PINTURA POP
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Madrid 1 julio 2019
Manuel Arnaldos, historiador de Mercabá

           Surgió en 1955 en Estados Unidos, como reacción al expresionismo abstracto norteamericano[1] y como arte que recogía los nuevos símbolos del país[2], así como la vida y objetos cotidianos y comunes de la sociedad[3].

           Vivió el boom de 1960, en medio de una oleada de prosperidad económica que hacía que la gente olvidara la posguerra y se ilusionara en un mundo maravilloso, en que todo el mundo era feliz y capaz de consumir.

           Creó división de opiniones. Pues para muchos supuso un movimiento atrayente[4] y cercano[5], pero para otros supuso:

-una tomadura de pelo, respecto a la gente común y sus vidas privadas,
-rebajar la cultura artística, a lo más barato de la sociedad.

           Su término proviene de la abreviatura inglesa pop utilizada por Alloway, director del Museo Guggenheim de New York, al hablar del nuevo estilo del Popular Art.

           Hubo 2 tipos de Arte pop:

-Pop Art norteamericano, donde destacaron Warhol, Lichtenstein y Oldenburg,
-Pop Art británico, donde destacaron Hamilton y Hockney.

           Recibió influencias de:

-los neo-dadaístas, que habían empezado a hacer fotomontajes con imágenes vanales,
-la publicidad, que prometía que todo podía ser posible.

           Ejerció influencias sobre:

-el arte conceptual, de Bárbara Kruger[6],
-la escultura contemporánea, de Jeff Koons
[7].

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a) Características de Pintura pop

           Se trata de una pintura formalista y fría, que rehuye la expresión íntima de los pintores, elimina las emociones personales y desprecia cualquier vestigio de pensamiento humano. No va dirigido directamente al pueblo, sino que toma del pueblo sus temáticas.

           Muestra un talante optimista y vital, sobre un mundo feliz y libre en que todo es posible, y un futuro todavía más prometedor. Trata de hacer ver que cualquiera es capaz de pintar cualquier cosa, incitando a que todos intenten hacer de todo.

           Impone una estética común en el arte y en la calle, pero de forma trivial, reflejo de la ciudad y ajena a la naturaleza.

           Utiliza los nuevos materiales de la década de 1960, tales como pinturas acrílicas, plásticos, fotografías, colores fluorescentes y pinturas metálicas, todos ellos no habituales para la pintura de caballete, sino para la calle y la ciudad[8].

           Opta por composiciones adaptadas a los diseños comerciales, con bordes marcados para carteleras, murales, revistas y diarios.

           Difumina la línea entre las bellas artes y el diseño, como forma de reivindicar una nueva forma de comunicación pictórica.

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b) Hamilton

           Pintor inglés, Richard Hamilton (nac. 1922) fue el iniciador del arte pop, desde una postura ultra-conservadora de la cultura británica.

           Desarrolló su vida laboral haciendo collages de carácter pseudo-fotográfico para ilustrar en un catálogo los problemas urbanísticos y arquitectónicos de Inglaterra.

           En cuanto a su obra pictórica, trata de mostrar la nueva modernidad de los años 60 ingleses, combinando los objetos tradicionales con los de nueva comercialización.

           Destacó su Hogares diferentes de Hoy día-1956, donde pretende definir la nueva época moderna. Así, presenta a un hombre preocupado por su cuerpo (con una raqueta con las palabras raqueta y pop), a una mujer preocupada por su cuerpo (tomando el sol mediante una lámpara), los objetos comerciales del momento (cómics y latas de conserva) y los avances tecnológicos del momento (aspiradora, magnetófono y televisión). Se trata de la obra iniciadora del movimiento pop.

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c) Lichtenstein

           Pintor norteamericano, Roy Lichtenstein (nac. 1923) fue el gran diseñador gráfico del arte del cómic, tras haberse doctorado en Bellas Artes bajo la especialidad de expresionismo abstracto.

           Desarrolló su vida laboral como profesor en la universidad de Ohio. En 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los papeles de envolver chicles, y a partir de 1961 se dedicó a producir viñetas de cómics mediante imágenes comerciales de producción masiva. Contó con un estudio lleno de libros, revistas, recortes y anuncios.

           Su obra pictórica consistió en ampliar dibujos animados a mano, y con la misma técnica de puntos y colores brillantes que se utilizaban para imprimirlos. Utilizó colores primarios en mate[9] y los negros en brillante. Muestra gran virtuosismo a la hora de trabajar[10], manteniéndose él al margen de la obra. Aplicó un lenguaje irónico e impersonal, grandes formatos e imágenes vulgares de:

-personajes populares del cine, radio, televisión, música y espectáculos,
-elementos banales de la sociedad de consumo, publicidad y realidad cotidiana,
-temáticas sobre la guerra heróica, a la que están llamadas también las mujeres.

           Destacó su Chica en el Coche-1963, cómic comercial centrado en las chicas rubias y perversas que se sumergen en el mundo de la guerra. Marca una escenografía a la que el espectador está acostumbrado, aplicándole una gran capacidad narrativa. No deja un solo punto sin unificar, importándole más que los personajes transmitan sus sentimientos a que representen un papel.

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d) Warhol

           Pintor norteamericano, Andy Warhol (nac. 1928) creció en una Pittsburg llena de fábricas de hierro y ferrocarriles, casi siempre en la calle.

           Durante su enferma infancia fue coleccionando estampas de famosos de la revista Life[11], hasta que le regalaron con 12 años una cámara de fotos y adquirió un asombroso dominio plástico. Nunca dejó de asistir diariamente a la misa católica de rito bizantino[12], y empezó a moverse en los ambientes andróginos.

           Desarrolló su vida laboral en New York, como diseñador de revistas de moda desde 1949[13] y poco después como publicista comercial de zapatos y cineasta de películas porno, siempre de forma excéntrica y ególatra, y con afán de protagonismo y estética muy provocativa. Desde 1964 alcanza fama internacional, y empieza a hacer exposiciones por todo el mundo. Murió en 1987 a consecuencia de las secuelas que le produjo un atentado de mano de uno de sus fans.

           Su obra pictórica vislumbra un gran legado religioso a lo largo de su carrera artística, que le hizo ser experto en pinturas icónicas e ilustraciones decorativas. Utiliza la serigrafía[14], la repetición[15], la música[16], y recoge elementos cotidianos a los que les da la categoría de artísticos, apropiándolos como obra de arte. Utiliza colores muy planos, densos y llamativos, generalmente apoyándose sobre el suelo.

           Destacó su Lata de Sopa-1962, en que Warhol defiende la genialidad de que en América los consumidores más ricos compren esencialmente las mismas cosas para comer que los más pobres. Reproduce además las etiquetas de la marca Campbell.

           Destacó su Coca Cola IV-1963, vendido por 30 millones $ y donde Warhol defiende que comprar es más americano que pensar.

           Destacó su Marilyn Monroe-1967, realizado 4 años después de la muerte de la actriz, y más famosa de todas las series serigráficas que realizó sobre Elvis Presley, Joseph Boys y Leo Castelli.

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e) Oldenburg

           Escultor sueco, Claes Oldenburg (nac. 1929) fue el primero en declarar que el Arte pop constituía el primer arte propio de los Estados Unidos[17].

           Desarrolló su vida laboral como reportero para el Art Institute de Chicago. En 1959 realizó su primera exposición individual en la Galería Hudson de New York, haciéndose famoso por sus esculturas blandas. En 1961 abrió la Galería The Store de New York, donde vendía réplicas en escayola pintada de alimentos y objetos domésticos. Tuvo mucho éxito, por lo que pronto empezó a hacer esos objetos en grandes dimensiones.

           Su obra escultórica utilizó materiales tan novedosos como el vinilo (al que inyectaba espuma de caucho) y muselina (arpilleras empapadas en escayola y pintadas con esmalte), y rellenó todas sus esculturas con goma espuma (para que estuvieran encerrada su forma bajo un material rígido). Trató de convertir cualquier objeto en un símbolo de la época, rebasando sus funciones y significados habituales.

           Destacó su Pinza de la Ropa-1976, obra de carácter familiar concebida para ser expuesta en la calle (de Filadelfia, en este caso). Su tamaño y la conversión del material (blando en duro y viceversa) tratan de dotar de nueva vida a los objetos cotidianos de un hogar, trastocando así el concepto de escultura tradicional[18].

 

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  Act: 01/07/19       @fichas de arte              E D I T O R I A L    M E R C A B A     M U R C I A  

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[1] Como defendía BERG, al concluir que “los artistas pop hicieron imágenes que cualquier persona de la calle podía reconocer en un segundo… y todas aquellas cosas fantásticas de la modernidad que los expresionistas abstractos se esforzaron tanto por no advertir en absoluto”.

Y es que si el Arte expresionista abstracto se preocupaba por el hombre y resaltaba sus sentimientos interiores, subrayaba la subjetividad del artista y acababa aproximándose a los burgueses americanos… el Arte pop optó por preocuparse por los objetos y su utilidad superficial, subrayando la objetividad de la pieza artística y aproximándose a las clases bajas.

[2] Como defendía WARHOL, que concluía que “cuando adquieres pop ya nunca más puedes ver un signo de la misma manera. Y cuando has pensado de forma pop, nunca más puedes ver a los Estados Unidos de la misma manera”.

[3] Tales como propaganda publicitaria, bienes de consumo, celebridades famosas y tiras de periódicos.

[4] Sobre todo para las clases elitistas, que llegaron a subastar el Coca-Cola IV por 31 millones $.

[5] Sobre todo para las clases bajas, que vieron un arte próximo a su verdadera realidad.

[6] Que en su Untitled utilizó la iconografía de la bandera de Estados Unidos, pero incluyendo un texto.

[7] Autor de numerosas esculturas divertidas que decoraron las ciudades de Estados Unidos.

[8] Pudiendo adaptarse a las paredes, farolas y asfalto.

[9] Tales como el blanco, negro, azul, amarillo y rojo, casi siempre inspirándose en la pintura mural egipcia.

[10] Dibujando el boceto en un papel y pasándolo luego a un cartón grande (donde marcaba las líneas negras de contorno con cinta adhesiva). Tras lo cual pasaba el dibujo a la parte trasera del lienzo (para que se transparentara lo que había debajo), tras haber aplicado a la tela una imprimatura blanca. Tras haber proyectado el collage sobre la tela, repasaba con óleo el negro y con técnicas magras los colores primarios, y empezada a colorear los puntos a distancia.

[11] Pues desde los 8 años había contraído la enfermedad del Mal de San Vito, provocándole espasmos en las articulaciones, impidiéndole ir a la escuela y requiriendo llenar su tiempo libre con nuevas aficiones.

[12] A la Iglesia de San Juan Crisóstomo, de la cual su familia también era una asidua participante.

[13] Desde su propio taller The Factory, que WARHOL fundó con diferentes sedes en los barrios de moda de New York, y en el que iba reuniendo a cantantes y actores de moda.

[14] Técnica ancestral utilizada por los chinos (para hacer estampaciones sobre papeles de arroz y seda), en la que se hace el dibujo por tricromías:

-untando el papel de betún de Judea,
-creando una pantalla de color blanco, naranja y verde,
-aplicando primero los colores claros, y luego los oscuros,
-dándole un baño de barniz posterior.

[15] Sobre todo de eventos mediáticos, para criticar y dar un nuevo marco a sus ideas culturales (como fue el ejemplo de retratar a JACKIE KENNEDY tras la muerte de JFK, o retratar a MAO TSE TUNG como símbolo de la superpoblación despersonalizada que sufría China).

[16] Sobre todo del grupo Blue Velvet Underground, y su cantante REED, con quienes WARHOL se relacionó constantemente.

[17] Pues hasta entonces el único tipo de arte autóctono había sido el de los indios.

[18] Pues, como él mismo decía, “soy partidario de un arte que debe su forma directamente a la vida, que se tuerce y se extiende, que es pesado, macizo y tosco, dulce y estúpido como la vida”.