Espiritualidad en el Arte de Kandinsky

Pintor vanguardista ruso, Wassily Kandinsky (Moscú 1866-París 1944) fue el padre del Arte abstracto, así como el mayor artista de la época contemporánea. Perteneciente a una familia conservadora, estudió música[1], derecho y economía política[2] en Moscú. Tras lo cual decide consagrarse al mundo del Arte, yendo a estudiar Bellas Artes a Munich[3].

En Munich contempla y se deja embuir por la corriente del expresionismo alemán. Allí funda su propia escuela artística, dando clases y conformando su adyacente grupo Phalanx, dedicado a la mezcla de tradición rusa, medievalismo alemán y nuevos colores fauvistas[4] de Matisse.

Iniciado el s. XX viaja por toda Europa[5], y expone en el Salón de Otoño de París-1904 y Galería Armory Show de New York-1913. Empieza a pintar su serie Jinetes-1909[6], y durante la I Guerra Mundial se refugia en su Rusia natal[7].

En 1921 se establece en el condado alemán de Weimar, donde da clase en la Escuela Bauhaus[8]. Hasta que sale un día a pintar al campo, y cuando vuelve se encuentra de lado su último cuadro de caballete… para inicio del mundo artístico de la abstracción[9]. Publica su De lo espiritual en el arte-1925 y Punto y línea sobre el plano-1926, donde explica todo su proceso de abstracción artística.

Desde 1933 se establece en París, hasta que muere en 1944, en pleno desarrollo de la II Guerra Mundial.

Kandinsky trató de pintar siempre las imágenes de su alma, y dotar a todas sus pinturas del complejo mundo espiritual[10], tanto por necesidad interior[11] como por dotar al cuadro de una transmisión personal completa.

Imprime el color por el color[12], surgido de las profundidades del alma humana, y a forma de teclas musicales que se relacionan y son dirigidas por un pianista[13]. Distigue los colores fríos-cálidos, ásperos-suaves, delicados-fieros, otorgando a cada uno un calificativo. Así: el negro expresa muerte, el blanco expresa silencio, el gris expresa inmovilidad, el rojo expresa triunfo, el azul expresa espiritualidad, el verde expresa calma, el amarillo expresa pasión.

Sus formas geométricas[14] poseen propio carácter y propia atmósfera, y se relacionan con los colores[15]. Así: el círculo expresa globalidad, y se asocia con el azul, el triángulo expresa regularidad, y se asocia con el amarillo, el cuadrado expresa perfección, y se asocia con el rojo.

En cuanto a su abstracción, Kandinsky no pinta cuadros, sino que los disecciona. Camino hacia la abstracción en el que el artista ruso pudo haber recibido influencias de:

-la espiritualidad, que Kandinsky utiliza para armonizar pictóricamente mundo exterior-alma humana,

-el color, al que Kandinsky dota de un lenguaje con propias pautas y propiedades emocionales[18].

-Primera acuarela abstracta-1913, hoy en el Museo Pompidou de París. Se trata de la 1ª acuarela abstracta de la historia del arte, en la que las líneas y formas se conectan armónicamente, aunque no se pueden identificar. Consiste en pintar colores, dar forma a los colores, y “ejercer así una influencia directa sobre el alma de los espectadores”.

-Pintura con tres manchas-1914, hoy en el Museo Thyssen de Madrid. Se trata de la 1ª pintura que interpreta cada mancha de color[19] como un toque de atención del alma humana. Consiste en dotar a la obra de movimiento, vacíos, reposos, empuje hacia un lado... introduciendo así al espectador en el drama espiritual.

Toda obra de arte es hija de su tiempo[20], así como cada periodo cultural produce un arte propio que no puede repetirse[21]. Eso sí, puede existir una semejanza moral-espiritual actual respecto a todo un periodo anterior, en los aspectos más esenciales.

Así, un arte que sólo es hijo de su tiempo es un arte sin futuro, que nunca crece, tiene poca duración y acaba muriendo el mismo momento en que desaparece la atmósfera que lo creó. Se trata de un arte castrado, sin objetivos altos y en el que:

-el espectador busca en la obra de arte una imitación de la naturaleza, fines prácticos, estados de ánimo retratados, una factura admirable, lienzos bonitos y grandiosos;

-el artista busca en la obra de arte recompensar su trabajo, competir con otras producciones, ambición y codicia, partidismos y camarillas de escuela, intrigas respecto a otros artistas.

Por el contrario, un arte con futuro es el que radica en la evolución espiritual. Es verdad que hoy en día no pasa de mero punto aislado dentro del enorme círculo negro del mundo materialista, y que se trata de un punto pequeño. Pero posee dentro de sí el germen de futuro, una fuerza profética vivificadora, y la capacidad de evitar que el arte se superficialice y envilezca. Pues sus obras de arte surgen del alma humana, encierran misterios, sufrimientos y dudas, transmiten entusiasmo y luz, y tratan de armonizar todo eso sobre el lienzo.

-el arte espiritual nunca perderá su mismo sentido interior, y seguirá conduciéndose hacia adelante.

-el genio del arte despreciará lo físico y acabará sirviendo sólo al espíritu[22].

Se parece al simil del triángulo, dividido en secciones desiguales y de las cuales la más pequeña y aguda es la que mira hacia arriba. Se trata de un triángulo que se mueve despacio, hacia adelante y hacia arriba. Todas sus secciones están llenas de artistas[23], pero en su vértice superior se halla un solo artista[24], que lo contempla todo y que sufre por todo lo que ve[25].

-positivistas, que sólo aceptan aquellas teorías que han sido demostradas materialmente,

-socialistas, que proponen recetas sin saber nada del esfuerzo que supone empujar el carro[27].

Y las artes espirituales que especialmente han reflejado la espiritualidad han sido[30]:

-la poesía, buscando entre las tinieblas de las palabras una visión desmaterializada[31],

-la música, entresacando entre su repertorio de notas materiales un valor interior[32],

Nace del alma del artista, por vía mística y con todas sus fuerzas activas, respiración y creatividad. De ahí que sólo será completa y exacta si la donación del alma del artista ha sido total[34]. Se trata de un artista que ha de intentar transformar la situación social, tener algo que decir, restituir el talento de su entorno, forjar una atmósfera espiritual alrededor, no cesar en su crucificado trabajo artístico. Debe convertirse, pues, en el sacerdote de la belleza[35], y para ello carecer de trabas a la hora de escoger libremente:

Debe partir de los movimientos sencillos, tesoro de infinitas posibilidades, no motivados exteriormente[36] y cuyos efectos son duraderos[37]. Pero para ello debe emanciparse de la naturaleza y superar la actual y constante búsqueda de teorías, aunque sea a ciegas y a tientas. Pues eso le dará absoluta libertad, y a la larga sus feos movimientos irradiarán una fuerza inusitada y vital[38].

Debe anclarse en el principio de la necesidad interior, procedente no del cielo sino de la propia contingencia particular[39], manifestada en:

Debe utilizar para ello los colores de la paleta, no como existen en la naturaleza sino como sean necesarios para cada tono del cuadro. Con ellos se ha de intentar:

-satisfacer los manjares y efectos físicos, de forma novata[40] y pasajera[41],

Debe tender hacia la ornamentación geométrica, alejada de las formas clásicas, tendente a liberalizar la combinación de formas, y con la función de hacer al espectador:

[1] Donde conoció en profundidad la obra Lohengrin-1850 de WAGNER, que posteriormente le ayudará a “entender todos mis colores, y darme cuenta de que la pintura tiene la misma fuerza que la música”.

[2] Donde hizo su tesis acerca del derecho campesino al mundo del trabajo actual, tras visitar toda la zona norte de Rusia

[3] Donde le hacen aprender de memoria el Impresionismo, corriente artística que KANDINSKY rechaza por su excesivo puntillismo.

[4] Vivos y efervescentes.

[5] A lo largo de la cual pudo contemplar:

-la obra de REMBRANDT, cuyos retratos del Museo Hermitage de San Petersburgo le fascinaron, así como su visión de la realidad,

-la obra de MONET, cuyos almiares campestres del Museo Monet de París llegó a comprender en su forma, pero no en su significado,

-la obra de VAN GOGH, cuyos nocturnos pasaron a ser un referente total en su obra,

-la obra de PICASSO, cuya fragmentación pasaron a ser un referente total en su obra.

[6] En la que ya empieza a apreciarse la pérdida gradual de referencias espaciales y líneas de horizonte.

[7] Donde tiene que experimentar la Revolución bolchevique-1917, y trabajar incipientemente para ella:

-como Comisariado del Pueblo para Educación, y fundador del Instituto para la Cultura Artística,

-en enfrentamiento permanente con el idealista MALEVICH y los constructivistas TATLIN y RODCHENKO,

-en oposición radical a la utilización del arte por parte del Plan de Propaganda monumental-1918 (que fue lo que le decidió a abandonar definitivamente su patria).

[8] Hasta que en 1933 el III Reich alemán clausure la institución, y tenga que disolverse.

[9] Pues al verlo de lado “percibí una belleza indescriptible e incandescente. Pues el cuadro carecía de tema, y sólo cuando me acerqué reconocí lo que era: mi propio cuadro puesto de lado sobre el caballete… Supe entonces y con certeza que el tema era perjudicial para mis cuadros”.

[10] Consistente éste en una suma de formas de existencia, independientemente a lo que acontece en la realidad.

[11] Pues “el mundo de las emociones materiales no pasa de la vulgaridad, y una obra vulgar no tiene sentido en el arte”, repetirá una y otra vez KANDINSKY.

[12] De hecho, en sus últimas obras se centra exclusivamente KANDINSKY en los estudios sobre la combinación y teoría de los colores.

[13] Donde “el color es la tecla, el ojo es el macillo y el piano es el alma humana. Pues la pintura abstracta debe poseeer perfecto ritmo y armonía”.

[14] Fruto de la continua búsqueda que mantiene KANDINSKY sobre la composición, a lo largo de toda su vida.

[15] Consistiendo en que determinados colores son realzados por determinadas formas, y determinados colores son mitigados por determinadas formas. Además:

-las combinaciones y efectos entre colores-formas es infinito,

-la disonancias entre colores-formas no son necesariamente disarmónicas.

[16] En la que el holandés PIET MONDRIAN (1872-1944) defiende que una verdad fundamental subyace detrás de todas las doctrinas y rituales religiosos del mundo: una realidad esencial, oculta tras las apariencias, pero totalmente racional a la hora de ser plasmada a nivel simbólico-artístico.

[17] En el que el alemán WILHELM WORRINGER (1881-1965) defiende que la jerarquía de valores renacentistas ya no es válida, al considerar necesario asumir el arte de otras culturas. Y donde viene también a hablar de:

-el impulso abstracto de muchos artistas actuales,

-las últimas tendencias del arte, que se están dando en sociedades menos materialistas.

[18] A diferencia de las antiguas teorías sobre el color, que se detenían más en su espectro que en su relación psicológica en el alma humana.

[19] Todas ellas irregulares, y con consistencias diferentes.

[20] De ahí que todo retroceso a lo primitivo no tenga futuro.

[21] Por ejemplo, no podemos sentir y vivir como los antiguos griegos. Y todo intento por crear formas parecidas a las griegas no pasarán de ser obras de arte inertes.

[22] Como hombre semejante a nosotros que, con toda la fuerza artística dentro de sí:

-cargará con todos los odios y burlas,

-arrastrará hacia adelante el pesado carro del arte humano.

[23] Abundando mucho más en la zona baja del triángulo, donde el nivel artístico es mucho menor.

[24] Como fue el caso de LUDWIG VON BEETHOVEN, en el mundo de la música.

[25] A pesar de que es el único que mantiene la altura artística de su periodo, y el único en evitar que éste pase desapercibido en el futuro por su decadencia.

[26] Que pueden llevar a un artista espiritual a utilizar el arte en beneficio propio.

[27] Pues siempre lo contemplaron a distancia.

[28] A través de darse cuenta de que:

-la verdad de anteayer fue derribada por la de ayer,

-la verdad de ayer fue derribada por la de hoy.

[29] Debido a que pertenecieron a tiempos casi olvidados, o métodos casi olvidados.

[30] Utilizando sus propios medios (de forma idonea) y sus propias fuerzas (sus tesoros escondidos), para expresar:

-no los fenómenos de la naturaleza,

-sí la vida interior de sus artistas.

[31] Como fue el caso de MAURICE MAETERLINCK, gran visionario de los objetos abstractos.

[32] Como fue el caso de:

-CLAUDE DEBUSSY, que interiorizó toda la aparatosidad exterior musical,

-ARNOLD SCHONBERG, que renunció a toda la belleza musical acostumbrada,

-ROSETTI, BOCKLIN, SEGANTINI… auténticos buscadores en el terreno no-material.

[33] Como fue el caso de:

-CEZANNE, que utilizó objetos de resonancia interior,

-MATISSE, que pintó imágenes en las que trató de reflejar lo divino.

[34] De hecho, el buen dibujo es aquel que no puede alterarse sin que se destruya su vida interior.

[35] Como servidor de los altos designios, y cuyos altos deberes son sagrados.

[36] A través de la belleza convencional y anécdota natural.

[37] Pues:

-mantienen al espectador encantado, en un primer momento,

-hacen surgir de golpe la explicación, en un siguiente momento.

[38] Momento en que comenzará su “danza del futuro”.

[39] Construcción latente de la obra, y causa de la cohesión interna de la obra, que no ha de hacer sino explicitarse de forma visible y aparente en el lienzo.

[40] Dado que los objetos que se perciben por 1ª vez impresionan mucho más, de manera psicológica, que cuando se perciben por 2ª y 3ª vez.

[41] Pues esta sensación de manjar desaparece cuando el ojo se aparta del colorido.

[42] A forma de conmoción emocional.

[43] Como es el caso de la cromoterapia (que provoca efectos especiales por todo el cuerpo dependiendo de la luz de cada color).

[44] A través de la propia armonía de los colores.