ARQUITECTURA BARROCA

a) Barroco
b) Características arquitectónicas barrocas
c) Estructuras arquitectónicas barrocas

d) Bernini
e) Borromini
f) Guarini
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a) Barroco

           Ya en el s. XV, Sixto IV había impuesto la necesidad de obtener un imprimatur diocesano para aprobar y exponer toda obra artística dentro de una Iglesia. Paradójicamente, y como resultado de los sucesos que siguieron al Saco de Roma-1527 y Reforma luterana[1], se produjo un reforzamiento del poder del papado en Italia, y los estados pontificios aumentaron su prestigio mundial.

            Junto a este panorama político, también el papado incluyó el desarrollo de nuevos métodos de composición artística, e impulsó la proliferación de escritos artísticos, no sólo para justificar la religión, sino también como arma de propaganda eficaz.

            En el Concilio de Trento[2] las disposiciones conciliares de 1563 hablaban de: velar por el contenido del arte religioso, autorizar sólo las esculturas y pinturas que fuesen de calidad, prevenir contra la indecencia o profanación.

            El acento artístico de Trento vino a pivotar, pues, en la precisión y representación, aún con un cierto margen concedido:

-a las ideas probables que tuvieran fundamento,
-a la sabiduría y erudición que pudiesen aportar los artistas consagrados.

            Tras la celebración del Concilio de Trento, el mundo eclesial intercontinental, con instrucciones positivas al respecto, comenzó a resaltar el valor de:

-la pintura, para el mundo de la imagen,
-la escultura, para incitar a la piedad y conmover el espíritu,
-la arquitectura, para atraer la mirada de las personas distraídas.

a.2) Desarrollo del Barroco

            El Barroco fue un movimiento nuevo eclesial, gestado en el Concilio de Trento, impulsado por las nuevas órdenes eclesiales[3], y con la nueva mística que elevaba el alma a Dios[4].

            Vio la luz en Roma bajo Sixto V y su inédita Urbanización de Roma-1585[5], cuando el papa abrió las puertas de Roma a todos los mejores artistas, y a los peregrinos del mundo entero.

            Kilometrajes de pintura, y la propia Escuela San Lucas de Roma[6], atrajeron a Caravaggio, Carracci, flamencos, franceses, bambochantes[7], mecenas[8] y artistas de todo tipo.

            No obstante, el Barroco poco a poco adquiriendo mucha más importancia fuera de Italia, hasta la evolución decorativa del Rococó. Desde el desbordamiento del Barroco en Roma, con Bernini, Borromini… hasta el holandés Rembrandt y el flamenco Rubens, todos los artistas barrocos fueron impregnando una nueva forma de reflexionar en la historia.

a.3) Idea barroca del rey

            Las monarquías europeas utilizaron el arte barroco como un arte estatal y al servicio del estado, tanto en la erección de una arquitectura monumental[9] como en la utilización de las fiestas propagandísticas[10] y la imagen del rey Sol[11].

            Ideó el Barroco, así, la idea de un rey moral[12] y una reina bella[13], retratado[14] con sus símbolos[15], y con o sin caballo[16].

            Por otro lado, el rey debía asumir el mecenazgo de las artes, siempre y cuando estas obras no supusieran un fuerte aumento de los impuestos, u obras públicas improductivas. Su atención y dedicación al arte debía ser máxima, como supieron hacer:

-Luis XIV de Francia, tras la Tregua de los 12 años-1609[17],
-Carlos I de Inglaterra, comprando masivamente modelos italianos renacentistas,
-Felipe IV de España, creando espacios cultos en el Retiro, El Escorial y Alcázar.

            Dos fueron las finalidades de la ideología barroca real, intentando que estuviesen unidas visiblemente en torno al poder y majestad real:

-la propaganda, por medio de un estilo más clasicista,
-la moral, por medio de un estilo más manierista.

b) Características arquitectónicas barrocas

            Del término portugués barroco-perla irregular, y del español barrueco-joya, fue definido el Barroco por el arqueólogo francés Antoine Quatremere de Quincy como algo chocante y llamativo que se puso en escena.

            En el s. XIX adquirió el rango de inferior respecto al arte renacentista, bajo Jacob Burckhardt en su Cicerone-1860[18].

            Enrick Volfield habla en su Renacimiento y Barroco de un Barroco contrapuesto y distinto al renacentista, del que no tenía nada que ver[19].

            Henri Focillon, en su Vida de las formas-1934 aplica barroco a las manifestaciones de exuberancia y generosidad de proporciones, volúmenes y líneas.

            El Barroco está hoy asociado, pues, a la arquitectura:

-extravagante, y muchas veces relacionada con lo recargado, sofisticado, grotesco;
-de personalidades, más que de estilos, y de sus seguidores
[20];
-teatral, con influencia de escritores literarios, que se decantó por la poesía.

            En arquitectura, Trento había propuesto estructuras duraderas, pudiéndose utilizar al caso los órdenes clásicos. Así, empezó a ser común, tras las prebendas tridentinas[21]:

-construir las iglesias sobre promontorios,
-esculpir figuras o adornos serios y decentes para las fachadas,
-elevar el altar sobre unas gradas, para oficiar con dignidad,
-unir la sacristía al transepto y no al presbiterio, para impulsar las procesiones,
-convertir en capillas los brazos del crucero, para oficiar allí los días festivos,
-conveniente iluminación,
-obligación de restaurar la decoración y mobiliario anticuado
[22].

            La Iglesia Gesu de Roma[23], adaptada a la perfección al nuevo arte impulsado por Trento, fue el mayor ejemplo de “edificio de gran belleza ofrecida a Dios”, con:

-dimensiones de cuerpo humano perfecto (el de Cristo),
-interior más rico que el exterior (el del alma divina de Cristo),
-exterior adornado con todo tipo de órdenes clásicos (el del cuerpo humano de Cristo).

c) Estructuras arquitectónicas barrocas

c.1) Ciudad barroca

            La emergencia de los estados nacionales absolutos tuvo como consecuencia la desaparición de las libertades ciudadanas. Además, el proceso de centralización real hizo que todo el poder viniese a concentrarse en la capital, que empezó a crecer espectacularmente a expensas de la nación. Así, lo importante empezó a ser el tamaño y número de habitantes, y no ya tanto la buena administración.

            Al concentrar la capital todas las fuerzas de la nación, empezó a crear su propia moda y gustos, y éstos se fueron extendiendo al resto de ciudades de la nación. Gustos y modas que fueron controlados, en todo momento y sin descanso, por el propio rey en persona.

            Otra consecuencia de la concentración de población fue la conversión del individuo en masa, y el peligro potencial de que ésta fuera levantisca a nivel interno. De ahí la cultura psicológica dirigida por el monarca hacia el cuerpo de los ciudadanos, con la sorpresa, ostentación y maravilla como medios para adherir emocionalmente a los espectadores.

            Otro fin análogo de la ciudad barroca fue el nuevo organigrama pacifista, dirigido ahora hacia el interior[24] y no hacia enemigos venidos de fuera. Se trataba de salvaguardar el poder absoluto del rey, pero no ante los enemigos exteriores sino los de su propia nación.

            París fue el ejemplo de ciudad barroca, y una de las primeras que llevó a cabo un ambicioso proyecto de reformas públicas e institucionales[25]. Lo hizo desde una novedad absoluta:

-introduciendo la plaza regular italiana,
-construyendo casas pequeñas de ladrillo,
-abriendo soportales y tiendas en los bajos.

            Londres fue el ejemplo de no reformarse barrocamente, y eso que tuvo la oportunidad tras el incendio de 1666, al quedar la ciudad a expensas de un plan renovador, verse sin las ataduras de estructuras medievales precedentes, y presentarse todo tipo de proyectos innovadores[26].

            Viena pudo reformarse barrocamente una vez que pudo verse libre de su enemigo turco en 1683, abandonar definitivamente su muralla defensiva y diseñar grandes programas arquitectónicos. Tuvo aire religioso imperial, oficialmente expansivo hacia el oriente y triunfante en cultura aristocrática

            Las plazas fueron levantadas en torno a una iglesia[27], careciendo casi de connotaciones representativas[28] y con la única finalidad de centralizar un núcleo residencial. Solían disponer de jardín[29] y ausencia de tráfico rodado.

            Los palacios reales solían estar situados al margen de la ciudad, lo que hizo que se compensara a la ciudad con un monumento conmemorativo real, imagen de la grandeza monárquica y equilibrio ante su ausencia de entre la sociedad. Meramente artísticos[30], sin utilidad ni carácter público, estos monumentos, como los arcos del triunfo[31], planteaban el antagonismo poder-ciudad, divorcio palacio-sociedad.

c.2) Palacio barroco

            Tuvo su modelo de inspiración en los palacios italianos renacentistas[32], tanto para Felipe IV de España[33], Carlos I de Inglaterra[34], Isabel de Países Bajos[35], Enrique IV de Francia[36], Urbano VIII de Roma[37].

            Fueron otros focos de inspiración palaciega:

-Felipe II de España, que construye el Buen Retiro[38] de Madrid con los modelos de los palacios veraniegos de Nápoles,
-María de Médicis en Francia, que en 1611 construye el palacio real de París con los modelos del Palacio Pitti de Florencia,
-Carlos II de Inglaterra, que construye su nuevo palacio real de Londres con los modelos del Palacio El Escorial de Madrid.

            El palacio de Versalles supone una alternativa totalmente nueva respecto a los palacios italianos, y trató de representar el espíritu nacionalista francés. Puso como punto de partida la visión unitaria frontal[39], a la manera de un relieve. Su decorado[40] tendió a escenificar teatralmente las ceremonias y dominio del rey. Y pronto empezó a ser imitado en toda Centroeuropa[41].

            El palacio de El Escorial supone el aspecto diferenciador español. Pues la idea de majestad en España insiste en que la familiaridad engendra desprecio, y que la inaccesibilidad es el atributo real[42]. De ahí el carácter laberíntico, túneles secretos y complicados accesos del palacio madrileño, tendente a ocultar las miradas al rey y guardar las distancias.

c.3) Jardín barroco

            Tuvo sus modelos de inspiración en Italia[43] y Flandes[44], que hacían de contrapunto al palacio[45] y se destinaban al descanso y recreo de los monarcas.

            El jardín barroco[46] refleja una nueva variante respecto al jardín renacentista. Supone una perfecta relación de sus diversas partes entre sí, su vocación de servicio al palacio, y una adaptación premeditada del agua al terreno. Trata de hacer que el palacio disponga de buenas vistas y perspectivas.

            Por otro lado, el jardín barroco es un postulado geométrico perfecto, expresa una reconstrucción racional, libre y ordenada de la naturaleza, subraya la subordinación de la naturaleza a la razón. Muestra una proyección infinita, inmutable, intemporal, con avenidas abiertas sin aparente fin.

            En cuanto a su decoración, posee todo tipo de recursos teatrales, destinados a las grandes fiestas[47] en las que se trataba de impresionar con decorados son desmesurados, ostentosos, inteligentes, fantasiosos… escenario era idóneo para las obras pastoriles, mascaradas cortesanas. Tuvo, no obstante, el obstáculo de los efectos luminosos, causa de su rápido declive y de que se construyeran teatros estables en otro sitio.

d) Bernini

            Gian Lorenzo Bernini (Nápoles 1598-Roma 1680) fue arquitecto barroco italiano, y el mayor escultor de todos los tiempos.

            Hijo de escultor florentino, nació y aprendió a esculpir en Nápoles, donde su padre trabajó. Con 6 años se trasladó a Roma con su familia, mostrando su talento de niño prodigio y simpático al cardenal Barberini. Creció católicamente[48] en una Roma exuberante que renacía de sus cenizas, ayudando a su padre en las obras vaticanas para Pablo V y Clemente VIII.

            Hasta 1623 Bernini mostró una fase estilística y helenística, mostrando en su adolescencia una concentración sobrehumana, y unas primeras obras inéditas que superaban en mimetismo a todos los artistas de su época. En 1515 es llamado por el cardenal Scipione Borghese, que le pide componer sus primeras obras para su Palacio personal.

            En 1623 es nombrado director de la Academia San Lucas de Roma, y llamado en 1629 por Urbano VIII para trabajar al mando del Vaticano[49], hasta el fin de sus días. Sólo excepcionalmente trabajó fuera del Vaticano[50], empezando a introducir en todo el dramatismo, gesticulación y luminosidad.

            En cuanto a amistades, estuvo enemistado públicamente con Borromini, y hacia 1635 abre una relación íntima con Constanza Bonarelli, que le lleva a obtener una reprimenda del papa. Alejandro VII le regala un reloj de arena con las 4 alegorías de la caridad, verdad, prudencia y justicia, aludiendo a que el tiempo es caduco y lo aproveche bien.

            A su muerte, sus piezas móviles empezaron a circular por toda Europa, como fue el caso de los museos de Florencia, París, Londres, Edimburgo, Hamburgo, Madrid y hoy día Washington.

d.1) Obra arquitectónica de Bernini

            Destaca su Baldaquino de San Pedro-1624, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-realce a los restos arqueológicos petrinos[51],
-estructura monumental,
-balaustrada a la entrada de las grutas,
-el centro exacto del crucero basilical, bajo la cúpula de Miguel Angel,
-4 columnas salomónicas
[52],
-conjugación entre ciborio
[53], imagen del palio y simbolismo ceremonial.

            Destaca su San Andrés, Longinos y Verónica-1628, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-espacio involucrador, dentro de los 4 pilares de la cúpula,
-complemento a la Veracruz de Santa Elena
[54],
-dramatismo sin precedentes,
-paños significativos,
-sus símbolos de cabeza
[55], lanza[56], velo[57].

            Destaca su Tumba de Urbano VIII-1627, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-mármol y bronce dorado,
-alegoría de la caridad y justicia,
-1 esqueleto, con libro de difuntos y epigrafías,
-el símbolo de las abejas de Urbano VIII,
-continuidad con la Tumba de Pablo III-1549.

            Destaca su Columnata de San Pedro-1629[58], hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-continuación sobre los trabajos de Maderno[59],
-drama impactante, grandiosidad máxima, carácter ceremonial,
-brazos abiertos semicirculares
[60], para recibir a miles de peregrinos,
-visibilidad hacia la fachada principal
[61],
-aire libre para celebraciones masivas
[62],
-espacios cubiertos para el agua
[63],
-4 filas de columnas dóricas monumentales
[64].

            Destaca su Scala Regia-1663, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-escalera ceremonial,
-kilometrajes de mármoles y columnas,
-conexiones entre aposentos papales-basílica,
-estrechamiento del espacio
[65],
-intermitentes aperturas de luz
[66],

d.2) Obras escultóricas de Bernini

            Destacan sus obras de:

-Eneas, Anquises y Ascanio-1618[67], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Retrato de Pedro de Foix-1621
[68], hoy en la Iglesia Santa Mª di Montserrato de Roma,
-Plutón y Proserpina-1621[69], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Apolo y Dafne-1622
[70], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-David-1623
[71], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Santa Bibiana-1624
[72], hoy en la Iglesia Santa Bibiana de Roma,
-Busto de Scipione Borghese-1632
[73], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Busto de Constanza Bonarelli-1635
[74], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Verdad-1645
[75], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Transverberación de Santa Teresa-1647[76], hoy en la Iglesia Santa María de Victoria de Roma,
-Fuente de los 4 ríos-1648[77], hoy en la Plaza Navona de Roma,
-Cátedra de San Pedro-1666[78],  hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano.

e) Borromini

Francesco Castelli (Lugano 1599-Roma 1667), Borromini fue arquitecto italiano, y el más destacado arquitecto del Barroco.

Nació en los Alpes italianos y creció en Milán, donde estudió arte y colaboró en las obras catedralicias de la ciudad.

Con 20 años decide comenzar la aventura de Roma, cambiando su apellido natal por el de Borromini, y siendo contratado como cantero avanzado por Bernini[79]. Tras romper con Bernini, trabaja por influjo del cardenal Barberini en la universitaria Iglesia Sant Ivo alla Sapienza de Roma, la Iglesia San Carlos de las 4 fuentes de Roma, y la Basílica San Juan de Letrán de Roma.

Con gran aprecio por la obra de Miguel Angel, Borromini introdujo en la arquitectura los elementos barrocos de:

-dimensiones gigantes,
-plantas centralizadas, de todo tipo de formas,
-dinamismo de paredes y espacios,
-uso de la luz,
-materiales simples y económicos,
-geometría modular, y no ya aritmética.

e.1) Obras de Borromini

            Destaca su Palacio Spada de Roma-1625, donde se muestra:

-perspectiva arquitectónica[80],
-técnica del trampantojo
[81], para el patio palaciego.

            Destaca su Iglesia San Carlos de las 4 fuentes de Roma-1634[82], donde se muestra:

-sensación irracional,
-impresionante e inédita planta multiforme
[83],
-2 brazos a partir del óvalo, y no de la cruz,
-fachada ondulada
[84],
-alzado en 3 niveles
[85],
-juegos entre lo cóncavo y convexo,
-cúpula llena de luz y casetones,
-estucos ficticios, para las columnas y frisos,
-el triángulo, como medida para todos los módulos
[86].

            Destaca su Oratorio San Felipe Neri de Roma-1637, donde se muestra:

-ladrillo y técnica del ladrillo[87],
-fachada monumental,
-monasterio, iglesia y claustro interior.

            Destaca su Iglesia Sant Ivo alla Sapienza de Roma-1642[88], donde se muestra:

-linterna helicoidal[89],
-epígrafes salomónicos
[90],
-inspiración paleocristiana del norte italiano,
-el triángulo milanés, como medida estándar,
-cúpula sin tambor,
-efectos de luz
[91],
-juegos entre lo cóncavo y convexo, curvas y contracurvas
[92].

f) Guarini

            Guarino Guarini (Módena 1624-Milán 1683) fue matemático, sacerdote y escritor italiano, dedicado también a la arquitectura desde los 17 años[93].

            Escribió Euclides Adauctus-1640, primer tratado matemático sobre geometría descriptiva de la historia, y se dedicó en su tiempo libre a las construcciones del Palacio de Saboya, Iglesia San Lorenzo de Turín-1666, Palacio Carignano de Turín-1679, Capilla Sábana Santa de Turín-1688, así como otras edificaciones en Módena, Mesina, Verona, Viena, Praga, Lisboa y París.

            Fue introduciendo, paulatinamente en todas sus obras, el último arte barroco e inicio del rococó.

 

Manuel Arnaldos   
Mercabá, diócesis de Cartagena-Murcia    

más información
Diccionario Mercabá de Arte

Indice general de Enciclopedia Mercabá de Historia   

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[1] Que había prohibido las imágenes y el arte, provocando auténticas revoluciones iconoclastas en el norte europeo e Inglaterra, en sus 3 momentos estelares de:

-1522, donde la 7 obras de misericordia fue rayada ex-profeso,
-1566, cuando empezó a restaurarse toda obra religiosa con caras difusas,
-1581, donde las paredes protestantes pasaron a quedarse vacías y mudas.

[2] 1545-63, y uno de los grandes Concilios de la historia, donde la Iglesia se posicionó respecto a la Reforma luterana, revisó todos los estudios humanísticos y artísticos eclesiales, impulsó la contrarreforma cultural, y puso los medios para el mayor de los florecimientos espirituales y misionales de la historia.

[3] Entre las que destacaron:

-la Compañía de Jesús de SAN IGNACIO DE LOYOLA, con su Iglesia Gesu de Roma-1568,
-el Oratorio de SAN FELIPE NERI, con su Iglesia Santa María Vallicella de Roma-1577,
-los teatinos de SAN CAYETANO DE THIENE, y su Iglesia Sant Andrea della Valle de Roma-1590,
-los borromianos de SAN CARLOS BORROMEO, y su Iglesia San Carlo al Corso de Roma-1610…

[4] Siendo el año 1622 el cénit del Barroco eclesial, cuando la mayoría de santos del s. XVI fueron canonizados al unísono (SANTA TERESA DE JESUS, SAN JUAN DE LA CRUZ…).

[5] En la que el pontífice trató de dar solución a la vieja y medieval urbanización de la ciudad petrina, con desniveles callejeros, edificios derrumbados, restos arqueológicos en peligro de expoliación…

            Fue entonces cuando el papa SIXTO V (1585-1590) llevó a cabo el imperial proyecto de urbanizar al completo la ciudad de Roma, girada en torno al primado petrino, y dándole la grandiosidad de antaño a todos los lugares paleocristianos (trabajos soterráneos relatados por GIACOMO BOSSIO en 1638).

[6] Donde se forjaron ZUCCARO, MUCIANO, DE NEBIA…

[7] Pintores de anecdotillas bajas de la calle, que desembarcaron en Roma cuando tuvo lugar el auge del papa SIXTO V, y empezaron a ganarse la vida en la calle con pinturas de pequeño tamaño.

            Fundaron la banda de los Bent Vueghels (lit. Pájaros) para protestar contra los impuestos del papa, con pinturas reaccionarias y llenas de inmoralidades en las paredes de Roma (lo que hizo que se les expulsase de Roma, o que acabasen pagando los impuestos).

            Se trató del estilo artístico surgido del holandés PIETER JACOBS VAN LAER, conocido como Il Bamboccio (lit. figura coja), durante su estancia en Roma.

            Fue un arte bambochante anti-sistema, de luz dirigida, no natural, callejera, tabernera, con sensación de naturalidad. Representó el campo paccino (de vacas dentro del foro romano).

[8] Como el marqués LICENCIO GIUSTINIANI, el cardenal FRANCESCO DEL MONTE (mecenas de CARAVAGGIO), el cardenal PIETRO ALDOBRANDINI (mecenas de CARRACCI), los FARNESIO…

[9] Que debía manifestar la grandeza de la capital, como nueva Roma que cobija al rey, como nueva Roma deseada y planificada por el rey.

[10] Encargadas adornar a artistas cotizados, dada la importancia que suponía en la vida cortesana. De ahí que acabasen estas fiestas en auténticos teatros de realidad, ficción, escenografías…

[11] En torno al cual giran sus astros menores Venus, Diana, Mercurio, Marte y Apolo.

             No obstante, se trata de una iconografía que no pasa del campo metafórico, sin dar el paso a la divinización real. Eso sí, al igual que el Sol, los efectos del rey son beneficiosos, su presencia es inmediata, y su muerte significa el ocaso y oscuridad.

[12] Diferenciado del resto de los mortales, como figura superior al resto de sus súbditos.

[13] Cuya hermosura del cuerpo es un requisito previo para que creciera en ella la virtud, y para que pudiera mover las voluntades y fidelidades a su persona.

[14] Mediante la técnica del parecido, en fidelidad escrupulosa al modelo, pero con las posibilidades de:

-dotar al rey de actitudes elegantes,
-resaltar los atributos del rey.

[15] Como eran:

-la mesa, de la justicia,
-el trono, del gobierno,
-el espejo, de la prudencia,
-la corona sobre la mesa,
-el cortinaje y la columna.

[16] Aunque el comercio de retratos ecuestres quedó restringido al ámbito de la nobleza

[17] Pues Francia había quedado empobrecida económica y cultural como consecuencia de guerras in-interrumpidas durante 40 años. Y esto había que levantarlo.

[18] Donde se afirma que “empezó a aparecer como distinto e inferior al arte renacentista, a lo salvaje, sin orden y sin filiación directa con el renacimiento”.

[19] Afirmando que “si el renacimiento persigue la línea, el barroco persigue el color; si el 1º busca lo plano, el 2º la profundidad; si el 1º busca la forma cerrada y unidad, el 2º la forma abierta y pluralidad; si el 1º busca la claridad absoluta, el 2º la claridad relativa”.

[20] Como los caravaggistas franceses, los caravaggistas holandeses…

[21] Encabezadas por las directrices del arzobispo de Milán, CARLOS BORROMEO, que fue publicando en numerosas obras de índole artística.

[22] Imperado por el De Nitore et Munditia Ecclesiarum-1584 de CARLOS BORROMEO, auténtico primer compendio de la historia del Arte orientado a la restauración artística.

[23] De los PP. Jesuitas, animadores y universalizadores del movimiento artístico de Trento, haciendo que:

-el público llano no sintiera temor al arte ni a la Iglesia,
-el arte fuese más accesible a la población,
-se potenciara artísticamente el halago de las emociones.

[24] Mediante grandes avenidas que posibilitaran la disolución de motines, lugares de guarnición en puntos estratégicos de la ciudad, y hasta las plazas fuertes que rodeaban a todo palacio real en el interior de la ciudad.

             Fue el momento en que los Tratados de fortificación dejaron ya de planificar murallas defensivas hacia el exterior, para ceñirse a la experiencia de contiendas internas ciudadanas. Se abandonaron los modelos cuatrocentistas, e incluso se destrozaron casi todos los núcleos medievales de las principales capitales europeas. Además, las murallas impedían muchas veces el crecimiento gigantesco de la ciudad, y la llegada masiva de ciudadanos a la capital.

[25] Ya ENRIQUE IV DE FRANCIA había ejecutado una reforma del aparato burocrático parisino, como medio para reconvertir las grandes fortunas privadas y salir así de la crisis económica que se estaba viviendo. Esto potenció la aparición de nuevos barrios y un fuerte movimiento especulativo, pero desahogó a una población que pasó a duplicarse en pocos años.

[26] Como los presentados por:

-HOOK, y sus planos en forma de damero,
-EVELYN, y sus planos de planta jardín y alrededores transversales,
-WREN, y sus planos de grandes avenidas radiales, entre plaza y plaza radiocéntrica,
-MANSART, y sus planos de grandes avenidas desde un arco triunfal.

[27] Salvo en Inglaterra, donde se constituyeron las plazas en torno a los centros de poder económicos.

[28] Salvo en Francia, donde una estatua del rey debía presidir la plaza. Lo que hizo que en todas las ciudades francesas surgiese un gran espíritu nacional.

[29] Salvo en España, donde la Plaza Mayor se desarrolló con total independencia al resto de Europa, a especie de combinar la plaza regular italiana con la plaza cívica flamenca. Y es que la Plaza española acabó convirtiéndose en un centro de mercado, reuniones y convivencia cívica.

[30] Con unas características esencialmente del clásico barroco:

-perspectiva monumental,
-línea recta,
-uniformidad de proyecto y realización.

[31] Que servían para las entradas oficiales del rey en cada una de sus visitas a las ciudades y villas de su nación.

            No obstante, también tuvieron el componente psicológico de:

-hacer patentes los privilegios y concesiones del rey a la ciudad,
-hacer ver al nuevo rey llegado la franquicia ciudadana que debía respetar,
-inculcar a los súbditos ciudadanos una serie de modelos morales, por medio de la mitología y recuerdos de la historia.

[32] De gran clasicismo en los:

-elementos decorativos y recursos escenográficos,
-continuidad interior-exterior,
-núcleos arquitectónicos secundarios, a forma de alas adosadas,
-extensiones limitadas, en torno a límites formados por círculos.

            Y es que fue en Italia donde surgieron las tendencias renovadoras, y porque los más destacados artistas del mundo eran italianos.

[33] Que envió a VELAZQUEZ a Italia para comprar masivamente obras de arte.

[34] Que compró masivamente obras de arte veneciano, aparte de intentar atraer a Londres a los artistas italianos.

[35] Que envió a sus arquitectos a Italia para perfeccionar su arte.

[36] Que intentó reformar París sin recurrir a los modelos italianos, pero que acabó viendo todo el influjo italiano metido en su fundacional Escuela de Fointenebleau.

[37] Que llevó directamente al Vaticano a los mejores artistas italianos: BERNINI, BORROMINI, CORTONA, POUSSIN, GUERZINO…

[38] Jardín con total independencia respecto al palacio real, y en el que se incluían elementos sorpresivos y autónomos.

[39] Frente a la perspectiva italiana de BERNINI, que carecía de punto de vista único.

[40] En esculturas, arquitecturas, jardines, apartamentos del rey, patio de honor…

[41] Como en los palacios reales de Munich, Postdam, Würzburg, Viena.

[42] Al contrario que en Francia, donde LUIS XIV DE FRANCIA se vanagloriaba del acceso fácil y libre de los súbditos a la Corona.

[43] En torno a sus terrazas, fuentes, casinos y grutas.

[44] En torno a sus parterres.

[45] Salvo en el caso del Palacio de Versalles, donde se convierte la primitiva residencia de recreo en la sede del aparato de gobierno francés.

[46] Francés por excelencia.

[47] Pues el jardín barroco no tuvo la finalidad de recreo, paseo, galantería o descanso renacentista, ni tampoco la de lugar de reuniones académicas. Tuvo la finalidad de grandes fiestas propagandísticas de la monarquía, aparte de aportar una visión ostentosa de la realeza.

[48] Con gran relación con los sacerdotes jesuitas, y con una religiosidad girada en torno a la Imitación de Cristo de TOMAS DE KEMPIS.

[49] A la muerte del anterior director de obras vaticanas, CARLO MADERNO.

           Trabajos vaticanos que dirigirá durante 50 años, de la mano de 5 papas distintos (con la excepción por poco tiempo del papa INOCENCIO X, que a la muerte del papa URBANO VIII despidió a toda la Corte predecesora, incluido BERNINI).

[50] Como fue el caso de la Corte francesa de LUIS XIV DE FRANCIA, donde el ministro COLBERT se empeñó y convenció al papa para que dejase recalar por breve tiempo al genio mundial en la capital parisina (trabajando en el Museo Louvre de París y Palacio Versalles de París).

[51] Que habían sido descubiertos en las excavaciones vaticanas (sobre una necrópolis subterránea del Vaticano, encima de la cual y, exactamente, se conservaba la Catacumba del Apóstol San Pedro).

            Se trataba de una Catacumba de Pedro llena de altarcitos con todos los mártires que habían ido muriendo en el Imperio romano, y que el emperador CONSTANTINO decidió enterrar allí (justo en el sitio donde luego levantó, en planta superior, la 1ª Basílica Vaticana-326, o Basílica Constantiniana, de 30 años de construcción).

            Se trataba de unas grutas vaticanas amplias, con espacio suficiente para que se empezaran a enterrar allí a todos los papas (265 hoy día) de la historia.

[52] En bronce dorado, sobre 4 bases y dando a una cornisa. Se inspiraban en unas columnas traídas de Jerusalén por el emperador CONSTANTINO, y que habían sido puestas en la Vieja Basílica de San Pedro del Vaticano. Encima de cada columna hay un ángel de casi 4 m. altura.

[53] Estructura cuadrada fija que antes se ponía encima del altar, a forma de templete.

[54] Ciclo de la Veracruz que decoraba los 4 pilares de la cúpula de MIGUEL ANGEL.

[55] De San Andrés, encargada por BERNINI a FRANCESCO DUQUESNOY.

[56] De Longinos, realizada por el propio BERNINI.

[57] De la Verónica, encargada por BERNINI a FRANCESCO MOCHI.

[58] Sobre la vieja Plaza Reta del Vaticano, que se había quedado pequeña y cuadrada respecto a la nueva y longitudinal fachada principal del Vaticano.

[59] CARLO MADERNO (Capolago 1556-Roma 1629), que ganó en el Concurso-1605 abierto por el papa PABLO V para la Nueva Basílica San Pedro del Vaticano, mediante un proyecto consistente en transformar:

-el proyecto de MIGUEL ANGEL de planta de cruz griega, centralizada,
-en el proyecto de MADERNO de planta de cruz latina, longitudinal.

            La solución de MADERNO consistía en un compromiso que:

-no alterara la cúpula de Miguel Angel (dominante en la Basílica, y organizadora del espacio),
-permitía el levantamiento de una fachada monumental (en la medida de lo posible longitudinal).

            Fachada del Vaticano que fue el molde ampliado que CARLO MADERNO ya había ensayado en su Iglesia Santa Susana de Roma-1603 (de columnas en el 1º piso, pilares en el 2º piso, vanos y volutas en total dinamismo, que provocó un shock en su inauguración).

[60] “Para abrazar a los católicos, reunir a los herejes e iluminar a los agnósticos”, decía el mismo BERNINI.

[61] Viniendo a la Basílica desde el Río Tíber, a los que BERNINI unió mediante la Vía de la Conciliación.

[62] Teniendo que renunciar a una entrada más pequeña que hubiera dado el efecto sorpresa de encontrarse con la plaza y fachada vaticana de sopetón.

[63] Con techumbres entre las 4 filas de columnas.

[64] Sobre las que se sitúan las esculturas monumentales de santos.

[65] Adosando columnas y bajando el techo.

[66] Como la de 90º que da a la estatua del emperador CONSTANTINO.

[67]  Donde dejó boquiabiertos a todos por sus diversos puntos de vista.

[68]  Con introspección psicológica del personaje, haciéndolo cercano e íntimo. Se trata de un monumento funerario que esculpe la cara del difunto, a forma de escultura que sale del nicho.

[69] Que arrastra hacia el hades inferior a los personajes, e inventa una nueva técnica del mármol moldeable (1ª vez en la historia donde se hace dúctil al mármol). De naturalismo insuperable en la historia del arte, superando casi a la pintura en el efecto de maleabilidad, ritmo y movimiento. De efecto convulso y violento.

[70]  Sobre la Metamorfosis de OVIDIO. Muestra a Dafne convertida en laurel, con su carne convertida en tronco, ramas y hojas (de forma progresiva, a los ojos del espectador). Inventa la visión dual escultor-espectador, para que el espectador participe en la escena, y en ella involucre su corazón. De realismo alucinante, se trata de un desafío escultórico realizado a la pintura y poesía, a nivel de competir en máximos grados de convincencia.

[71]  Que rompe con el estaticismo renacentista de BERROCCHIO y DONATELLO. Muestra concentración, jovialidad, y el empuje del lanzamiento.

[72]  Que afirma la fe pura, la emoción sublime. Supuso la consagración a todos los trabajos arqueológicos que se estaban descubriendo sobre la santa.

[73]  Que consigue hacer natural su sonrisa en los labios, dar inmediatez mediante el botón de la sotana descosido… y romper el idealismo clasicista clerical.

[74]  Que consigue hacer carne a la piedra, dar inmediatez mediante el botón de la blusa desabrochado… y representar el rostro de su secreta amante romana.

[75] Alegoría desnuda y sin tapujos.

[76]  Que muestra la flecha en su corazón, y la gran devoción de la familia CORNARO hacia la santa. Complejo arquitectónico, escultórico y pictórico que también añade:

-retablos de piedra,
-columnas salientes,
-balcones con casetones y esculturas asomándose por el balcón,
-combinación de color en los mármoles,
-función expresiva de los paños,

-éxtasis de la santa,
-ángel sonriente.

[77]  Ultimo encargo fuera del Vaticano, sobre un obelisco egipcio que BERNINI deja como flotando en el aire. Con tamaños de 3 veces el natural.

[78] Detrás del Baldaquino, con un único foco de luz en la paloma del Espíritu Santo (que da sobre la cátedra del sucesor de San Pedro). Incluye la figura de los Padres de la Iglesia.

[79] De ahí su futura enemistad hacia BERNINI, gran capataz y máximo jefe artístico de la ciudad de Roma.

[80] La 1ª vez que se produce en la historia del Arte.

[81] Perspectiva ficticia.

[82] De los Padres Trinitarios descalzos, establecidos en Roma en 1611, y que empezaron a levantar en Roma la Iglesia más representativa de su Orden. Se trataba de aprovechar un espacio reducido, que daba a la esquina de una calle.

[83] Integrada por: 1 cruz + 1 octógono + 1 óvalo, en una unidad indivisible.

[84] Con 3 vanos, columnas, paredes y columnitas.

[85] Destacando:

-en el 1º nivel, 16 columnas monumentales, que dividen irregularmente el espacio,
-en el 2º nivel, entablamento de curvas-contracurvas, y pechinas con medallones,
-en el 3º nivel, cúpula a la manera lombarda (sin tambor, inmaterial, y como suspendida en el aire).

[86] Al igual que poseía la Catedral de Milán, en la que él trabajó.

[87] No con la típica piedra travertina (amarillenta, caliza y porosa, típica en la zona de Roma).

[88] Sede de la universidad romana, cuyo patio había levantado JACOPPO DELLA PORTA, y cuyo Patrón de Derecho (Sant Ivo) presidía el centro estudiantil.

[89] Símbolo de la sabiduría salomónica.

[90] Como los de “el temor de Dios, inicio de la Sabiduría”.

[91] Provocados por unas planchas de acero que recibían la luz que bajaba de las ventanas de la bóveda (a imitación de BERNINI).

[92] Que daban movimiento a las paredes, hornacinas, balaustradas...

[93] Años con los que empezó a trabajar para el duque FILIBERTO DE SABOYA.