-1602, hoy en la Capilla Contarelli
de Iglesia San Luis de Roma,
-Martirio
de Mateo-1600, hoy en la Capilla Contarelli
de la Iglesia San Luis de Roma,
-Vocación
de Andrés y Pedro-1603, hoy en el Palacio Buckigham
de Londres,
-Resurrección
de Lázaro-1609, hoy en Museo Nacional
de Mesina,
-Incredulidad
de Santo Tomás-1602, hoy en la Galería Sanssouci
de Postdam,
-Discípulos
de Emaús-1601, hoy en la National Gallery de Londres,
-Crucifixión
de Pedro-1601, hoy en la Capilla Cerasi
de Iglesia Santa
María
Popolo de Roma,
-Conversión
de San Pablo-1600, hoy en la Galería Odescalchi-Balbi
de Roma,
-Magdalena
penitente-1597, hoy en la Galería Doria-Pamfili
de Roma,
-Marta
y María-1598, hoy en el Museo de
Arte de Detroit,
-Santa
Catalina de Alejandría-1598, hoy en el Museo Thyssen
de Madrid,
-San
Jerónimo en meditación-1605, hoy en la Abadía Montserrat
de Barcelona,
-San
Jerónimo escribiendo-1605, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Extasis
de San Francisco-1595, hoy en el Ateneo Wadsworth
de Hartford,
-Meditación
de San Francisco-1595, hoy en Palacio Barberini
de Roma.
i) Retratos de Caravaggio
Fueron
numerosos los que pintó, destacando los de:
-Retrato
de Cortesana-1597, hoy destruido,
-Maffeo
Barberini-1598, hoy en manos privadas,
-Retrato
de Pablo V-1605, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Retrato
de Alof de Wignacourt-1607, hoy en el Museo Louvre
de París.
j) Obras cotidianas de Caravaggio
Fueron
numerosas las que pintó[30],
destacando las de:
-Muchacho
cogiendo fruta-1592, hoy en la Galería Longhi
de Florencia,
-Muchacho
con cesto de frutas-1593, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Muchacho
mordido por lagartija-1596, hoy en la National Gallery de
Londres,
-Muchacho
con Cordero-1602, hoy en el Museo Capitolino
de Roma,
-Buenaventura-1594,
hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Jugadores
de cartas-1594, hoy en el Museo Kimbell
de Texas,
-Músicos-1595,
hoy en el Museo Metropolitano de New
York,
-Tañedor
de laud-1596, hoy en el Museo Hermitage
de San Petersburgo,
-Canasta
de frutas-1599, hoy en la Biblioteca Ambrosiana
de Milán.
k) Obras mitológicas de Caravaggio
Fueron numerosas las que pintó[31],
destacando las de:
-Baco
enfermo-1593, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Baco-1596
-Cabeza
de Medusa-1597
-Júpiter,
Neptuno y Plutón-1597, hoy en la Galería Ludovisi
de Roma,
-Narciso-1599,
hoy en la Galería Nacional de Arte de
Roma,
-Amor
victorioso-1602, hoy en la Galería de
Arte de Berlín,
-7
Obras de Misericordia-1607, hoy en el Museo Capodimonte
de Nápoles,
_____________________________________
[1]
Que había prohibido las imágenes y el arte, provocando auténticas
revoluciones iconoclastas en el norte europeo e Inglaterra, en sus 3
momentos estelares de:
-1522,
donde la 7 obras de misericordia
fue rayada ex-profeso,
-1566,
cuando empezó a restaurarse toda obra religiosa con caras difusas,
-1581,
donde las paredes protestantes pasaron a quedarse vacías y mudas.
[2]
1545-63, y uno de los grandes Concilios de la historia, donde la Iglesia se
posicionó respecto a la Reforma luterana, revisó todos los estudios humanísticos
y artísticos eclesiales, impulsó la contrarreforma cultural, y puso los
medios para el mayor de los florecimientos espirituales y misionales de la
historia.
[3]
Encabezadas por las directrices del arzobispo de Milán, CARLOS BORROMEO,
que fue publicando en numerosas obras de índole artística.
[4]
Imperado por el De Nitore et Munditia
Ecclesiarum-1584 de CARLOS BORROMEO, auténtico primer compendio de la
historia del Arte orientado a la restauración artística.
[5]
De los PP. Jesuitas, animadores y universalizadores del movimiento artístico
de Trento, haciendo que:
-el
público llano no sintiera temor al arte ni a la Iglesia,
-el
arte fuese más accesible a la población,
-se
potenciara artísticamente el halago de las emociones.
[6]
Como también denunciaron:
-GIOVANNI
GILIO DA FABRIANO, en su Diálogo de
los errores pictóricos-1564, donde condena que los pintores giraban
cabezas y piernas para hacerlas insuperables, sin pensar en la devoción;
-GABRIELE PALEOTTI, en su Discurso sobre las imágenes-1582,
donde condena la oscuridad veneciana y dejar a los objetos secundarios como
mudos.
[7]
Los cardenales BORROMEO (Milán 1538-Milán 1584) y PALEOTTI (Bolonia 1522-Bolonia 1597) añadieron el consejo particular de
evitar la indecencia no sólo en las iglesias y arte religioso, sino en las
casas privadas y arte de cualquier estilo. Consejo que adoptó en 1598 la
Academia San Lucas de Roma, al
exhortar a todos sus académicos a pintar “temas decentes y dignos de
elogio”.
[8]
Estudios que vieron la luz con las Instructiones Fabricae et Supellectilis Ecclesiasticae-1572 de CARLOS
BORROMEO.
[9]
Destacando las temáticas de:
-éxtasis
de santos, en su transverberación, martirio…
-administración
de sacramentos
-ángel
de la guarda y cielo en la tierra…
[10]
Como propuso la línea teológica impulsada por FRANCESCO GUAZZO (Milán
1525-Milán 1609), sacerdote que en su Compendium Maleficarum había destapado hasta 11 fórmulas satánicas
llevadas a cabo por brujas de la época, las participaciones sexuales de súcubos-hombres
e íncubos-mujeres y las ceremonias aquelarre que se
habían puesto de moda.
[11]
Entre las que destacaron:
-la
Compañía de Jesús de SAN IGNACIO DE LOYOLA, con su Iglesia Gesu de Roma-1568,
-el
Oratorio de SAN FELIPE NERI, con su Iglesia Santa
María Vallicella de Roma-1577,
-los
teatinos de SAN CAYETANO DE THIENE, y su Iglesia Sant Andrea della Valle de Roma-1590,
-los
borromianos de SAN CARLOS BORROMEO, y su Iglesia San Carlo al Corso de Roma-1610…
[12]
Siendo el año 1622 el cénit del Barroco eclesial, cuando la mayoría de
santos del s. XVI fueron canonizados al unísono (SANTA TERESA DE JESUS, SAN
JUAN DE LA CRUZ…).
[13]
En la que el pontífice trató de dar solución a la vieja y medieval
urbanización de la ciudad petrina, con desniveles callejeros, edificios
derrumbados, restos arqueológicos en peligro de expoliación…
Fue entonces cuando
el papa SIXTO V (1585-1590) llevó a cabo el imperial
proyecto de urbanizar al completo la ciudad de Roma, girada en torno al
primado petrino, y dándole la grandiosidad de antaño a todos los lugares
paleocristianos (trabajos soterráneos relatados por GIACOMO BOSSIO en
1638).
[14]
Donde se forjaron ZUCCARO, MUCIANO, DE NEBIA…
[15]
Pintores de anecdotillas bajas de la calle, que desembarcaron en Roma cuando
tuvo lugar el auge del papa SIXTO V, y empezaron a ganarse la vida en la calle con
pinturas de pequeño tamaño.
Fundaron
la banda de los Bent
Vueghels (lit. Pájaros)
para protestar contra los impuestos del papa, con pinturas reaccionarias y
llenas de inmoralidades en las paredes de Roma (lo que hizo que se les
expulsase de Roma, o que acabasen pagando los impuestos)
Se trató del estilo artístico surgido del holandés PIETER JACOBS
VAN LAER, conocido como Il Bamboccio (lit. figura coja), durante su estancia en Roma.
Fue un arte bambochante antisistema, de luz dirigida, no natural,
callejera, tabernera, con sensación de naturalidad. Representó el campo
paccino (de vacas dentro del foro romano).
[16]
Como el marqués LICENCIO GIUSTINIANI, el cardenal FRANCESCO DEL MONTE
(mecenas de CARAVAGGIO), el cardenal PIETRO ALDOBRANDINI (mecenas de CARRACCI),
los FARNESIO…
[17]
Donde se afirma que “empezó a aparecer como distinto e inferior al arte
renacentista, a lo salvaje, sin orden y sin filiación directa con el
renacimiento”.
[18]
Afirmando que “si el renacimiento persigue la línea, el barroco persigue
el color; si el 1º busca lo plano, el 2º la profundidad; si el 1º busca
la forma cerrada y unidad, el 2º la forma abierta y pluralidad; si el 1º
busca la claridad absoluta, el 2º la claridad relativa”.
[19]
Como los caravaggistas franceses, los caravaggistas holandeses…
[20]
Flores, comidas…
[21]
Escenas callejeras, llenas de pícaros, que fueron pintando los bambochantes
de Roma.
[22]
Relación y armonía total entre el hombre y la naturaleza.
[23]
Mares, ciudades inventadas, momentos pastoriles… Tanto a nivel de:
-paisajes
italianos, como empezó a plasmar PAUL BRILL (1554-1626),
-paisajes
franceses, como empezó a plasmar CLAUDE DE LORENA (1600-1682).
[24]
Pues no tenía la experiencia ni hondura suficiente como para reflejar la
figura de San Pedro, o el arrepentimiento de la Magdalena, o la seriedad de
San Juan Bautista (a los que pintaba como otros jóvenes callejeros más).
De hecho, el clero romano le censuró, retiró e hizo volver a repetir la
mayoría de sus temáticas religiosas.
[25]
Por la denuncia que le puso GIOVANNI BAGLIONE, también pintor del entorno
romano.
[26]
De hecho, a Roma llegó la noticia de que lo habían matado.
[27]
En el Palacio Borghese de Roma.
[28]
Como fue el caso de OTTAVIO LEONI, en su Retrato de Caravaggio.
[29]
Donde su estilo todavía conservaba las características de:
-luz
clara, sin apenas sombras,
-colorido
brillante, y gusto por el blanco,
-dibujo
claro y preciso, con contornos escrupulosos y perfectos,
-escenas
de género, con bodegones ocupando el papel central,
-composiciones
con 1 ó 2 personajes, adolescentes de medio cuerpo y aspecto sexual
ambiguo.
[30]
Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte
juvenil.
[31]
Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte
juvenil (salvo las 3 últimas).
[32]
Cuadro del que se dice que pintó CARAVAGGIO su propio rostro y
temperamento (pues no representa al Baco mitológico tradicional, sino a
otra persona muy concreta). Destaca en él:
-dibujo
pulido y preciso,
-representación
escrupulosa de la realidad,
-escorzo
en el hombro,
-inmediatez (anti-mito manierista),
-colores
brillantes y trasparentes, casi sin sombras (no como el colorito veneciano),
-parapeto-mesa
lleno de fruta y vino,
-corona
de hojas de vid secas, en la cabeza de Baco,
-un
Baco mórbido, andrógino, carnal, bien comido, algo basto.
[33]
Como escudo cuya mirada petrificaba al enemigo (de ahí que el mundo clásico
la pusiera en las fachadas). Y con las serpientes en el pelo (que remite a
las clásicas máscaras griegas de la tragedia).