VINCENT VAN GOGH
.

Madrid 1 junio 2019
Manuel Arnaldos, historiador de Mercabá

a) Post-Impresionismo

            Quedó patente como fenómeno independiente del Impresionismo en:

-la VII Exposición de Independientes-1884, donde se ve una nueva tendencia en las obras de Signac y Redond[1],
-la VIII Exposición de Independientes-1886, donde se ven nuevas experimentaciones en las obras de Matisse y Van Gogh,
-el De Delacroix al Neo-Impresionismo-1899 de Signac, cuando se sintetiza alguna de las bases teóricas del neo-impresionismo
[2].

            Y es que se trataba de una nueva opción impresionista, con la misma temática de siempre pero exponiendo por separado del Impresionismo oficial[3]. Lo que la crítica empezó a ver con buena recepción pública[4], ya que este nuevo Impresionismo[5] mostraba mayor prudencia que el viejo Impresionismo, sin eliminar líneas ni metiéndose en abstracciones sin sentido.

Tuvo como factores remotos que motivaron su aparición:

-la Guerra franco-prusiana-1870, con final desastroso francés en 1875[6],
-la Comuna de París-1871, que destruyó esculturas y piezas de arte parisinas
[7],
-la crisis espiritual e industrial, de resentimientos sociales y económicos
[8].

            Aunque su factor próximo tuvo que ver con la propia crisis impresionista, desgasta por:

-los comentarios críticos de Zola, muy crítico hacia 1880[9] sobre lo que él antes había defendido[10],
-los escritos de Feneon, en los que informa que otros pintores ya están superando la crisis impresionista,
-las enemistades entre los impresionistas, que dejan de exponer juntos en 1886,
-la huida de impresionistas de París, y su abandono del término “impresionismo”,
-el haber pasado la figura humana a 2º término, para captar mejor la fugacidad de la luz.

            Fue entonces cuando surgió el Post-Impresionismo, de 1886[11] a 1900[12], bajo obras que se vendían en las galerías y tiendas como impresionistas[13], pero que en realidad se habían alejado del fenómeno y estilo de forma total.

            Se desarrolló en colaboración con el belga Grupo de los XX[14], así como las revistas L’Art Moderne y L’Revue Blanche. Así, figuras solitarias como Van Gogh, Cezanne, Gauguin… pudieron convivir durante 20 años.

Hasta que Roger Fry acuñó su término en su Monet y los post-impresionistas-1910, aparte de repasar las ideas post-impresionistas de:

-buscar un método racional, científico y desapasionado,
-provocar emociones y sentimientos,
-recuperar la temática religiosa, histórica, literaria,
-optar por las opciones orientales, primitivas, medievales,
-superar las fronteras francesas, así como el diálogo con la naturaleza,
-armonizar la línea y color
[15],
-liberalizar el color, dejando su función descriptiva en pro de una función expresiva,
-superar las inquietudes del impresionista ojo innato y registrador,
-superar la impresionista luz natural y contemporánea,
-obviar los renacentistas claro-oscuro, volumen, profundidad...

.

b) Pintura post-Impresionista

            Trató de presentar una ordenación meditada del cuadro, manteniendo una preocupación por el volumen, orden, claridad.

            Así, y a diferencia del Impresionismo:

-hace reconocibles las temáticas y motivos,
-elabora las obras en el estudio, y no al aire libre,
-somete la intuición a disciplina,
-convierte la impresión en rigor académico, matemático y normativo
[16],
-precisa y concisa la pincelada,
-distribuye milimétricamente la suma de puntos a pintar,
-elimina los marcos dorados por marcos blancos
[17].

b.1) Ley de colores de Chevreul

            Fue forjada en su Principios de Armonía y Contraste de Colores-1859, experimentada por Seurat para la pintura[18], y en torno a la división de colores en:

-primarios: el rojo, verde, azul, no obtenibles mediante la mezcla de ningún otro,
-secundarios: el naranja, amarillo, violeta, surgidos de la mezcla de 2 primarios
[19],
-complementario: blanco, mezcla de la luz sobre el resto de colores
[20],

            así como entre:

-cálidos: amarillo, naranja, rojo,
-fríos: verde, azul, violeta.

            Parte de la demostración de que el ojo:

-percibe el color de forma diferente, según los colores que lo rodean,
-exige o crea el color complementario, de cada color que está viendo.

Y viene a concluir que la teoría del contraste simultáneo, según la cual los colores influyen entre sí, y crean entre ellos reacciones complementarias:

-armoniosas, si se juntan colores contiguos del círculo cromático,
-contrastadas, si se juntan colores secundarios entre sí
[21].

b.2) Técnica puntillista de Charles Blanc

            Fue forjada en su Gramática de las Artes del diseño-1865, experimentada por Seurat para la pintura[22], y en torno a la idea de que:

-el color está compuesto por una serie de puntos divididos,
-cada punto ha de estar dotado de toda la gama posible de tonos.

            Además, la experiencia enseña que:

-hay relaciones físicas entre los colores,
-las leyes físicas que influyen en cada color son enseñables,
-los matices puros se concentran en torno al centro, en una mezcla de colores,
-la mejor mezcla es la producida en el ojo, que no ensucia el resultado final
[23].

b.3) Efectos psicológicos de Charles Henry

            Fue forjada en su Introducción a la estética científica-1885, en un intento de relacionar estética y leyes de la naturaleza mediante fórmulas pseudo-científicas[24], todas ellas provenientes de la psicología del espectador.

            Así, cada dirección de una línea proyecta un estado sentimental, como se ve en:

-la alegría, producida por colores cálidos, o por líneas derecha-izquierda y abajo-arriba,
-el dolor, producido por colores fríos, o por líneas izquierda-derecha y arriba-abajo.

.

c) Vida de Van Gogh

            Vincent van Gogh (Zundert 1853-Francia 1890) fue el máximo exponente de la pintura holandesa contemporánea[25], realizando más de 900 cuadros en 36 años de vida. Refleja el drama del deseo de infinito, y la necesidad de que la respuesta no sea lejana y sí responda a la vida. Trató de entender la vida y también de disfrutarla.

            Hijo de pastor protestante, aprendió alemán y francés en su infancia, así como los estudios básicos en el Instituto de Zevenbergen. De ahí pasó a la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde aprendió perspectiva y la pintura campesina de Millet[26].

            Durante su etapa en Holanda, de 1869 a 1886, trabajó con su hermano Teo en una compañía de arte de La Haya[27], en un barrio obrero de niños y de ayudante en una librería. Así como hizo labores de misionero protestante, en la zona minera de Bélgica[28]. Se enamora de la prostituta Sien, a quien intenta apartar de la calle haciéndola su propio modelo. Y empieza a componer sus primeros cuadros[29], intentando emular a Rubens[30], aunque todavía con trazos gordos y toscos.

            Durante su etapa en París, de 1886 a 1888, conoce y descarta el Impresionismo, empieza a codearse y discutir[31] con los artistas de la época y descubre las estampas japonesas. Abre sus cuadros a los colores vivos de Delacroix, y aprende los contrastes y la psicología de los personajes. Hasta que esa explosión de sentimientos le lleva a buscar algo más, siempre por él soñado: la luz mediterránea.

            Durante su etapa en Arlés, de 1888 a 1889, disfruta la naturaleza y sol mediterráneo francés, da paseos por los trigueros y mar calmado, y se da cuenta de su verdadero estilo de pintar[32]. El amarillo se convierte en su fuente inagotable de belleza, y empieza a pintar sin regla alguna[33]. Refina sus pinceladas, abandona sus trazos gordos, lleva al límite su fidelidad hacia el motivo y empieza a aportar colores intensos[34].

            Van Gogh no miraba la naturaleza, sino que la contemplaba e interrogaba, desde el contenido que tenía dentro[35]. Trataba que su arte estuviera presente en el lienzo, sin apariencias ni reminiscencias. Siempre necesitaba contemplar lo real[36], para ahondar en su contenido y verdad interior[37]. Hasta que dio en la diana de pintar la oscuridad de la noche mediante el color, y no mediante el negro.

            No obstante, la enfermedad y bebida también seguían su desarrollo. Y eso acabó en locura. Es lo que pudo contemplarse en su propia casa, pintada por él mismo de forma desequilibrada[38]. Hasta que en ella trató crear su propio taller, Gauguin vino a visitarlo[39], lo acuchilló en una pelea[40]… y tuvo que ser internado en un manicomio[41].

            Durante su etapa en Saint Remy, de 1889 a 1890, su internado en el manicomio fue llevado por Van Gogh desde la idea de “vivir sin quejarse”. Su obra adquiere aquí color intenso, así como contrastes entre los colores fuertes y fríos. Añade diversidad de formas, y trata de seguir comprendiendo el sentido y origen de las cosas. Aquí desarrolló 2 tipos de pincelada:

-de trazo curvo, para el cielo,
-de trazo quebrado, a forma de tejido.

            Y empieza a pintar las estrellas, por su “terrible necesidad de religión”[42]. Hasta que en 1890 sufre un nuevo y brutal ataque, con alucinaciones auditivas y tendencias suicidas, y cae en una depresión total de la que no podrá salir. Sus obras, a partir de entonces, copiarán:

-la sencillez campesina, de Millet[43],
-la temática religiosa, sobre imágenes bíblicas
[44] y de Cristo.

.

d) Obras de Van Gogh

Destacó su Tristeza-1882, hoy en la Galería de Arte de Walsall y en la que introdujo:

-temática contemporánea[45].

Destacó su Naturaleza muerta con Biblia-1885, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam y en la que introdujo:

-iconografía cristiana[46],
-inspiración contemporánea
[47].

Destacó su Comedor de Patatas-1885, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam y en el que introdujo:

-temática contemporánea[48],
-personajes contemporáneos
[49],
-autenticidad
[50] y tosquedad[51],
-errores técnicos
[52], pero con intentos de academicismo[53].

Destacó su Mujer en el Café del Tambourin-1887, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam y en la que introdujo:

-personajes contemporáneos[54],
-técnica impresionista,
-inspiración impresionista
[55] y no oriental[56].

Así como su Pedro Tanguy-1887, hoy en la Colección Stavros Niarchos de Atenas y en el que introdujo:

-personajes contemporáneos[57],
-colores vibrantes
[58],
-belleza interior
[59],
-inspiración impresionista y no oriental
[60].

Destacó su Par de Botas-1887, hoy en el Museo de Arte de Baltimore y en las que introdujo:

-temática contemporánea[61].

Así como su Silla de Van Gogh-1888, hoy en la Galería Nacional de Londres y en la que introdujo:

-temática contemporánea[62],
-iconografía personal
[63],
-color pastoso y material,
-luz rústica y total.

Destaó su Dormitorio en Arlés-1888, hoy en el Museo Van Gogh de Ámsterdam y en el que introdujo:

-temática contemporánea[64],
-contornos remarcados doblemente,
-distorsión de perspectiva
[65],
-luz natural
[66],
-duplicidad de todo
[67].

Destacó su Barcas de pesca en Saintes Maries-1888, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam y en las que introdujo:

-temática contemporánea[68],
-precisión realista y de formas
[69],
-pastosidad
[70] de colores vivos[71].

Destacó su Casa amarilla-1888, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam y en la que introdujo:

-temática contemporánea[72],
-color amarillo sulfúreo
[73].

Destacó su Café Nocturno-1888, hoy en la Galería de Arte de New Haven y en el que introdujo:

-temática contemporánea[74],
-personajes contemporáneos
[75],
-contrastes entre colores
[76],
-luz artificial
[77], dentro de la noche.

Destacó su Terraza de Café por la Noche-1888, hoy en el Museo Kroller-Müller de Otterlo y en el que introdujo:

-temática contemporánea[78],
-composición y perspectiva lineal
[79],
-color azul no me olvides
[80],
-luz nocturna
[81] y noche estrellada[82],
-variedad de pinceladas
[83].

Destacó su Trigal verde con Ciprés-1889, hoy en la Galería Narodni de Praga y en el que introdujo:

-homogeneidad interna,
-color expresivo, y no sólo teórico,
-retorcimiento de formas
[84],
-gran movimiento y verticalidad
[85].

Destacó su Noche estrellada-1889, hoy en el Museo Moma de Nueva York y en la que introdujo:

-temática contemporánea[86],
-paisaje contemporáneo
[87],
-énfasis en el color y pincelada.

.

  Act: 01/06/19       @fichas de arte              E D I T O R I A L    M E R C A B A     M U R C I A  

________

[1] Sin un estilo definido, ni exclusivo de una tendencia artística (pues no había jurado ni premios, sino sólo la idea de exponer por libre).

[2] Con temas todavía impresionistas, pero nueva armonía de colores y líneas (que daban mayor orden a la composición).

[3] Con cuyos viejos impresionistas hubo broncas monumentales.

[4] En el aspecto de los paisajes. Pues sus figuras continuaban siendo demasiado rígidas.

[5] Tildado por FENEON como neo-impresionismo, por venir sus artistas del Impresionismo, y significar que técnicamente era algo nuevo, que armonizaba líneas y colores de una forma que el viejo Impresionismo había rechazado (aunque sus temáticas siguiesen siendo las mismas).

[6] Con más de 150.000 franceses muertos y 550.000 prisioneros, a manos de GUILLERMO I DE PRUSIA.

[7] En nombre del gobierno anárquico, que se adueñó de París durante algunos meses, e impuso un régimen caótico en la ciudad.

[8] Que movió a los artistas a una nueva e inquieta experimentación.

[9] Mediante su Obra-1880, novela sobre la vida de MONET Y CEZANNE, en que critica los defectos técnicos de los impresionistas, y la prototipificación de “un loco y fracasado que pinta para hacerse reconocer”.

[10] Pues al principio era muy entusiasta del estilo, y amigo personal de los impresionistas.

[11] Momento de la 8ª y última exposición impresionista.

[12] Momento en que surgen las nuevas vanguardias.

[13] Gracias a los merchantes RUELL, PETIT y VOLLARD, contrabandistas de arte que pagaban precios fijos por todos los cuadros, y luego vendían cada uno de ellos a un precio distinto.

[14] Surgido del rechazo que hizo la Academia de París a 20 artistas, que decidieron desde entonces:

-crear su propio grupo artístico,
-abrir un foro de discusión artística,
-invitar a otros artistas a exponer en sus exposiciones,
-fundar y colaborar con revistas comprometidas con sus ideas.

[15] Idea en la que coinciden los grupos de puntillistas, divisionistas, neo-impresionistas…

[16] Aunque resulte más artificial.

[17] Para romper la idea renacentista de ventana abierta, y hacer del marco parte integrante de la pintura.

[18] Intensificando los colores, para dar mayor brillantez y luminosidad. Pues “un color, al lado de su complementario, se ve más luminoso”, concluía SEURAT (como se ve en el rojo, que al lado de un verde, resulta más intenso).

[19] En la retina del ojo, y no en la realidad. Es lo que ocurre cuando la retina se estimula por un complementario (como se ve en el ejemplo de un punto rojo. Pues si uno lo mira fijamente, y luego vuelve su mirada hacia un folio blanco, éste se ve verde).

[20] Pues la luz de los colores, a una gran velocidad, produce el color blanco (como ya se había visto en los Discos de Newton-1700, un disco con los 7 colores que al girar rápido era visto blanco al completo).

                No obstante, la retina del ojo no es capaz de hacer lo mismo, porque no se mueve a la misma velocidad. De ahí que la pintura de los post-impresionistas sea un intento por acercarse al fenómeno del blanco y la luz a través del resto de colores y colaboración del espectador, pero no lo consiga del todo.

[21] Pues la mezcla de colores no se realiza en el lienzo, sino en la retina del ojo.

[22] Haciendo iguales todas las pinceladas, y reduciéndolas al punto como unidad constante a multiplicar. Y esto de forma sistemática, para aplicar con exactitud las dimensiones cromáticas y tonales (como se veía en el caso de cada punto amarillo cromo, por el que correspondían 2 puntos de azul ultramar).

                No obstante, se trataba de una unidad constante de puntos al principio, pues luego se iba variando dinámicamente la pincelada.

[23] Poniendo la punta del pincel en el lienzo, pero reconstruyendo la imagen por el ojo, desde la distancia.

[24] Para corregir así la estética especulativa y metafísica del Romanticismo.

[25] Tras 100 años de ausencia holandesa en la paleta.

[26] Que fue su verdadero inspirador a lo largo de toda su vida, en los inicios (con sus primeras cabezas de campesinos) y sobre todo en los momentos más dramáticos.

[27] Donde tenía que ir a Londres a exponer los cuadros. En una de las cuales exposiciones fue expulsado por la compañía de arte, al anteponer sus gustos a los gustos de los clientes.

[28] Donde iba a predicar el evangelio, muchas de veces por medio de dibujos (los primeros que hizo VAN GOGH en su vida). No obstante, el fanático religioso de VAN GOGH (que leía libros religiosos sin parar, y se quedaba durmiendo al raso sin nada que comer) hizo que los feligreses le cogieran miedo, así como él fuera enfermando poco a poco de sífilis.

[29] Con 27 años, comprando moldes de yeso y tratando de copiar las esculturas antiguas.

[30] A la hora de utilizar los colores pardos-oscuros de la tradición holandesa.

[31] De forma apasionada, pues VAN GOGH siempre se metía frenéticamente en todo. De hecho, ahí empezó su andadura por el camino de la bebida… que se fue uniendo a sus antiguas enfermedades y carácter poco cuidadoso con la salud.

[32] Y es que, como decía el propio VAN GOGH, “aquí no me hace falta para nada el arte japonés, pues aquí encuentro todo lo que quiero”.

[33] Aunque siempre mostrando las formas lo más exactamente reales que se podía.

[34] No ya para representar imágenes, sino su experiencia de ese objeto. Pues no se trata de colores objetivos o naturales, sino vehementes con el objeto experimentado.

De ahí que no utilice un mismo color para cada cosa, sino que vaya intuyendo en cada caso lo más bello para su interior.

[35] Aunque también buscase la belleza exterior de las cosas, y no sólo sus estados de ánimo. Pero siempre en un plano secundario, pues como él decía “lo que yo veo bello y perfecto en la naturaleza, lo hago aparecer feo y tosco en mis cuadros”.

[36] Salvo cuando hacía viento en Arlés, en que entonces se llevaba la naturaleza a su casa, para pintarla allí.

[37] Pues, como decía él, “la pintura está para ahondar en la verdad de las cosas. Y yo no la invento, sino que la encuentro ya hecha”.

[38] Desde el amarillo sulfúreo de la fachada hasta la última pata de una silla. Y cada cosa con un color distinto, fruto del desequilibrio mental que ya padecía.

[39] Por insinuación de TEO, que saldó las deudas acumuladas por GAUGUIN en sus viajes por el trópico, a cambio de hacer compañía a su hermano VAN GOGH.

[40] Tras haber bebido ajenjo, haberse emborrachado y tirado el vaso a GAUGUIN (que salió corriendo de allí). Tarea que completó VAN GOGH a la mañana siguiente, acuchillando a su amigo para que no se fuera de su compañía, así como acuchillándose él la oreja en un ataque de locura.

[41] Donde fue internado 4 veces:

-en el manicomio de Arlés, cuando apuñaló a GAUGUIN con una navaja. Aquí sólo recibió las visitas de su hermano TEO;
-en el hospital de Arlés, cuando la gente del pueblo pidió intervenir a la policía, ante la locura de manía persecutoria que mostró VAN GOGH. Aquí sólo recibió las visitas de un sacerdote, que le animó a seguir pintando;
-en el manicomio de Auvers, a causa de ataques de epilepsia, y por propia iniciativa;
-en el manicomio de Saint Remy, donde pasó su 4ª y última etapa de su vida, entre la esquizofrenia y desvaríos mentales. Aquí se dedicó a pintar sus últimos cuadros.

[42] Y es que años atrás había rechazado el credo institucional protestante.

[43] Su primer admirador, cuyas obras su hermano TEO le enseñó para animarlo a pintar.

[44] Siempre sobre rescate de personas necesitadas, que salen en los evangelios. Eso sí, siempre copiando las escenas de otros pintores (DELACROIX…), para no recrearlos con su imaginación y mostrar así respeto por la Biblia.

[45] La de una prostituta embarazada que VAN GOGH se encontró en la calle, y con la que compartirá un tiempo de su vida (empezando a sentirse querido, y a descubrir el misterio lejano de la vida).

[46] El libro de Isaías, 53, sobre la profecía del Siervo de Yahveh (pues VAN GOGH se sentía atormentado, al igual que Cristo).

[47] Sobre el Alegría de vivir de ZOLA, que habla de la distancia infinita entre Dios y el hombre, entre el absoluto y la admiración, entre lo lejano y terrible. Y que viene a completar los tormentos religiosos, pues según VAN GOGH la religión “no debe aumentar nuestros sentimientos, sino consolar y aumentar las ganas de vivir”.

[48] El de una cabaña lúgubre, con techo bajo, comida escasa, y sentimiento de solidaridad dentro de la pobreza.

[49] Un grupo de campesinos, honestos, serios, toscos (al comer con las manos), ajenos entre sí y sin diálogo.

[50] Como se ve en el ambiente familiar, servicio reinante, preocupación social… pintando siempre lo que la realidad era para él.

[51] Como se ve en las pinceladas, toscas, sombrías y con luz claro-oscurista. Lo que le trajo muchas críticas negativas, sobre todo por pintar unos rostros que “se parecen más a las patatas que comen los campesinos que a ellos mismos”.

[52] Como se ve en:

-la ubicación de las figuras,
-la conexión de los gestos,
-los brazos cortos, rostros abultados, proporciones deficientes…

[53] De ahí sus 3 ensayos antes de terminar la obra, resultando la obra final más redonda y elíptica que las otras (al permitir la elipsis unificar la ubicación y conexión).

[54] La modelo SEGATORI, que también posó para él, con peinado estrambótico y vestido exótico.

[55] Como se ve en la réplica que hizo de la Bebedora de ajenjo-1876 de DEGAS.

[56] Con la que choca (como se aprecia en las xilografías japonesas que aparecen en la pared).

[57] El marchante TANGUY, a cuya tienda acudían todos los artistas, y también VAN GOGH.

[58] Que consiguen traspasar la superficialidad, intuir el interior humano y darle eternidad.

[59] Basada en la bondad y humanidad, y no en el aspecto exterior.

[60] Con la que choca (como se aprecia en las xilografías japonesas que aparecen al fondo).

[61] La de sus propias botas, con las que pateó París. Temática que trata de hablar de la vida errante y dura de la vida. Una de las cuales muestra la suela naranja sobre fondo azul, y como arañada con sus propias uñas cuando estaba todavía fresco el cuadro.

[62] La personificación de sí mismo (en comparación de la Silla de Gauguin-1888, donde personifica la personalidad de su amigo GAUGUIN).

[63] Como se ve en la caja de cebollas, pipa de tabaco, ambiente tranquilo y familiar…

[64] La de su propio dormitorio, dentro de su casa amarilla de Arlés.

[65] Como se ve en:

-la silla, vista desde lo alto,
-la cama, no paralela a la pared,
-la ventana, cerrada claustrofóbicamente,
-los cuadros, desequilibrados sobre la pared.

[66] Lo único correcto del cuadro, dada la carencia de sombras.

[67] Como se ve en los 2 cepillos, 2 almohadas, 2 sillas, 2 ropas, 2 cuadros.

[68] La de una playa bella (no alegre ni triste), y una barca de pesca en un puerto de la Costa Azul.

[69] Como se ve en las curvaturas de las barcas, entrecruzamiento de mástiles…

[70] A espátula. Pero no a forma de emular a los impresionistas, sino para no dispersar las formas.

[71] Chorreando desde el tubo.

[72] La de su propio casa de Arlés, que había alquilado y donde trató de configurar su propio taller artístico (para fracaso final, pues acabó a puñaladas con los escasos artistas que fueron a visitarle, como GAUGUIN. Pues otros artistas se negaron a ir, como BERNARD o SIGNAC, a pesar de las invitaciones de VAN GOGH).

                Una casa que había sido pintada de amarillo sulfúreo por el propio VAN GOGH, para exteriorizar así sus proyectos internos.

[73] Símbolo del Sol mediterráneo, y de la esperanza de su alma.

[74] La de un bar nocturno de Arlés, que permanecía abierto toda la noche, para punto de encuentro de criminales, locos… Es donde pasaba todas las noches VAN GOGH, cuyo ambiente es aquí pintado como solitario y desesperante.

[75] El dueño del local (con delantal blanco), y una pareja furtiva al fondo.

[76] Entre el rosa tierno y el rojo sangre.

[77] La de las lámparas. Que además van rodeadas por una aureola amarilla, como único punto de esperanza dentro del ambiente general del bar.

[78] La de una terraza en el centro de Arlés, con unas mesas en el velador y viandantes paseando.

[79] No a forma de cuadro-ventana, sino como estando en directo. Lo que consigue poniendo el punto de fuga en el centro del cuadro.

[80] Obtenible de una flor diminuta de la zona, de color azul silvestre oscuro.

[81] Coherente, al mismo tiempo que acogedora y cálida.

[82] Sin una gota de negro, y todo a base de color.

[83] Dependiendo de cada zona representada, y en orden de cercanía al espectador. Lo que da una extraña animación al resultado final.

[84] A forma de torbellinos ondulados, que van definiendo los contornos.

[85] Como se ve en el ciprés, de tendencia vertical hacia el cielo.

[86] La de un cielo estrellado, con el pueblo al fondo. Todo tal y como se veía desde la ventana del manicomio de Saint Remy, donde estaba VAN GOGH ingresado.

[87] Como se ve en:

-el pueblo, dormido,
-la Luna creciente,
-las montañas de la zona,
-el gigante ciprés en primer plano,
-las luces del amanecer,
-la Iglesia de San Martín, con torre exageradamente puntiaguda (por nostalgia hacia su patria holandesa), que penetra en el cielo desde la tierra,
-las 11 estrellas, moviéndose en círculos concéntricos (a forma de ondulaciones espirales que representaban la Vía Láctea), como algo deseado e inalcanzable.