MUJER EN EL CAFE DEL TAMBORIN DE VAN GOGH

a) Arte post-impresionista

b) Pintura post-impresionista

c) Van Gogh

d) Pintura de Mujer en el Café del Tamborín de Van Gogh

_______________________________________________________________________

a) Arte post-impresionista

            Quedó patente como fenómeno independiente del Impresionismo en:

-la VII Exposición de Independientes-1884, donde se ve una nueva tendencia en las obras de Signac y Redond[1],

-la VIII Exposición de Independientes-1886, donde se ven nuevas experimentaciones en las obras de Matisse y Van Gogh,

-el De Delacroix al Neo-Impresionismo-1899 de Signac, cuando se sintetiza alguna de las bases teóricas del neo-impresionismo[2].

            Y es que se trataba de una nueva opción impresionista, con la misma temática de siempre pero exponiendo por separado del Impresionismo oficial[3]. Lo que la crítica empezó a ver con buena recepción pública[4], ya que este nuevo Impresionismo[5] mostraba mayor prudencia que el viejo Impresionismo, sin eliminar líneas ni metiéndose en abstracciones sin sentido.

Tuvo como factores remotos que motivaron su aparición:

-la Guerra franco-prusiana-1870, con final desastroso francés en 1875[6],

-la Comuna de París-1871, que destruyó esculturas y piezas de arte parisinas[7],

-la crisis espiritual e industrial, de resentimientos sociales y económicos[8].

            Aunque su factor próximo tuvo que ver con la propia crisis impresionista, desgasta por:

-los comentarios críticos de Zola, muy crítico hacia 1880[9] sobre lo que él antes había defendido[10],

-los escritos de Feneon, en los que informa que otros pintores ya están superando la crisis impresionista,

-las enemistades entre los impresionistas, que dejan de exponer juntos en 1886,

-la huida de impresionistas de París, y su abandono del término “impresionismo”,

-el haber pasado la figura humana a 2º término, para captar mejor la fugacidad de la luz.

            Fue entonces cuando surgió el Post-Impresionismo, de 1886[11] a 1900[12], bajo obras que se vendían en las galerías y tiendas como impresionistas[13], pero que en realidad se habían alejado del fenómeno y estilo de forma total.

            Se desarrolló en colaboración con el belga Grupo de los XX[14], así como las revistas L’Art Moderne y L’Revue Blanche. Así, figuras solitarias como Van Gogh, Cezanne, Gauguin… pudieron convivir durante 20 años

Hasta que Roger Fry acuñó su término en su Monet y los post-impresionistas-1910, aparte de repasar las ideas post-impresionistas de:

-buscar un método racional, científico y desapasionado,

-provocar emociones y sentimientos,

-recuperar la temática religiosa, histórica, literaria,

-optar por las opciones orientales, primitivas, medievales,

-superar las fronteras francesas, así como el diálogo con la naturaleza,

-armonizar la línea y color[15],

-liberalizar el color, dejando su función descriptiva en pro de una función expresiva,

-superar las inquietudes del impresionista ojo innato y registrador,

-superar la impresionista luz natural y contemporánea,

-obviar los renacentistas claro-oscuro, volumen, profundidad…

b) Pintura post-impresionista

            Trató de presentar una ordenación meditada del cuadro, manteniendo una preocupación por el volumen, orden, claridad.

            Así, y a diferencia del Impresionismo:

-hace reconocibles las temáticas y motivos,

-elabora las obras en el estudio, y no al aire libre,

-somete la intuición a disciplina,

-convierte la impresión en rigor académico, matemático y normativo[16],

-precisa y concisa la pincelada,

-distribuye milimétricamente la suma de puntos a pintar,

-elimina los marcos dorados por marcos blancos[17].

b.1) Ley de colores de Chevreul

            Fue forjada en su Principios de Armonía y Contraste de Colores-1859, experimentada por Seurat para la pintura[18], y en torno a la división de colores en:

-primarios: el rojo, verde, azul, no obtenibles mediante la mezcla de ningún otro,

-secundarios: el naranja, amarillo, violeta, surgidos de la mezcla de 2 primarios[19],

-complementario: blanco, mezcla de la luz sobre el resto de colores[20],

            así como entre:

-cálidos: amarillo, naranja, rojo,

-fríos: verde, azul, violeta.

            Parte de la demostración de que el ojo:

-percibe el color de forma diferente, según los colores que lo rodean,

-exige o crea el color complementario, de cada color que está viendo.

Y viene a concluir que la teoría del contraste simultáneo, según la cual los colores influyen entre sí, y crean entre ellos reacciones complementarias:

-armoniosas, si se juntan colores contiguos del círculo cromático,

-contrastadas, si se juntan colores secundarios entre sí[21].

b.2) Técnica puntillista de Charles Blanc

            Fue forjada en su Gramática de las Artes del diseño-1865, experimentada por Seurat para la pintura[22], y en torno a la idea de que:

-el color está compuesto por una serie de puntos divididos,

-cada punto ha de estar dotado de toda la gama posible de tonos.

            Además, la experiencia enseña que:

-hay relaciones físicas entre los colores,

-las leyes físicas que influyen en cada color son enseñables,

-los matices puros se concentran en torno al centro, en una mezcla de colores,

-la mejor mezcla es la producida en el ojo, que no ensucia el resultado final[23].

b.3) Efectos psicológicos de Charles Henry

            Fue forjada en su Introducción a la estética científica-1885, en un intento de relacionar estética y leyes de la naturaleza mediante fórmulas pseudo-científicas[24], todas ellas provenientes de la psicología del espectador.

            Así, cada dirección de una línea proyecta un estado sentimental, como se ve en:

-la alegría, producida por colores cálidos, o por líneas derecha-izquierda y abajo-arriba,

-el dolor, producido por colores fríos, o por líneas izquierda-derecha y arriba-abajo.

c) Van Gogh

            Vincent van Gogh (Zundert 1853-Francia 1890) fue el máximo exponente de la pintura holandesa contemporánea[25], realizando más de 900 cuadros en 36 años de vida. Refleja el drama del deseo de infinito, y la necesidad de que la respuesta no sea lejana y sí responda a la vida. Trató de entender la vida y también de disfrutarla.

            Hijo de pastor protestante, aprendió alemán y francés en su infancia, así como los estudios básicos en el Instituto de Zevenbergen. De ahí pasó a la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde aprendió perspectiva y la pintura campesina de Millet[26].

            Durante su etapa en Holanda, de 1869 a 1886, trabajó con su hermano Teo en una compañía de arte de La Haya[27], en un barrio obrero de niños y de ayudante en una librería. Así como hizo labores de misionero protestante, en la zona minera de Bélgica[28]. Se enamora de la prostituta Sien, a quien intenta apartar de la calle haciéndola su propio modelo. Y empieza a componer sus primeros cuadros[29], intentando emular a Rubens[30], aunque todavía con trazos gordos y toscos.

            Durante su etapa en París, de 1886 a 1888, conoce y descarta el Impresionismo, empieza a codearse y discutir[31] con los artistas de la época y descubre las estampas japonesas. Abre sus cuadros a los colores vivos de Delacroix, y aprende los contrastes y la psicología de los personajes. Hasta que esa explosión de sentimientos le lleva a buscar algo más, siempre por él soñado: la luz mediterránea.

            Durante su etapa en Arlés, de 1888 a 1889, disfruta la naturaleza y sol mediterráneo francés, da paseos por los trigueros y mar calmado, y se da cuenta de su verdadero estilo de pintar[32]. El amarillo se convierte en su fuente inagotable de belleza, y empieza a pintar sin regla alguna[33]. Refina sus pinceladas, abandona sus trazos gordos, lleva al límite su fidelidad hacia el motivo y empieza a aportar colores intensos[34].

            Van Gogh no miraba la naturaleza, sino que la contemplaba e interrogaba, desde el contenido que tenía dentro[35]. Trataba que su arte estuviera presente en el lienzo, sin apariencias ni reminiscencias. Siempre necesitaba contemplar lo real[36], para ahondar en su contenido y verdad interior[37]. Hasta que dio en la diana de pintar la oscuridad de la noche mediante el color, y no mediante el negro.

            No obstante, la enfermedad y bebida también seguían su desarrollo. Y eso acabó en locura. Es lo que pudo contemplarse en su propia casa, pintada por él mismo de forma desequilibrada[38]. Hasta que en ella trató crear su propio taller, Gauguin vino a visitarlo[39], lo acuchilló en una pelea[40]… y tuvo que ser internado en un manicomio[41].

            Durante su etapa en Saint Remy, de 1889 a 1890, su internado en el manicomio fue llevado por Van Gogh desde la idea de “vivir sin quejarse”. Su obra adquiere aquí color intenso, así como contrastes entre los colores fuertes y fríos. Añade diversidad de formas, y trata de seguir comprendiendo el sentido y origen de las cosas. Aquí desarrolló 2 tipos de pincelada:

-de trazo curvo, para el cielo,

-de trazo quebrado, a forma de tejido.

            Y empieza a pintar las estrellas, por su “terrible necesidad de religión”[42]. Hasta que en 1890 sufre un nuevo y brutal ataque, con alucinaciones auditivas y tendencias suicidas, y cae en una depresión total de la que no podrá salir. Sus obras, a partir de entonces, copiarán:

-la sencillez campesina de Millet[43],

-la temática religiosa, sobre imágenes bíblicas[44] y de Cristo.

d) Pintura de Mujer en el Café del Tamborín de Van Gogh

Fue pintada por Van Gogh en 1887, permaneciendo hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam. En ella se aprecia:

-personajes contemporáneos[45],

-técnica impresionista,

-inspiración impresionista[46] y no oriental[47].

ed. Mercaba

Diócesis de Cartagena-Murcia

Indice general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm

__________________________________

[1] Sin un estilo definido, ni exclusivo de una tendencia artística (pues no había jurado ni premios, sino sólo la idea de exponer por libre).

[2] Con temas todavía impresionistas, pero nueva armonía de colores y líneas (que daban mayor orden a la composición).

[3] Con cuyos viejos impresionistas hubo broncas monumentales.

[4] En el aspecto de los paisajes. Pues sus figuras continuaban siendo demasiado rígidas.

[5] Tildado por FELIX FENEON como neo-impresionismo, por venir sus artistas del Impresionismo, y significar que técnicamente era algo nuevo, que armonizaba líneas y colores de una forma que el viejo Impresionismo había rechazado (aunque sus temáticas siguiesen siendo las mismas).

[6] Con más de 150.000 franceses muertos y 550.000 prisioneros, a manos de GUILLERMO I DE PRUSIA.

[7] En nombre del gobierno anárquico, que se adueñó de París durante algunos meses, e impuso un régimen caótico en la ciudad.

[8] Que movió a los artistas a una nueva e inquieta experimentación.

[9] Mediante su Obra-1880, novela sobre la vida de MONET Y CEZANNE, en que critica los defectos técnicos de los impresionistas, y la prototipificación de “un loco y fracasado que pinta para hacerse reconocer”.

[10] Pues al principio era muy entusiasta del estilo, y amigo personal de los impresionistas.

[11] Momento de la 8ª y última exposición impresionista.

[12] Momento en que surgen las nuevas vanguardias.

[13] Gracias a los merchantes DURAND RUELL, GEORGES PETIT y AMBROISE VOLLARD, contrabandistas de arte que pagaban precios fijos por todos los cuadros, y luego vendían cada uno de ellos a un precio distinto.

[14] Surgido del rechazo que hizo la Academia de París a 20 artistas, que decidieron desde entonces:

-crear su propio grupo artístico,

-abrir un foro de discusión artística,

-invitar a otros artistas a exponer en sus exposiciones,

-fundar y colaborar con revistas comprometidas con sus ideas.

[15] Idea en la que coinciden los grupos de puntillistas, divisionistas, neo-impresionistas…

[16] Aunque resulte más artificial.

[17] Para romper la idea renacentista de ventana abierta, y hacer del marco parte integrante de la pintura.

[18] Intensificando los colores, para dar mayor brillantez y luminosidad. Pues “un color, al lado de su complementario, se ve más luminoso”, concluía GEORGE PIERRE SEURAT (como se ve en el rojo, que al lado de un verde, resulta más intenso).

[19] En la retina del ojo, y no en la realidad. Es lo que ocurre cuando la retina se estimula por un complementario (como se ve en el ejemplo de un punto rojo. Pues si uno lo mira fijamente, y luego vuelve su mirada hacia un folio blanco, éste se ve verde).

[20] Pues la luz de los colores, a una gran velocidad, produce el color blanco (como ya se había visto en los Discos de Newton-1700, un disco con los 7 colores que al girar rápido era visto blanco al completo).

                No obstante, la retina del ojo no es capaz de hacer lo mismo, porque no se mueve a la misma velocidad. De ahí que la pintura de los post-impresionistas sea un intento por acercarse al fenómeno del blanco y la luz a través del resto de colores y colaboración del espectador, pero no lo consiga del todo.

[21] Pues la mezcla de colores no se realiza en el lienzo, sino en la retina del ojo.

[22] Haciendo iguales todas las pinceladas, y reduciéndolas al punto como unidad constante a multiplicar. Y esto de forma sistemática, para aplicar con exactitud las dimensiones cromáticas y tonales (como se veía en el caso de cada punto amarillo cromo, por el que correspondían 2 puntos de azul ultramar).

                No obstante, se trataba de una unidad constante de puntos al principio, pues luego se iba variando dinámicamente la pincelada.

[23] Poniendo la punta del pincel en el lienzo, pero reconstruyendo la imagen por el ojo, desde la distancia.

[24] Para corregir así la estética especulativa y metafísica del Romanticismo.

[25] Tras 100 años de ausencia holandesa en la paleta.

[26] Que fue su verdadero inspirador a lo largo de toda su vida, en los inicios (con sus primeras cabezas de campesinos) y sobre todo en los momentos más dramáticos.

[27] Donde tenía que ir a Londres a exponer los cuadros. En una de las cuales exposiciones fue expulsado por la compañía de arte, al anteponer sus gustos a los gustos de los clientes.

[28] Donde iba a predicar el evangelio, muchas de veces por medio de dibujos (los primeros que hizo VAN GOGH en su vida). No obstante, el fanático religioso de VAN GOGH (que leía libros religiosos sin parar, y se quedaba durmiendo al raso sin nada que comer) hizo que los feligreses le cogieran miedo, así como él fuera enfermando poco a poco de sífilis.

[29] Con 27 años, comprando moldes de yeso y tratando de copiar las esculturas antiguas.

[30] A la hora de utilizar los colores pardos-oscuros de la tradición holandesa.

[31] De forma apasionada, pues VAN GOGH siempre se metía frenéticamente en todo. De hecho, ahí empezó su andadura por el camino de la bebida… que se fue uniendo a sus antiguas enfermedades y carácter poco cuidadoso con la salud.

[32] Y es que, como decía el propio VAN GOGH, “aquí no me hace falta para nada el arte japonés, pues aquí encuentro todo lo que quiero”.

[33] Aunque siempre mostrando las formas lo más exactamente reales que se podía.

[34] No ya para representar imágenes, sino su experiencia de ese objeto. Pues no se trata de colores objetivos o naturales, sino vehementes con el objeto experimentado.

De ahí que no utilice un mismo color para cada cosa, sino que vaya intuyendo en cada caso lo más bello para su interior.

[35] Aunque también buscase la belleza exterior de las cosas, y no sólo sus estados de ánimo. Pero siempre en un plano secundario, pues como él decía “lo que yo veo bello y perfecto en la naturaleza, lo hago aparecer feo y tosco en mis cuadros”.

[36] Salvo cuando hacía viento en Arlés, en que entonces se llevaba la naturaleza a su casa, para pintarla allí.

[37] Pues, como decía él, “la pintura está para ahondar en la verdad de las cosas. Y yo no la invento, sino que la encuentro ya hecha”.

[38] Desde el amarillo sulfúreo de la fachada hasta la última pata de una silla. Y cada cosa con un color distinto, fruto del desequilibrio mental que ya padecía.

[39] Por insinuación de TEO VAN GOGH, que saldó las deudas acumuladas por GAUGUIN en sus viajes por el trópico, a cambio de hacer compañía a su hermano VAN GOGH.

[40] Tras haber bebido ajenjo, haberse emborrachado y tirado el vaso a GAUGUIN (que salió corriendo de allí). Tarea que completó VAN GOGH a la mañana siguiente, acuchillando a su amigo para que no se fuera de su compañía, así como acuchillándose él la oreja en un ataque de locura.

[41] Donde fue internado 4 veces:

-en el manicomio de Arlés, cuando apuñaló a GAUGUIN con una navaja. Aquí sólo recibió las visitas de su hermano Teo;

-en el hospital de Arlés, cuando la gente del pueblo pidió intervenir a la policía, ante la locura de manía persecutoria que mostró VAN GOGH. Aquí sólo recibió las visitas de un sacerdote, que le animó a seguir pintando;

-en el manicomio de Auvers, a causa de ataques de epilepsia, y por propia iniciativa;

-en el manicomio de Saint Remy, donde pasó su 4ª y última etapa de su vida, entre la esquizofrenia y desvaríos mentales. Aquí se dedicó a pintar sus últimos cuadros.

[42] Y es que años atrás había rechazado el credo institucional protestante.

[43] Su primer admirador, cuyas obras su hermano Teo le enseñó para animarlo a pintar.

[44] Siempre sobre rescate de personas necesitadas, que salen en los evangelios. Eso sí, siempre copiando las escenas de otros pintores (DECLACROIX…), para no recrearlos con su imaginación y mostrar así respeto por la Biblia.

[45] La modelo AGOSTINA SEGATORI, que también posó para él, con peinado estrambótico y vestido exótico.

[46] Como se ve en la réplica que hizo de la Bebedora de ajenjo-1876 de EDGAR DEGAS.

[47] Con la que choca (como se aprecia en las xilografías japonesas que aparecen en la pared).