EXPRESIONISMO ABSTRACTO

a) Origen del Expresionismo abstracto
b) Características expresionistas abstractas
c) Pollock
d) Kooning
e) Rothko
f) Gorky
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a) Origen del Expresionismo abstracto

Nació en 1942 en Estados Unidos, cuando llegan noticias del expresionismo alemán y del surrealismo[1]. Se desarrolla en plena Guerra Fría, y convirtió a New York en la nueva París del momento, como ciudad cosmopolita y referencia mundial del arte.

Fue desarrollado por un grupo de artistas[2], posiblemente protegidos por la CIA[3], que comparten unos mismos preceptos, una conciencia de grupo, y ausencia de una misma formalidad técnica[4].

Su término proviene del crítico Coates, que en su columna del The New Yorker afirmó que “algunos lo califican como una escuela de manchas y borrones, mientras yo lo considero como expresionismo abstracto”.

Recibió influencia del:

-cubismo, sobre todo de Picasso,
-surrealismo, sobre todo de Miró,
-psicoanálisis, sobre todo de Carl Jung
[5],
-existencialismo, sobre todo de Sartre
[6],
-muralismo, sobre todo el mexicano,
-Proyecto de Arte federal, que animó a los jóvenes pintores a decorar los edificios neoyorkinos.

Ejerció influencia sobre muchos movimientos, tales como:

-el arte abstracto post-pictórico,
-el arte de las performances,
-el arte minimalista.

         Su difusión corrió a cargo de los escritos:

-de Rosenberg y Greenberg, que escribieron libros y concedieron entrevistas,
-del The New York Times, que fue publicando desde 1942 las cartas Rothko y Gottlieb acerca de los objetivos del movimiento
[7].

Así como por las exposiciones:

-del MoMA[8], inaugurado en 1942 por Barr[9],
-de la Galería Art of this century de New York-1942, a cargo de Peggy Guggenheim,
-de la Galería Artistas en el exilio de New York-1943, a cargo de Pierre Matisse.

Hay 3 tipos de Arte expresionista abstracto:

-expresionismo de la Pintura Acción, donde destacan Pollock y Kooning. Aquí lo importante es el gesto y la acción del artista, para que luego un psicoanalista lo interprete;
-expresionismo del Campo de Color, donde destaca Rothko. Aquí lo importante son los paisajes que sinteticen la naturaleza;
-expresionismo de los Independientes, donde destaca Gorky y Kline.

b) Características expresionistas abstractas

Giraron en torno a una idea compartida: expresar las verdades eternas, captando lo sublime, aprehendiendo la metafísica, deseando la heroicidad[10].

Rechaza las técnicas clásicas y su acabado perfecto[11], experimenta las viejas innovaciones de las primeras vanguardias, e incorpora las nuevas técnicas y pinturas comerciales. En ese sentido, explota los aspectos del proceso: gesto, color, textura y forma, por ese mismo orden y con total ferocidad y agresividad.

Busca ante todo la libertad e individualización, de forma rebelde, franca, inconformista, inmediata e improvisada. Pues así el inconsciente estará libre de la contaminación social, y se podrá pintar de forma inconsciente.

No obstante, también trata de descifrar los mitos y símbolos colectivos de los que participa el subconsciente colectivo.

Intenta que el espectador sienta lo que sienten los artistas. De ahí que sus cuadros sean cuadros-terapia[12], registros de una lucha existencial, de una autodefinición personal, de la conciencia de pequeñez humana. 

Utiliza grandes formatos, como mejor medio para magnificar la pequeñez humana. Así las obras podían verse desde lejos, podían impresionar y lanzar desafíos al espectador[13].

c) Pollock

Pintor norteamericano, Jackson Pollock (1912-1956) fue el artista más automático del arte vanguardista norteamericano. De joven estudió Bellas Artes en New York, casándose con la pintora Krasner e intentado suicidarse varias veces, hasta que murió en accidente de tráfico.

Su vida laboral se desarrolló por completo en el mundo de la composición y venta autodidacta de sus piezas de arte, de grandes dimensiones y cuyas telas eran pintadas directamente sobre el suelo[14], a forma de pintura acción[15] y rituales gestuales[16].

En cuanto a su obra pictórica, tuvo gran influencia de la pintura muralista mexicana[17] y cine californiano, aparte de ser gran admirador del Guernica de Picasso. Pretendió conectar su pensamiento con la propia vida de la obra, a través de una estética que dotase de lógica interna y azar controlado al lienzo. Trató que su arte fuese la expresión de su época y entorno, civilizados y reglamentados[18], arriesgando el cuadro si era necesario y rompiendo definitivamente la vía europea del arte.

c.1) Obras de Pollock

         Destaca su Cinco brazas de Profundidad-1947, inspirada en los versos de Shakespeare[19] y que tras las radiografías aplicadas descubrió en su trasfondo la silueta perfecta de una persona, algunos botones y una llave, como si estuvieran sobre el cuerpo. Es decir, no había anulado para nada la figuración.

d) Kooning

Pintor holandés americanizado, Willem de Kooning (1904-1997) había llegado a Estados Unidos como polizón en un barco. Fue amante del Jazz, alcanzó la fama y se enriqueció de forma muy rápida.

Desarrolló su vida laboral dando clases en varias escuelas y universidades de arte, aportando una formación teórica profunda. También compartió estudio con Gorky, debatiendo con él las claves del arte expresionista abstracto.

Su obra pictórica fue cromática, colorista y agresiva, reflejando el giro, el movimiento y la armonía en la pincelada. Se sirvió de toda clase de imágenes eclécticas, vistas bajo el prisma del cubismo y sin abandonar por completo la figuración. Muestra también cierta influencia del informalismo y arte japonés. Su abstracción se centró en el tema de la desesperación, porque es el que más le pegaba y porque él a veces también se sentía desesperado.

d.1) Obras de Kooning

         Destaca su Women-1950, serie de pinturas muy criticadas por dar una imagen terrorífica de la mujer, llena de gestos violentos y groseros, aunque con gran vitalidad. Fueron realizadas tras un largo proceso de creación, y pudo tener la intención de menospreciar la crítica artística.

e) Rothko

Pintor ruso americanizado, Mark Rothko (1903-1970) fue hijo de familia judía emigrada de Rusia[20] a Estados Unidos, lugar donde aprendió[21], ejerció su carrera de arte, y se suicidó[22].

Ejerció su vida laboral por todo Estados Unidos, diseñando alfombras y moquetas con su propio estilo, así como pintando óleos en trípticos y paneles de grandes dimensiones. También decoró la Capilla Menil de Houston[23], dentro de la universidad texana, bajo el mecenazgo de la familia Menil, y con la máxima expresión de su energía arbitraria y espiritualidad contemplativa[24].

         Su obra pictórica alcanzó la abstracción pura, no pintando nunca ni una sola línea definida[25]. Así, buscó el mundo puro y auténtico a través del color, con el que juega[26], da forma a sus obras, crea dimensiones con su masa pictórica y retoma el recurso al esfumato. Sus cuadros representaban posiblemente paisajes, y trataban de transmitir sensaciones[27]. Evolucionaron poco a poco hacia las pequeñas dimensiones y colores menos vivos, al tiempo que la penuria personal del artista era cada vez mayor[28].

f) Gorky

Pintor armenio americanizado, Arshile Gorky (1904-1948) fue hijo de familia emigrada de Rusia[29] a Estados Unidos[30], lugar donde se cambió el nombre[31], ejerció su carrera de arte y se suicidó.

Ejerció su vida laboral de forma trágica. Convirtió su granero de la granja en su propio estudio, pero un incendio en 1946 destruyó el 90% de su obra y biblioteca. Además, al mes siguiente se le diagnosticó cáncer y fue desahuciado.

Su obra pictórica quedó plasmada en el único cuadro que sobrevivió al incendio, y que fue trabajando toda su vida desde 1918, año en que se hizo una fotografía con su madre para enviársela a su padre, y ocasión que tuvo Gorky para volcar todos sus sentimientos (pues ese mismo 1918 murió su madre de inación en sus brazos). Para él, el arte era su salvación.

f.1) Obras de Gorky

Destaca su Artista y su Madre-1920, imagen conmovedora y representación máxima del amor y nostalgia hacia ella. Trata de emular a los iconos religiosos, como si representara a la Virgen con el niño. Así, su madre quedó entronizada como símbolo universal, y él quedó plasmado como oferente con una ofrenda de flores en las manos, para ofrecer a su madre. Contó con cientos de bocetos, siempre con mucho cuidado, y en su diario explicó que echaba de menos poder tocar el mandil de su madre.

Destaca su Agua del Molino florido-1944, imagen obtenida de la observación de la naturaleza. Se trata de una obra ambigua, la última que pinta y tras haberse ido a vivir a una casa de campo a Virginia. Intenta mostrar el estado vital de las plantas e insectos, convirtiéndose en un pintor biomórfico, que da vida a las formas a través de un arte abstracto orgánico. Representa paisajes de la memoria, que reviven de nuevo en su memoria y le dan un sentimiento vitalista.

 

Manuel Arnaldos   
Mercabá, diócesis de Cartagena-Murcia    

más información
Diccionario Mercabá de Arte

Indice general de Enciclopedia Mercabá de Historia   

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[1] Iniciado por ANDRE BRETON, en su intento por descubrir los mundos del inconsciente y del subconsciente a través de la escritura, la escultura, la pintura...

[2] Tales como ROTHKO, KOOONING, POLLOCK, GOTTLIEB, GORKY, REINHARDT, KLINE, HOFFMAN, BARNETT NEWMAN...

[3] Pues muchos de ellos emigraron de Europa a Estados Unidos por cuestiones políticas, y no sólo por las económicas o personales. Fue el caso de DALI, ERNST, BRETON, MASSON, TANGUY, MONDRIAN, LEGER, CHAGALL, DUCHAMP, GROPIUS...

[4] Como ellos mismo decían, “estamos de acuerdo únicamente en que somos diferentes”.

[5] Y su teoría del subconsciente colectivo.

[6] Que defendía el vacío, la nada, el hombre actual sin esperanza.

[7] Tales como que su arte era:

-una aventura hacia un mundo desconocido, a ser explorado por quienes estén dispuestos a asumir los riesgos,
-imaginativo, de libre de fantasía y violentamente opuesto al sentido común,
-una simple expresión del complejo mundo del pensamiento,
-impactante en lo inequívoco,
-artísticamente favorable a la planitud, para revelar la verdad y destruir toda ilusión.

[8] Museo de Arte Moderno de New York.

[9] Y en el que se fueron exponiendo sus colecciones pictóricas, fotogramas y diseños industriales.

[10] Como decía el propio ROTHKO, “para nada me interesan las relaciones cromáticas o formales, ni nada parecido. Pues sólo me interesa expresar las emociones humanas básicas, la tragedia, el éxtasis, la fatalidad”.

[11] Pues prefiere mostrar el proceso al acabado.

[12] Como definió el propio POLLOCK, al defender que “la pintura es un estado de ser, es un descubrimiento de uno mismo”.

[13] Pues “siempre que pintas un cuadro grande estás dentro de él. No es algo que tú controlas”, explicaban los expresionistas abstractos.

[14] Donde él se sentía más cómodo, manteniéndose durante toda su profesión al margen del caballete, la paleta y pinceles (a los que sustituyó por palos, espátulas y pintura fluida). Como él mismo decía, “sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Y si no lo pierdo, la pintura es pura armonía y sale muy bien”.

[15] Que demuestra que la obra de arte debía mostrar el proceso creativo, y el cuadro poseer vida propia, sin interesar tanto sus aspectos simbólicos.

[16] Tratando de conseguir que la vida propia del cuadro saliera a la superficie, a través de un flujo de energía que él mismo tenía que imprimirle. Así, tras colocar la tela sobre el suelo, trabajaba como si fuera un brujo en trance alrededor de ella, repitiendo movimientos y gestos alrededor de la pintura.

[17] Estableciendo para ello contacto con los mexicanos OROZCO y SIQUEIROS.

[18] Representando sucesos e integrando a los personajes en sus argumentos.

[19] “A cinco brazas de aquí yace el cuerpo de tu padre; corales son ya sus huesos, perlas sus ojos. Nada de él se ha dispersado, todo él en mar se ha transformado, y es todo hermoso y es todo extraño”.

[20] En cuya niñez había adquirido una cicatriz en la cara, fruto de un navajazo que le había hecho un cosaco.

[21] Como lector empedernido que era, siendo su autor favorito Esquilo, su filósofo favorito Nietzsche y su músico favorito Beethoven.

[22] Al sentirse manipulado por su marchante, que además le robaba (lo que le provocó una depresión que acabó llevándole al suicidio).

[23] Iglesia de planta octogonal, y remitente a la arquitectura paleocristiana. Lugar que decoró ROTHKO como lugar y espacio para el encuentro y meditación de los jóvenes, pero no con todas las características del arte católico.

[24] Pues él mismo decía que su arte buscaba lo sublime, invitando de forma poética a la contemplación espiritual.

[25] De hecho, misteriosamente él mismo decía que sus cuadros debían colocarse muy próximos al suelo.

[26] Siendo el blanco muy excepcional en la obra de ROTHKO. Y siendo el rojo su color estrella, como referente a ese recuerdo infantil que le llevaba a los muchos muertos que vio sangrando en Rusia. Aparte de ayudarle el rojo a:

-expresar su profundidad espiritual,
-pasar el tono caliente de la sangre al tono frío que es el violeta.

[27] Paisajes que evocaban estados anímicos, y que posiblemente estaban inspirados en la fosa común donde en Rusia se lanzaban los cadáveres de los judíos, que a él tanto le impactó (de hecho, él mismo decía que nunca podría borrar esa imagen de su mente).

[28] Como él mismo reconocía, al exclamar que “el arte es una anécdota del espíritu, y quienes lloran ante mis pinturas están teniendo la misma experiencia espiritual que yo tuve cuando las pinté”.

[29] En cuya niñez había mostrado gran habilidad a la hora de tallar flautas, modelar esculturas de arcilla, pintar desde los 6 años...

[30] A causa de la masacre turca de 1914.

[31] Que en ruso venía a significar Aquiles el Amargo. Pues se dio cuenta de que ser armenio estaba mal visto en Estados Unidos, y así empezó a decir que era ruso.