VAN GOGH
b) Pintura post-impresionista
c) Vincent Van Gogh
d) Obras de Van Gogh
___________________________________________
Quedó patente como fenómeno independiente
del Impresionismo en:
-la
VII Exposición de Independientes-1884, donde se ve una nueva tendencia en
las obras de Signac y Redond[1],
-la
VIII Exposición de Independientes-1886, donde se ven nuevas
experimentaciones en las obras de Matisse y Van Gogh,
-el
De Delacroix al Neo-Impresionismo-1899
de Signac, cuando se sintetiza alguna de las bases teóricas del
neo-impresionismo[2].
Y es que se trataba de una nueva opción impresionista, con la misma temática
de siempre pero exponiendo por separado del Impresionismo oficial[3].
Lo que la crítica empezó a ver con buena
recepción pública[4],
ya que este nuevo Impresionismo[5]
mostraba mayor prudencia que el viejo Impresionismo, sin eliminar líneas ni
metiéndose en abstracciones sin sentido.
Tuvo
como factores
remotos que motivaron su aparición:
-la
Guerra franco-prusiana-1870, con final desastroso francés en 1875[6],
-la
Comuna de París-1871, que destruyó esculturas y piezas de arte parisinas[7],
-la
crisis espiritual e industrial, de resentimientos sociales y económicos[8].
Aunque su factor próximo tuvo que ver con
la propia crisis impresionista, desgasta por:
-los
comentarios críticos de Zola, muy crítico hacia 1880[9]
sobre lo que él antes había defendido[10],
-los
escritos de Feneon, en los que informa que otros pintores ya están
superando la crisis impresionista,
-las
enemistades entre los impresionistas, que dejan de exponer juntos en 1886,
-la
huida de impresionistas de París, y su abandono del término
“impresionismo”,
-el
haber pasado la figura humana a 2º término, para captar mejor la fugacidad
de la luz.
Fue entonces cuando surgió el Post-Impresionismo, de 1886[11]
a 1900[12],
bajo obras que se vendían en las galerías
y tiendas como impresionistas[13],
pero que en realidad se habían alejado del fenómeno y estilo de forma total.
Se desarrolló en colaboración con el belga
Grupo de los XX[14],
así como las revistas L’Art Moderne y L’Revue Blanche. Así, figuras
solitarias como Van Gogh, Cezanne, Gauguin… pudieron convivir durante 20 años
Hasta
que Roger Fry acuñó su término en su Monet
y los post-impresionistas-1910, aparte de repasar las ideas post-impresionistas de:
-buscar
un método racional, científico y desapasionado,
-provocar
emociones y sentimientos,
-recuperar
la temática religiosa, histórica, literaria,
-optar
por las opciones orientales, primitivas, medievales,
-superar
las fronteras francesas, así como el diálogo con la naturaleza,
-armonizar
la línea y color[15],
-liberalizar
el color, dejando su función descriptiva en pro de una función expresiva,
-superar
las inquietudes del impresionista ojo innato y registrador,
-superar
la impresionista luz natural y contemporánea,
-obviar
los renacentistas claro-oscuro, volumen, profundidad…
Trató de presentar una ordenación
meditada del cuadro, manteniendo una preocupación por el volumen,
orden, claridad.
Así, y a diferencia del Impresionismo:
-hace
reconocibles las temáticas y motivos,
-elabora
las obras en el estudio, y no al aire libre,
-somete
la intuición a disciplina,
-convierte
la impresión en rigor académico, matemático y normativo[16],
-precisa
y concisa la pincelada,
-distribuye
milimétricamente la suma de puntos a pintar,
-elimina
los marcos dorados por marcos blancos[17].
Fue forjada en su Principios de
Armonía y Contraste de Colores-1859, experimentada por Seurat para la
pintura[18],
y en torno a la división de
colores en:
-primarios:
el rojo, verde, azul, no obtenibles mediante la mezcla de ningún otro,
-secundarios:
el naranja, amarillo, violeta, surgidos de la mezcla de 2 primarios[19],
-complementario:
blanco, mezcla de la luz sobre el resto de colores[20],
así como entre:
-cálidos:
amarillo, naranja, rojo,
-fríos:
verde, azul, violeta.
Parte de la demostración de que el ojo:
-percibe
el color de forma diferente, según los colores que lo rodean,
-exige
o crea el color complementario, de cada color que está viendo.
Y
viene a concluir que la teoría del contraste
simultáneo, según la cual los colores influyen entre sí, y crean
entre ellos reacciones complementarias:
-armoniosas,
si se juntan colores contiguos del círculo cromático,
-contrastadas,
si se juntan colores secundarios entre sí[21].
Fue forjada en su Gramática de las
Artes del diseño-1865, experimentada por Seurat para la pintura[22],
y en torno a la idea
de que:
-el
color está compuesto por una serie de puntos divididos,
-cada
punto ha de estar dotado de toda la gama posible de tonos.
Además, la experiencia enseña que:
-hay
relaciones físicas entre los colores,
-las
leyes físicas que influyen en cada color son enseñables,
-los
matices puros se concentran en torno al centro, en una mezcla de colores,
-la
mejor mezcla es la producida en el ojo, que no ensucia el resultado final[23].
Fue forjada en su Introducción a
la estética científica-1885, en un intento de relacionar estética y leyes
de la naturaleza mediante fórmulas
pseudo-científicas[24],
todas ellas provenientes de la psicología del espectador.
Así, cada dirección de una línea proyecta
un estado sentimental, como se ve en:
-la
alegría, producida por colores cálidos, o por líneas derecha-izquierda y
abajo-arriba,
-el dolor, producido por colores fríos, o por líneas izquierda-derecha y arriba-abajo.
Vincent van Gogh (Zundert 1853-Francia 1890) fue el máximo exponente de
la pintura holandesa contemporánea[25],
realizando más de 900 cuadros en 36 años de vida. Refleja el drama del deseo
de infinito, y la necesidad de que la respuesta no sea lejana y sí responda a
la vida. Trató de entender la vida y también de disfrutarla.
Hijo de pastor protestante, aprendió alemán y francés en su infancia,
así como los estudios básicos en el Instituto de Zevenbergen. De ahí pasó a
la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde aprendió perspectiva y la
pintura campesina de Millet[26].
Durante su etapa en Holanda, de 1869 a 1886,
trabajó con su hermano Teo en una compañía de arte de La Haya[27],
en un barrio obrero de niños y de ayudante en una librería. Así como hizo
labores de misionero protestante, en la zona minera de Bélgica[28].
Se enamora de la prostituta Sien, a quien intenta apartar de la calle haciéndola
su propio modelo. Y empieza a componer sus primeros cuadros[29],
intentando emular a Rubens[30],
aunque todavía con trazos gordos y toscos.
Durante su etapa en París, de 1886 a 1888,
conoce y descarta el Impresionismo, empieza a codearse y discutir[31]
con los artistas de la época y descubre las estampas japonesas. Abre sus
cuadros a los colores vivos de Delacroix, y aprende los contrastes y la psicología
de los personajes. Hasta que esa explosión de sentimientos le lleva a buscar
algo más, siempre por él soñado: la luz mediterránea.
Durante su etapa en Arlés, de 1888 a 1889,
disfruta la naturaleza y sol mediterráneo francés, da paseos por los trigueros
y mar calmado, y se da cuenta de su verdadero estilo de pintar[32].
El amarillo se convierte en su fuente inagotable de belleza, y empieza a pintar
sin regla alguna[33].
Refina sus pinceladas, abandona sus trazos gordos, lleva al límite su fidelidad
hacia el motivo y empieza a aportar colores intensos[34].
Van Gogh no miraba la naturaleza, sino que la contemplaba e interrogaba,
desde el contenido que tenía dentro[35].
Trataba que su arte estuviera presente en el lienzo, sin apariencias ni
reminiscencias. Siempre necesitaba contemplar lo real[36],
para ahondar en su contenido y verdad interior[37].
Hasta que dio en la diana de pintar la oscuridad de la noche mediante el color,
y no mediante el negro.
No obstante, la enfermedad y bebida también seguían su desarrollo. Y
eso acabó en locura. Es lo que pudo contemplarse en su propia casa, pintada por
él mismo de forma desequilibrada[38].
Hasta que en ella trató crear su propio taller, Gauguin vino a visitarlo[39],
lo acuchilló en una pelea[40]…
y tuvo que ser internado en un manicomio[41].
Durante su etapa en Saint Remy, de 1889 a
1890, su internado en el manicomio fue llevado por Van Gogh desde la idea de
“vivir sin quejarse”. Su obra adquiere aquí color intenso, así como
contrastes entre los colores fuertes y fríos. Añade diversidad de formas, y
trata de seguir comprendiendo el sentido y origen de las cosas. Aquí desarrolló
2 tipos de pincelada:
-de
trazo curvo, para el cielo,
-de
trazo quebrado, a forma de tejido.
Y empieza a pintar las estrellas, por su “terrible necesidad de religión”[42].
Hasta que en 1890 sufre un nuevo y brutal ataque, con alucinaciones auditivas y
tendencias suicidas, y cae en una depresión total de la que no podrá salir.
Sus obras, a partir de entonces, copiarán:
-la
sencillez campesina de Millet[43],
-la
temática religiosa, sobre imágenes bíblicas[44]
y de Cristo.
d)
Obras de Van Gogh
Destaca
su Naturaleza muerta con Biblia-1885,
hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam,
donde se muestra:
-iconografía
cristiana[45],
-inspiración
contemporánea[46].
Destaca
su Comedores de patatas-1885,
hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam,
donde se muestra:
-temática
contemporánea[47],
-personajes
contemporáneos[48],
-autenticidad[49]
y tosquedad[50],
-errores
técnicos[51],
pero con intentos de academicismo[52].
Destaca
su Tristeza-1882, hoy en
la Galería de Arte de Walsall, donde se muestra:
-temática
contemporánea[53].
Destaca
su Mujer en el Café del Tamborín-1887,
hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam,
donde se muestra:
-personajes
contemporáneos[54],
-técnica
impresionista,
-inspiración
impresionista[55]
y no oriental[56].
Destaca
su Pedro Tanguy-1887,
hoy en la Colección Stavros Niarchos
de Atenas, donde se muestra:
-personajes
contemporáneos[57],
-colores
vibrantes[58],
-belleza
interior[59],
-inspiración
impresionista y no oriental[60].
Destaca
su Par de botas-1887,
hoy en el Museo de Arte de Baltimore, donde se muestra:
-temática
contemporánea[61].
Destaca
su Barcas de pesca en Santa María-1888,
hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam,
donde se muestra:
-temática
contemporánea[62],
-precisión
realista y de formas[63],
-pastosidad[64]
de colores
vivos[65].
Destaca
su Café Nocturno-1888,
hoy en el Museo Kroller-Müller de
Otterlo, donde se muestra:
-temática
contemporánea[66],
-composición
y perspectiva lineal[67],
-color
azul no me olvides[68],
-luz
nocturna[69]
y noche
estrellada[70],
-variedad
de pinceladas[71].
Destaca
su Café Nocturno-1888,
hoy en la Galería de Arte de New Haven, donde se muestra:
-temática
contemporánea[72],
-personajes
contemporáneos[73],
-contrastes
entre colores[74],
-luz
artificial[75],
dentro de la noche.
Destaca
su Casa amarilla-1888,
hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam,
donde se muestra:
-temática
contemporánea[76],
-color
amarillo sulfúreo[77].
Destaca
su Dormitorio en Arlés-1888,
hoy en el Museo Van Gogh de Ámsterdam,
donde se muestra:
-temática
contemporánea[78],
-contornos
remarcados doblemente,
-distorsión
de perspectiva[79],
-luz
natural[80],
-duplicidad
de todo[81].
Destaca
su Silla de Van Gogh-1888,
hoy en la Galería Nacional de
Londres, donde se muestra:
-temática
contemporánea[82],
-iconografía
personal[83],
-color
pastoso y material,
-luz
rústica y total.
Destaca
su Trigal verde con ciprés-1889,
hoy en la Galería Narodni de Praga,
donde se muestra:
-homogeneidad
interna,
-color
expresivo, y no sólo teórico,
-retorcimiento
de formas[84],
-gran
movimiento y verticalidad[85].
Destaca
su Noche estrellada-1889,
hoy en el Museo Moma de Nueva York,
donde se muestra:
-temática
contemporánea[86],
-paisaje
contemporáneo[87],
-énfasis en el color y pincelada.
ed.
Mercaba
Diócesis
de Cartagena-Murcia
Indice
general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm
__________________________________
[1]
Sin un estilo definido, ni exclusivo de una tendencia artística (pues no
había jurado ni premios, sino sólo la idea de exponer por libre).
[2]
Con temas todavía impresionistas, pero nueva armonía de colores y líneas
(que daban mayor orden a la composición).
[3]
Con cuyos viejos impresionistas hubo broncas monumentales.
[4]
En el aspecto de los paisajes. Pues sus figuras continuaban siendo demasiado
rígidas.
[5]
Tildado por FELIX FENEON como neo-impresionismo, por venir sus artistas del
Impresionismo, y significar que técnicamente era algo nuevo, que armonizaba
líneas y colores de una forma que el viejo Impresionismo había rechazado
(aunque sus temáticas siguiesen siendo las mismas).
[6]
Con más de 150.000 franceses muertos y 550.000 prisioneros, a manos
de GUILLERMO I DE PRUSIA.
[7]
En nombre del gobierno anárquico, que se adueñó de París durante algunos
meses, e impuso un régimen caótico en la ciudad.
[8]
Que movió a los artistas a una nueva e inquieta experimentación.
[9]
Mediante su Obra-1880, novela
sobre la vida de MONET Y CEZANNE, en que critica los defectos técnicos de
los impresionistas, y la prototipificación de “un loco y fracasado que
pinta para hacerse reconocer”.
[10]
Pues al principio era muy entusiasta del estilo, y amigo personal de los
impresionistas.
[11]
Momento de la 8ª y última exposición impresionista.
[12]
Momento en que surgen las nuevas vanguardias.
[13]
Gracias a los merchantes DURAND RUELL, GEORGES PETIT y AMBROISE VOLLARD,
contrabandistas de arte que pagaban precios fijos por todos los cuadros, y
luego vendían cada uno de ellos a un precio distinto.
[14]
Surgido del rechazo que hizo la Academia de París a 20 artistas, que
decidieron desde entonces:
-crear
su propio grupo artístico,
-abrir
un foro de discusión artística,
-invitar
a otros artistas a exponer en sus exposiciones,
-fundar
y colaborar con revistas comprometidas con sus ideas.
[15]
Idea en la que coinciden los grupos de puntillistas, divisionistas,
neo-impresionistas…
[16]
Aunque resulte más artificial.
[17]
Para romper la idea renacentista de ventana abierta, y hacer del marco parte
integrante de la pintura.
[18]
Intensificando los colores, para dar mayor brillantez y luminosidad. Pues
“un color, al lado de su complementario, se ve más luminoso”, concluía
GEORGE PIERRE SEURAT (como se ve en el rojo, que al lado de un verde,
resulta más intenso).
[19]
En la retina del ojo, y no en la realidad. Es lo que ocurre cuando la retina
se estimula por un complementario (como se ve en el ejemplo de un punto
rojo. Pues si uno lo mira fijamente, y luego vuelve su mirada hacia un folio
blanco, éste se ve verde).
[20]
Pues la luz de los colores, a una gran velocidad, produce el color blanco
(como ya se había visto en los Discos de Newton-1700, un disco con los 7
colores que al girar rápido era visto blanco al completo).
No obstante, la retina del ojo no es capaz de hacer lo mismo, porque
no se mueve a la misma velocidad. De ahí que la pintura de los
post-impresionistas sea un intento por acercarse al fenómeno del blanco y
la luz a través del resto de colores y colaboración del espectador, pero
no lo consiga del todo.
[21]
Pues la mezcla de colores no se realiza en el lienzo, sino en la
retina del ojo.
[22]
Haciendo iguales todas las pinceladas, y reduciéndolas al punto como
unidad constante a multiplicar. Y esto de forma sistemática, para aplicar
con exactitud las dimensiones cromáticas y tonales (como se veía en el
caso de cada punto amarillo cromo, por el que correspondían 2 puntos de
azul ultramar).
No obstante, se trataba de una unidad constante de puntos al
principio, pues luego se iba variando dinámicamente la pincelada.
[23]
Poniendo la punta del pincel en el lienzo, pero reconstruyendo la imagen por
el ojo, desde la distancia.
[24]
Para corregir así la estética especulativa y metafísica del Romanticismo.
[25]
Tras 100 años de ausencia holandesa en la paleta.
[26]
Que fue su verdadero inspirador a lo largo de toda su vida, en los inicios
(con sus primeras cabezas de campesinos) y sobre todo en los momentos más
dramáticos.
[27]
Donde tenía que ir a Londres a exponer los cuadros. En una de las cuales
exposiciones fue expulsado por la compañía de arte, al anteponer sus
gustos a los gustos de los clientes.
[28]
Donde iba a predicar el evangelio, muchas de veces por medio de dibujos (los
primeros que hizo VAN GOGH en su vida). No obstante, el fanático religioso
de VAN GOGH (que leía libros religiosos sin parar, y se quedaba durmiendo
al raso sin nada que comer) hizo que los feligreses le cogieran miedo, así
como él fuera enfermando poco a poco de sífilis.
[29]
Con 27 años, comprando moldes de yeso y tratando de copiar las esculturas
antiguas.
[30]
A la hora de utilizar los colores pardos-oscuros de la tradición holandesa.
[31]
De forma apasionada, pues VAN GOGH siempre se metía frenéticamente en
todo. De hecho, ahí empezó su andadura por el camino de la bebida… que
se fue uniendo a sus antiguas enfermedades y carácter poco cuidadoso con la
salud.
[32]
Y es que, como decía el propio VAN GOGH, “aquí no me hace falta para
nada el arte japonés, pues aquí encuentro todo lo que quiero”.
[33]
Aunque siempre mostrando las formas lo más exactamente reales que se podía.
[34]
No ya para representar imágenes, sino su experiencia de ese objeto. Pues no
se trata de colores objetivos o naturales, sino vehementes con el objeto
experimentado.
De
ahí que no utilice un mismo color para cada cosa, sino que vaya intuyendo
en cada caso lo más bello para su interior.
[35]
Aunque también buscase la belleza exterior de las cosas, y no sólo sus
estados de ánimo. Pero siempre en un plano secundario, pues como él decía
“lo que yo veo bello y perfecto en la naturaleza, lo hago aparecer feo y
tosco en mis cuadros”.
[36]
Salvo cuando hacía viento en Arlés, en que entonces se llevaba la
naturaleza a su casa, para pintarla allí.
[37]
Pues, como decía él, “la pintura está para ahondar en la verdad de las
cosas. Y yo no la invento, sino que la encuentro ya hecha”.
[38]
Desde el amarillo sulfúreo de la fachada hasta la última pata de una
silla. Y cada cosa con un color distinto, fruto del desequilibrio mental que
ya padecía.
[39]
Por insinuación de TEO VAN GOGH, que saldó las deudas acumuladas por
GAUGUIN en sus viajes por el trópico, a cambio de hacer compañía a su
hermano VAN GOGH.
[40]
Tras haber bebido ajenjo, haberse emborrachado y tirado el vaso a GAUGUIN
(que salió corriendo de allí). Tarea que completó VAN GOGH a la mañana
siguiente, acuchillando a su amigo para que no se fuera de su compañía, así
como acuchillándose él la oreja en un ataque de locura.
[41]
Donde fue internado 4 veces:
-en
el manicomio de Arlés, cuando apuñaló a GAUGUIN con una navaja. Aquí
sólo recibió las visitas de su hermano Teo;
-en
el hospital de Arlés, cuando la gente del pueblo pidió intervenir a la
policía, ante la locura de manía persecutoria que mostró VAN GOGH. Aquí
sólo recibió las visitas de un sacerdote, que le animó a seguir pintando;
-en
el manicomio de Auvers, a causa de ataques de epilepsia, y por propia
iniciativa;
-en
el manicomio de Saint Remy, donde pasó su 4ª y última etapa de su
vida, entre la esquizofrenia y desvaríos mentales. Aquí se dedicó a
pintar sus últimos cuadros.
[42]
Y es que años atrás había rechazado el credo institucional protestante.
[43]
Su primer admirador, cuyas obras su hermano Teo le enseñó para animarlo a
pintar.
[44]
Siempre sobre rescate de personas necesitadas, que salen en los evangelios.
Eso sí, siempre copiando las escenas de otros pintores (DELACROIX…),
para no recrearlos con su imaginación y mostrar así respeto por la Biblia.
[45]
El libro de Isaías, 53, sobre la
profecía del Siervo de Yahveh (pues VAN GOGH se sentía atormentado, al
igual que Cristo).
[46]
Sobre el Alegría de vivir de
EMILE ZOLA, que habla de la distancia infinita entre Dios y el hombre, entre
el absoluto y la admiración, entre lo lejano y terrible. Y que viene a
completar los tormentos religiosos, pues según VAN GOGH la religión “no
debe aumentar nuestros sentimientos, sino consolar y aumentar las ganas de
vivir”.
[47]
El de una cabaña lúgubre, con techo bajo, comida escasa, y sentimiento de
solidaridad dentro de la pobreza.
[48]
Un grupo de campesinos, honestos, serios, toscos (al comer con las manos),
ajenos entre sí y sin diálogo.
[49]
Como se ve en el ambiente familiar, servicio reinante, preocupación
social… pintando siempre lo que la realidad era para él.
[50]
Como se ve en las pinceladas, toscas, sombrías y con luz claro-oscurista.
Lo que le trajo muchas críticas negativas, sobre todo por pintar unos
rostros que “se parecen más a las patatas que comen los campesinos que a
ellos mismos”.
[51]
Como se ve en:
-la
ubicación de las figuras,
-la
conexión de los gestos,
-los
brazos cortos, rostros abultados, proporciones deficientes…
[52]
De ahí sus 3 ensayos antes de terminar la obra, resultando la obra final más
redonda y elíptica que las otras (al permitir la elipsis unificar la
ubicación y conexión).
[53]
La de una prostituta embarazada que VAN GOGH se encontró en la calle, y con
la que compartirá un tiempo de su vida (empezando a sentirse querido, y a
descubrir el misterio lejano de la vida).
[54]
La modelo AGOSTINA SEGATORI, que también posó para él, con peinado
estrambótico y vestido exótico.
[55]
Como se ve en la réplica que hizo de la Bebedora
de ajenjo-1876 de EDGAR DEGAS.
[56]
Con la que choca (como se aprecia en las xilografías japonesas que aparecen
en la pared).
[57]
El marchante PEDRO TANGUY, a cuya tienda acudían todos los artistas, y
también VAN GOGH.
[58]
Que consiguen traspasar la superficialidad, intuir el interior humano y
darle eternidad.
[59]
Basada en la bondad y humanidad, y no en el aspecto exterior.
[60]
Con la que choca (como se aprecia en las xilografías japonesas que aparecen
al fondo).
[61]
La de sus propias botas, con las que pateó París. Temática que trata de
hablar de la vida errante y dura de la vida. Una de las cuales muestra la
suela naranja sobre fondo azul, y como arañada con sus propias uñas cuando
estaba todavía fresco el cuadro.
[62]
La de una playa bella (no alegre ni triste), y una barca de pesca en un puerto
de la Costa Azul.
[63]
Como se ve en las curvaturas de las barcas, entrecruzamiento de mástiles…
[64]
A espátula. Pero no a forma de emular a los impresionistas, sino para no
dispersar las formas.
[65]
Chorreando desde el tubo.
[66]
La de una terraza en el centro de Arlés, con unas mesas en el velador y
viandantes paseando.
[67]
No a forma de cuadro-ventana, sino como estando en directo. Lo que consigue
poniendo el punto de fuga en el centro del cuadro.
[68]
Obtenible de una flor diminuta de la zona, de color azul silvestre oscuro.
[69]
Coherente, al mismo tiempo que acogedora y cálida.
[70]
Sin una gota de negro, y todo a base de color.
[71]
Dependiendo de cada zona representada, y en orden de cercanía al
espectador. Lo que da una extraña animación al resultado final.
[72]
La de un bar nocturno de Arlés, que permanecía abierto toda la noche, para
punto de encuentro de criminales, locos… Es donde pasaba todas las noches
VAN GOGH, cuyo ambiente es aquí pintado como solitario y desesperante.
[73]
El dueño del local (con delantal blanco), y una pareja furtiva al fondo.
[74]
Entre el rosa tierno y el rojo sangre.
[75]
La de las lámparas. Que además van rodeadas por una aureola amarilla, como
único punto de esperanza dentro del ambiente general del bar.
[76]
La de su propio casa de Arlés, que había alquilado y donde trató de
configurar su propio taller artístico (para fracaso final, pues acabó a puñaladas
con los escasos artistas que fueron a visitarle, como GAUGUIN. Pues otros
artistas se negaron a ir, como BERNARD o SIGNAC, a pesar de las invitaciones
de VAN GOGH).
Una casa que había sido pintada de amarillo sulfúreo por el propio
VAN GOGH, para exteriorizar así sus proyectos internos.
[77]
Símbolo del Sol mediterráneo, y de la esperanza de su alma.
[78]
La de su propio dormitorio, dentro de su casa amarilla de Arlés.
[79]
Como se ve en:
-la
silla, vista desde lo alto,
-la
cama, no paralela a la pared,
-la
ventana, cerrada claustrofóbicamente,
-los
cuadros, desequilibrados sobre la pared.
[80]
Lo único correcto del cuadro, dada la carencia de sombras.
[81]
Como se ve en los 2 cepillos, 2 almohadas, 2 sillas, 2 ropas, 2 cuadros.
[82]
La personificación de sí mismo (en comparación de la Silla
de Gauguin-1888, donde personifica la personalidad de su amigo GAUGUIN).
[83]
Como se ve en la caja de cebollas, pipa de tabaco, ambiente tranquilo y
familiar…
[84]
A forma de torbellinos ondulados, que van definiendo los contornos.
[85]
Como se ve en el ciprés, de tendencia vertical hacia el cielo.
[86]
La de un cielo estrellado, con el pueblo al fondo. Todo tal y como se veía
desde la ventana del manicomio de Saint Remy, donde estaba VAN GOGH
ingresado.
[87]
Como se ve en:
-el
pueblo, dormido,
-la
Luna creciente,
-las
montañas de la zona,
-el
gigante ciprés en primer plano,
-las
luces del amanecer,
-la
Iglesia de San Martín, con torre exageradamente puntiaguda (por
nostalgia hacia su patria holandesa), que penetra en el cielo desde la
tierra,
-las
11 estrellas, moviéndose en círculos concéntricos (a forma de
ondulaciones espirales que representaban la Vía Láctea), como algo deseado
e inalcanzable.