HOGAR DE OLDENBURG

a) Arte pop

b) Pintura pop

c) Oldenburg

d) Pintura del Hogar de Oldenburg

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a) Arte pop

Nació en 1955 en Estados Unidos, como reacción al expresionismo abstracto norteamericano[1] y como arte que recogía los nuevos símbolos del país[2], así como la vida y objetos cotidianos y comunes de la sociedad[3].

Vivió el boom de los 60, en medio de una oleada de prosperidad económica que hacía que la gente olvidara la posguerra y se ilusionara en un mundo maravilloso, en que todo el mundo era feliz y capaz de consumir.

Creó división de opiniones. Pues para muchos supuso un movimiento atrayente[4] y cercano[5], pero para otros supuso:

-una tomadura de pelo, respecto a la gente común y sus vidas privadas,

-rebajar la cultura artística, a lo más barato de la sociedad.

Su término proviene de la abreviatura inglesa pop utilizada por Alloway, director del Museo Guggenheim de New York, al hablar del nuevo estilo del Popular Art.

Recibió influencias de:

-los neodadaístas, que habían empezado a hacer fotomontajes con imágenes banales,

-la publicidad, que prometía que todo podía ser posible.

            Ejerció influencias sobre:

-el arte conceptual, de Bárbara Kruger[6],

-la escultura contemporánea, de Jeff Koons[7].

Hubo 2 tipos de Arte pop:

-populismo norteamericano, donde destacaron Warhol, Lichtenstein y Oldenburg,

-populismo británico, donde destacaron Hamilton y Hockney.

b) Pintura pop

Se trata de una pintura formalista y fría, que rehuye la expresión íntima de los artistas, elimina las emociones personales y desprecia cualquier vestigio de pensamiento humano. No va dirigida directamente al pueblo, sino que toma del pueblo sus temáticas.

Impone una estética común en el arte y en la calle, pero de forma trivial, reflejo de la ciudad y ajena a la naturaleza.

Muestra un talante optimista, vital, sobre un mundo feliz y libre en que todo es posible, y un futuro todavía más prometedor. Trata de hacer ver que cualquiera es capaz de cualquier cosa, incitando a que todos intenten hacer de todo.

Utiliza los nuevos materiales de los años 60, tales como pinturas acrílicas, plásticos, fotografías, colores fluorescentes, pinturas metálicas... todos ellos no habituales para la pintura de caballete, sino para la calle y la ciudad[8].

Opta por composiciones adaptadas a los diseños comerciales, con bordes marcados para carteleras, murales, revistas, diarios...

Difumina la línea entre las bellas artes y el diseño, como forma de reivindicar una nueva forma de comunicación artística.

c) Oldenburg

Escultor sueco, Claes Oldenburg (1929- ) fue el primero en declarar que el Arte pop constituía el primer arte propio de los Estados Unidos[9].

Desarrolló su vida laboral como reportero para el Art Institute de Chicago. En 1959 realizó su primera exposición individual en la Galería Hudson de New York, haciéndose famoso por sus esculturas blandas. En 1961 abrió la Galería The Store de New York, donde vendía réplicas en escayola pintada de alimentos y objetos domésticos. Tuvo mucho éxito, por lo que pronto empezó a hacer esos objetos en grandes dimensiones.

Su obra escultórica utilizó materiales tan novedosos como el vinilo (al que inyectaba espuma de caucho) y muselina (arpilleras empapadas en escayola y pintadas con esmalte), y rellenó todas sus esculturas con goma espuma (para que estuvieran encerrada su forma bajo un material rígido). Trató de convertir cualquier objeto en un símbolo de la época, rebasando sus funciones y significados habituales.

d) Pintura del Hogar de Oldenburg

            Fue pintado por Oldenburg en 1974.

            Se trata de una obra de carácter social, y por ello fue expuesta en la calle.

            Su tamaño y la conversión del material (blando en duro y viceversa) tratan de dotar de nueva vida a los objetos cotidianos de un hogar, trastocando así el concepto de escultura tradicional[10].

 

ed. Mercaba

Diócesis de Cartagena-Murcia

Indice general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm

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[1] Como defendía BERG, al concluir que “los artistas pop hicieron imágenes que cualquier persona de la calle podía reconocer en un segundo… y todas aquellas cosas fantásticas de la modernidad que los expresionistas abstractos se esforzaron tanto por no advertir en absoluto”.

Y es que si el Arte expresionista abstracto se preocupaba por el hombre y resaltaba sus sentimientos interiores, subrayaba la subjetividad del artista y acababa aproximándose a los burgueses americanos… el Arte pop optó por preocuparse por los objetos y su utilidad superficial, subrayando la objetividad de la pieza artística y aproximándose a las clases bajas.

[2] Como defendía WARHOL, que concluía que “cuando adquieres pop ya nunca más puedes ver un signo de la misma manera. Y cuando has pensado de forma pop, nunca más puedes ver a los Estados Unidos de la misma manera”.

[3] Tales como propaganda publicitaria, bienes de consumo, celebridades famosas, tiras de periódicos…

[4] Sobre todo para las clases elitistas, que llegaron a subastar el Coca-Cola IV por 31 millones $.

[5] Sobre todo para las clases bajas, que vieron un arte próximo a su verdadera realidad.

[6] Que en su Untitled utilizó la iconografía de la bandera de EE.UU, pero incluyendo un texto.

[7] Autor de numerosas esculturas divertidas que decoraron las ciudades de EE.UU.

[8] Pudiendo adaptarse a las paredes, farolas, asfalto…

[9] Pues hasta entonces el único tipo de arte autóctono había sido el de los indios.

[10] Pues, como él mismo decía, “soy partidario de un arte que debe su forma directamente a la vida, que se tuerce y se extiende, que es pesado, macizo y tosco, dulce y estúpido como la vida”.