GORKY
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Madrid
, 1 febrero 2021
Manuel Arnaldos, historiador de Mercabá

a) Expresionismo abstracto

           Nació en 1942 en Estados Unidos, cuando llegan noticias del expresionismo alemán y del surrealismo[1]. Se desarrolla en plena Guerra Fría, y convirtió a New York en la nueva París del momento, como ciudad cosmopolita y referencia mundial del arte.

           Fue desarrollado por un grupo de artistas[2], posiblemente protegidos por la CIA[3], que comparten unos mismos preceptos, una conciencia de grupo, y ausencia de una misma formalidad técnica[4].

           Su término proviene del crítico Coates, que en su columna del The New Yorker afirmó que “algunos lo califican como una escuela de manchas y borrones, mientras yo lo considero como expresionismo abstracto”.

           Recibió influencia del:

-cubismo, sobre todo de Picasso,
-surrealismo, sobre todo de Miró,
-psicoanálisis, sobre todo de Carl Jung
[5],
-existencialismo, sobre todo de Sartre
[6],
-muralismo, sobre todo el mexicano,
-Proyecto de Arte federal, que animó a los jóvenes pintores a decorar los edificios neoyorkinos.

           Ejerció influencia sobre muchos movimientos, tales como:

-el arte abstracto post-pictórico,
-el arte de las performances,
-el arte minimalista.

           Su difusión corrió a cargo de los escritos:

-de Rosenberg y Greenberg, que escribieron libros y concedieron entrevistas,
-del The New York Times, que fue publicando desde 1942 las cartas Rothko y Gottlieb acerca de los objetivos del movimiento
[7].

           Así como por las exposiciones:

-del MoMA[8], inaugurado en 1942 por Barr[9],
-de la Galería Art of this century de New York-1942, a cargo de Peggy Guggenheim,
-de la Galería Artistas en el exilio de New York-1943, a cargo de Pierre Matisse.

           Hay 3 tipos de Arte expresionista abstracto:

-expresionismo de la Pintura Acción, donde destacan Pollock y Kooning. Aquí prima el gesto y acción del artista, para luego ser interpretadas;
-expresionismo del Campo de Color, donde destaca Rothko. Aquí lo importante son los paisajes que sinteticen la naturaleza;
-expresionismo de los Independientes, donde destaca Gorky y Kline.

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b) Vida de Gorky

           Pintor armenio americanizado, Arshile Gorky fue hijo de familia emigrada de Rusia[10] a Estados Unidos[11], lugar donde se cambió el nombre[12], ejerció su carrera de arte y se suicidó.

           Ejerció su vida laboral de forma trágica. Convirtió su granero de la granja en su propio estudio, pero un incendio en 1946 destruyó el 90% de su obra y biblioteca. Además, al mes siguiente se le diagnosticó cáncer y fue desahuciado.

           Su obra pictórica quedó plasmada en el único cuadro que sobrevivió al incendio, y que fue trabajando toda su vida desde 1918, año en que se hizo una fotografía con su madre para enviársela a su padre, y ocasión que tuvo Gorky para volcar todos sus sentimientos (pues ese mismo 1918 murió su madre de inación en sus brazos). Para él, el arte era su salvación.

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c) Estilo de Gorky

           Todos los cuadros de Gorky compartían una idea: expresar las verdades eternas, captando lo sublime, aprehendiendo la metafísica, deseando la heroicidad[13].

           Así mismo, rechaza Gorky las técnicas clásicas y su acabado perfecto[14], experimenta las viejas innovaciones de las primeras vanguardias, e incorpora las nuevas técnicas y pinturas comerciales. En ese sentido, explota los aspectos del proceso: gesto, color, textura y forma, por ese mismo orden y con total ferocidad y agresividad.

           Busca ante todo la libertad e individualización, de forma rebelde, franca, inconformista, inmediata e improvisada. Pues así el inconsciente estará libre de la contaminación social, y se podrá pintar de forma inconsciente.

           No obstante, también trata de descifrar los mitos y símbolos colectivos de los que participa el subconsciente colectivo.

           Intenta que el espectador sienta lo que sienten los artistas. De ahí que sus cuadros sean cuadros-terapia[15], registros de una lucha existencial, de una autodefinición personal, de la conciencia de pequeñez humana.

           Utiliza grandes formatos, como mejor medio para magnificar la pequeñez humana. Así las obras podían verse desde lejos, podían impresionar y lanzar desafíos al espectador[16].

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d) Obras de Gorky

           Destaca su Artista y su Madre-1920, imagen conmovedora y representación máxima del amor y nostalgia hacia ella. Trata de emular a los iconos religiosos, como si representara a la Virgen con el niño.

           Así, su madre quedó entronizada como símbolo universal, y él quedó plasmado como oferente con una ofrenda de flores en las manos, para ofrecer a su madre. Contó con cientos de bocetos, siempre con mucho cuidado, y en su diario explicó que echaba de menos poder tocar el mandil de su madre.

           Destaca su Agua del Molino florido-1944, imagen obtenida de la observación de la naturaleza. Se trata de una obra ambigua, la última que pinta y tras haberse ido a vivir a una casa de campo a Virginia.

           Intenta mostrar el estado vital de las plantas e insectos, convirtiéndose en un pintor biomórfico, que da vida a las formas a través de un arte abstracto orgánico. Representa paisajes de la memoria, que reviven de nuevo en su memoria y le dan un sentimiento vitalista.

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  Act: 01/02/21       @fichas de arte            E D I T O R I A L    M E R C A B A     M U R C I A  

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[1] Iniciado por BRETON, en su intento por descubrir los mundos del inconsciente y del subconsciente a través de la escritura, la escultura, la pintura...

[2] Tales como ROTHKO, KOOONING, POLLOCK, GOTTLIEB, GORKY, REINHARDT, KLINE, HOFFMAN, BARNETT NEWMAN...

[3] Pues muchos de ellos emigraron de Europa a Estados Unidos por cuestiones políticas, y no sólo por las económicas o personales. Fue el caso de DALI, ERNST, BRETON, MASSON, TANGUY, MONDRIAN, LEGER, CHAGALL, DUCHAMP, GROPIUS...

[4] Como ellos mismo decían, “estamos de acuerdo únicamente en que somos diferentes”.

[5] Y su teoría del subconsciente colectivo.

[6] Que defendía el vacío, la nada, el hombre actual sin esperanza.

[7] Tales como que su arte era:

-una aventura hacia un mundo desconocido, a ser explorado por quienes estén dispuestos a asumir los riesgos,
-imaginativo, de libre de fantasía y violentamente opuesto al sentido común,
-una simple expresión del complejo mundo del pensamiento,
-impactante en lo inequívoco,
-artísticamente favorable a la planitud, para revelar la verdad y destruir toda ilusión.

[8] Museo de Arte Moderno de New York.

[9] Y en el que se fueron exponiendo sus colecciones pictóricas, fotogramas y diseños industriales.

[10] En cuya niñez había mostrado gran habilidad a la hora de tallar flautas, modelar esculturas de arcilla, pintar desde los 6 años...

[11] A causa de la masacre turca de 1914.

[12] Que en ruso venía a significar Aquiles el Amargo. Pues se dio cuenta de que ser armenio estaba mal visto en Estados Unidos, y así empezó a decir que era ruso.

[13] Siguiendo el modelo de ROTHKO, para el cual “nada me interesan las relaciones cromáticas o formales, ni nada parecido. Pues sólo me interesa expresar las emociones humanas básicas, la tragedia, el éxtasis, la fatalidad”.

[14] Pues prefiere mostrar el proceso al acabado.

[15] Siguiendo el modelo de POLLOCK, quien defendía que “la pintura es un estado de ser, es un descubrimiento de uno mismo”.

[16] Pues “siempre que pintas un cuadro grande estás dentro de él, y ya no es algo que tú controlas”, como decía GORKY y el resto de expresionistas abstractos.