PALACIOS DE FLORENCIA
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Madrid
, 1 julio 2020
Manuel Arnaldos, historiador de Mercabá

           El Renacimiento[1] supuso el momento en que Italia quiso volver a nacer de sus cenizas, tras una Peste Negra-1348 que había sumido al país en la enfermedad, el hambre, la guerra y la muerte, con cataclismos naturales incluidos. Un renacer que quiso llevar a cabo Italia mirando hacia su glorioso pasado:

-haciéndolo cada uno a su manera,
-creando cada escuela su propia interpretación.

           Se trató de un renacer que supuso el nacimiento del estado local italiano, así como abarcó[2]:

-el desarrollo del individuo[3],
-el resurgir de la Antigüedad clásica
[4],
-el descubrimiento del mundo a nivel cultural
[5].

           La Antigüedad ya había sido rescatada y transmitida por la Iglesia a lo largo de 1.300 años. Luego no se trató de un renacer que partía de cero, sino de lo que se había heredado de la Iglesia. Eso sí, la Italia renacentista supo darle una nueva mirada, y entenderla con una conciencia distinta:

Recurriendo a su Filosofía. Y utilizando así sus nociones clásicas[6] para explicar sus ideas cristianas[7]. Proliferaron así las academias de filosofía, pivotando en torno a una Academia platónica de Florencia[8] que tuvo en Plotino[9] a su gran modelo;

Emulando su Arte. Mediante la imitatio y aemulatio de sus obras clásicas, con la intención de superarlas[10]. Y aquí radicó toda la labor de interpretación, que fue más filosófica en unos lugares y más historicista en otros. La arquitectura y escultura, por ejemplo, lo tuvieron más fácil en ese sentido[11], mientras que la pintura necesitó recurrir a los textos para intentar mantener la fidelidad al espíritu clásico[12].

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a) Cultura renacentista

           Los antecedentes de la cultura renacentista hay que buscarlos en el propio s. XIV, cuando las ciudades-estado italianas empezaron a multiplicar las cortes locales, buscando dar solución a sus intereses locales y con una proyección que mejorara el futuro. Para ello, fue fundamental para su despegue la proliferación de las:

-lenguas vernáculas, aún siendo todavía oficial el latín,
-novedades literarias, obra de Dante, Petrarca, Boccaccio, Marco Polo...
-gremios artesanales, y su individualismo profesional,
-exigencias comerciales, de la burguesía y cortes de cada localidad.

           Ya en el Trecento, algunas personas habían sentado precedentes de nuevas modas que desde la literatura y talleres gremiales habían empezado a surgir. En el mundo de la cultura, y sin precedente previo alguno, también vino a consumarse el surgimiento de nuevas modas[13], de la mano de:

-Cennini[14], con rasgos de gestación de un nuevo naturalismo,
-Ghiberti
[15], con una nueva sensibilidad hacia la Antigüedad.

           Con la llegada del Quatrocentto y la generación de Brunelleschi[16], Donatello[17] y Masaccio[18], Italia experimentó cómo un nuevo estilo había empezado a emerger, desde el laboratorio florentino de los experimentos y con los ingredientes de:

-nuevo modo de entender el mundo,
-optimismo en el hombre,
-confianza en la razón.

           Se trató de una cultura que mostró principalmente 3 factores culturales:

Humanismo. Fue el código de conducta del ciudadano, con teoría educativa sobre cómo tenía que ser el hombre. Su centro de pensamiento fue el hombre clásico de Roma, y su modelo Augusto, Cicerón, Quintiliano...

Papel del mecenas. Que empieza a mostrar interés por el arte, como medio de propaganda de su poder político. Hubo competición de mecenas entre sí, y siempre existió en todos ellos el intento de mostrarse como el recogedor y transmisor de la virtus romana clásica, dando ejemplo de ciudadano modélico;

Papel del artista. Es el momento en que surgen las biografías sobre artistas[19], sus comentarios[20] y sus propios descubrimientos[21]. Empieza a aumentar, pues, la consideración del artista, y sus diferencias entre:

-artista de corte, más cualificados[22] y más reclamados por la burguesía,
-artista de gremio, con su trabajo mecánico y manual
[23], forjado en los viejos Trivium y Quadrivium.

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b) Arte renacentista

           Fue iniciado por Brunelleschi y las 2 tablas que hizo sobre el Baptisterio y Plaza Señoría de Florencia, en su intento de hacer ver de los canónigos de la catedral florentina:

-una nueva perspectiva,
-la forma de espejo de cada edificio, hacia el espectador,
-la silueta de la ciudad, sobre el cielo florentino.

           Y fue acabado por Botticelli y sus análisis sobre la perspectiva[24], en su intento por:

-aplicar la geometría euclidea a la visión[25],
-trabajar la línea, la superficie y el volumen.

           Y junto a esta evolución en la práctica artística, y por en medio, el genial Alberti fue modificando todo tipo de teorías, que le llevaron desde el naturalismo inicial hasta la más compleja anatomía humana. Una evolución teórica que llevó a cabo el clérigo y “cerebro” del Renacimiento, expandiendo así el árbol renacentista a todas las ramas de la actividad humana.

           Trató de aplicar así, el Renacimiento, un sistema de leyes geométricas al problema de las representaciones artísticas, mediante la matemática y la geometría. Lo que acabó desembocando en nuevos sistemas de representación, hasta entonces no conocidos.

           Se trató, pues, de ofrecer una nueva perspectiva[26] de las cosas, pero siempre como un redescubrimiento de lo clásico[27] y no como evolución de lo medieval[28]. En ese sentido, la perspectiva empezó a convertirse en:

-lineal, racionalizando la visión, en una búsqueda de experimentación continua,
-aérea, empezando a desarrollarse de la mano de la geometría.

           Por ello, podían construirse espacios ficticios e incluso ilusorios, siempre que éstos resultaran:

-ser convincentes,
-no salirse de la superficie bi-dimensional,
-unificar todos los objetos en un único sistema espacial.

           Como consecuencia, fue generalizada en el Renacimiento la teoría de las proporciones, por la que:

-el ojo tendía a centrarse en el centro, dentro de una línea de horizonte, y a forma de punto de fuga[29],
-a partir del punto de fuga se habían de configurar las ortogonales, formando retículas para la posición de cada objeto.

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c) Catedral de Florencia

           La Cúpula de la Catedral-1420 ya había empezado a ser estudiada desde 1417, decidiendo el colegio de canónigos su encomienda a Brunelleschi, con todo tipo de maquinaria inventada[30] o necesaria para el caso[31].

           Una cúpula que Brunelleschi decidió llevar a cabo mediante el arco apuntado ojival[32], para repartir el peso y reducir la presión hacia fuera. Y con una cimbra circular como andamio, a partir de la cual empezó a diseñar una cúpula[33] de doble casquete[34]:

-de 28 nervios hacia dentro, y 8 hacia fuera,
-anclado todo en una linterna pesada,
-levantando casquete a casquete mediante el aparejo de espina de pez.

           La Puerta Norte del Baptisterio-1401 de la catedral completó los 28 paneles que ya habían sido presentados para el concurso catedralicio de 1401, y que había ganado Ghiberti[35] a juicio del gremio pañero Arte de Calima:

-por sus escenas del AT[36], fundidas en bronce dorado,
-con cada escena enmarcada en un cuadrifolio
[37],
-con composiciones relacionadas con el gótico tardío.

           Estuvo llena la Puerta de imágenes verticales, con curvas, movimiento dinámico, perspectiva lineal, cierta difusión del horizonte, suelo que sale hacia el espectador, arquitectura totalmente clásica, cabezas sueltas que decoran los marcos, personajes clásicos y otros de la época...

           La Puerta Este del Baptisterio-1426 de la catedral fue calificada de “Puerta del Paraíso” por el mismo Miguel Angel[38], y de “belleza suma” por el resto de artistas[39]. Fue esculpida por Ghiberti en bronce dorado perfecto[40], y llevada a cabo con total libertad de ejecución, tratando de distanciarse de la práctica y arte oficial de los gremios.

           Contuvo la Puerta paneles[41] sobre escenas del AT, que producían un gran efecto pictórico[42]:

-saliendo más hacia el espectador, la parte inferior del panel,
-manteniendo un cincelado más suave y difuso, la parte superior del panel.

           Así como paneles sobre los profetas en los laterales, a modo exento. Se trata de una narración histórica[43], que utilizó Ghiberti para:

-evocar las técnicas pictóricas renacentistas,
-colocar espacios arquitectónicos, como telón de fondo digno para lo que hay delante.

           Para lo cual tuvo que emplear el florentino una perspectiva:

-lineal, con 1 solo punto de fuga, en las losas del suelo,
-cuasi aérea, con el fondo casi plano y las extremidades casi exentas
[44].

           Rompía así la Puerta la teoría de las 10 figuras por escena, jugando con la visión del espectador y tratando de educar la manera de ver.

           La escultura de la catedral llenó el interior de la nave catedralicia de piezas sobre los héroes florentinos (Dante, Tolentino, Giotto, Ficino...), aunque con el tiempo fueran trasladadas al Museo Opera del Duomo.

           Destacó su David-1408 de Donatello, en mármol y para la Sacristía de la Catedral[45] (con todo el significado[46] que eso tenía). Una obra que mostraba a un David joven, totalmente anti-medieval, con la cabeza de Goliat a sus pies y una cinta original en la mano derecha, en la que estaban escritos los héroes de la patria.

           Destacó su Zuccone-1423 de Donatello, en piedra y para el Campanile de la Catedral[47]. Una obra que mostraba a un profeta mortificado, con un rostro que se inspiraba en las mascarillas funerarias romanas[48], y con niveles increíbles de incisión. Todo lo cual quedaba arropado por un gran desarrollo en los pliegues.

           Destacó su Cantoría-1431 de Luca della Robbia, en mármol y para la entrada de la Sacristía de la Catedral[49]. Un púlpito para los cantores en el que podía apreciarse:

-más clasicismo que la Cantoría de Donatello[50],
-cantores a lo largo de 2 pisos
[51],
-cierto idealismo augusteo
[52],
-la elegancia romana imperial
[53], pero sin llegar a perder el realismo.

           Destacó su Magdalena penitente[54]-1453 de Donatello, en madera y para el Baptisterio de la Catedral[55]. Una obra que plasmó la etapa más liberal y expresionista de Donatello, mostrando en este caso un cuerpo anciano, vertical, musculoso, sin rasgos humanos, sin dientes y con pelo asilvestrado.

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d) Hospitales de Florencia

           El Hospital de los Inocentes fue construido por Brunelleschi en 1419 para los niños abandonados de Florencia, con la idea de hacer una fachada porticada para la gigantesca plaza.

           Se trata del edificio florentino con mayor perfección de proporciones, al poner el ancho de los arcos con las exactas dimensiones que el alto de las columnas. Así como decoró su espacio interior con cubos perfectamente milimetrados.

           De igual manera, representó la máxima expresión del arte racionalista, permitiendo la fachada la máxima luz y el mínimo peso sustentante, e introduciendo una arquería tan equilibrada y perfecta, que ni siquiera llama la atención.

           El Huerto de San Miguel constituía la sede y granero de los gremios florentinos[56], y el almacén donde éstos guardaban todas sus imágenes. Su forma arquitectónica recordaba a un edificio gótico con forma cuadrada[57], lleno de esculturas del s. XIV que se fueron poniendo encima de hornacinas en los muros.

         Destacó su Mártires escultores-1412, obra de de Nanni di Branco en una compleja composición realista en mármol, en la que 4 escultores van vestidos de romanos republicanos, muestran la vieja virtus romana, y están hablando sobre su castigo por negarse a esculpir a Diocleciano. Incluye:

-señales con el dedo,
-miradas trascendentes,
-pedestal en semicírculo, siguiendo la forma de los pies,
-parte posterior con un paño que se pliega hasta a la túnica de los mártires y las columnas exteriores.

           Destacó su San Marcos[58]-1413, obra de Donatello en 2,5 m. alto, encargada por el gremio de la lana y que mostraba la sandalia clásica, mirada al frente, movimiento en reposo, contraposto[59]...

           Destacó su San Jorge[60]-1417, obra de de Donatello en mármol y símbolo del orgullo de la juventud caballeresca, que vivía sus ideas y mantenía una mirada idealizada en la eternidad. Así mismo, representó al santo en contraposto, con texturas bien acabadas en mármol, relieve en la parte inferior y planos super bajos;

           Destacó su Duda de Santo Tomás-1463, obra de Verrocchio en bronce[61] y en la que se podía apreciar, a lo largo de sus 2 m. de altura.

-una diagonal de fuera hacia dentro[62],
-continuo estado no estático
[63],
-el centro en la llaga de Jesús
[64],
-un Tomás realista
[65] e incrédulo.

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e) Palacios de Florencia

           El Palacio de Médicis fue construido por Michelozzo en 1444 en pleno centro de Florencia, bajo el mecenazgo de Cosme de Médicis[66] y posterior compra del mismo que hizo la familia Riccardi.

           Copió su arquitecto el estilo de Brunelleschi[67], con planta rectangular y:

-patio con columnata, como centro neurálgico,
-jardín trasero enorme,
-arcos de medio punto.

           Su fachada contó con 3 pisos y uno 4º para la cornisa superior, todos ellos con bastimento rústico[68]:

-romano, sin tallaje, rugoso y no liso ni pulido, en el 1º piso,
-rústico suavizado, en el 2º piso,
-sin almohadillado, en el 3º piso,
-clásica corintia, en la cornisa superior.

           El Palacio de Rucellai fue construido por Alberti en piedra caliza, en 1452 y plena efervescencia constructiva[69] florentina, a petición y costeo del rico banquero florentino Rucellai[70].

           Albergó el palacio 3 pisos:

-con superposición de órdenes[71],
-con una cornisa rematadora,
-separados cada uno de ellos verticalmente por medio de pilastras adosadas
[72].

           Así mismo, enfatizó la bi-dimensionalidad, combinando los vanos de las ventanas con los pilares, todo a forma de cuadrado.

           El Palacio de Strozzi fue construido por Sangallo en 1490, para la familia banquera y anti-Médicis de los Strozzi, y bajo la idea de un modelo en madera.

           Contó el palacio con 3 pisos, uno 4º de cornisa, almohadillado rústico (plano y ausente en sus 3 niveles) y arcos de medio punto y capiteles.

           Pero no consistió tanto en un castillo-fortaleza medieval, sino en una edificación promocional, administrativa y educativa de los nobles y grandes familias comerciales.

           Se trató, pues, de “una ciudad en pequeño”[73], “una ciudad en forma de palacio”[74], “un organismo arquitectónico autosuficiente y polifuncional”[75], que tuvo su punto de referencia en el florentino Palacio Pitti de Brunelleschi. 

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f) Tumbas de Florencia

           Destacó la Tumba de Bruni-1444 de Rossellino[76], esculpida en mármol para la Basílica de la Santa Cruz, por encargo de Leonardo Bruni[77]. Una obra que centralizó afanosamente todos los elementos en la esfinge central, dejando en sencillez todo lo demás[78], incluido el arco superior[79]. Innovó las 3 bandas de colores[80], y puso al difunto yacente sobre una losa sujetada por 2 águilas[81], con libro en la mano y panel laudatorio[82].

           Destacó la Tumba de Marsupini-1453 de Settignano[83], esculpida en mármol porfírico blanco para la Basílica de la Santa Cruz, por encargo de Carlo Marsupini[84]. Se trató de un sepulcro en forma de urna, con flanqueamiento de puti (niños) en vez de ángeles, y gran clasicismo[85] y dinamismo, con texto laudatorio incluido.

           Destacó la Tumba del cardenal portugués-1460 de Rossellino[86], esculpida en mármol porfírico rojo[87] para la Iglesia de San Miniato, por encargo de la familia del cardenal[88]. Se trató de una obra con gran unidad decorativa:

-bajo un arco profundo y lleno de rosetones,
-sobre un fondo combinado con el rojo
[89], y una cortina que permitía ver la escena.

           Aludía así la tumba a los viejos panteones romanos[90], introduciendo una iconografía cristiana que:

-centralizó el conjunto en torno a la Virgen del fondo,
-continuó la tradición de los ángeles adultos, adosados al sarcófago,
-mantuvo la innovación de introducir niños
[91].

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  Act: 01/07/20       @fichas de arte            E D I T O R I A L    M E R C A B A     M U R C I A  

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[1] Palabra inventada en el s. XIX para hacer referencia a la renovatio de que se hablaba la época. En concreto, por:

-BALZAC, al referirse a la cultura flamenca post-gótica,
-BURCKHARDT, en su Cultura del Renacimiento en Italia-1860.

[2] Según BURCKHARDT.

[3] Desde un concepto antropocéntrico, y no teocéntrico.

[4] A forma de buscadores de tesoros, libros, ruinas...

[5] Pues antes todo era plano y de oro litúrgico.

[6] Los Diálogos y Banquete de PLATON...

[7] Siendo BOTTICELLI el primero que empezó esta moda renacentista. Así, por ejemplo:

-Venus podía servir para iluminar la belleza terrenal, a imagen de la celestial,
-la simetría clásica podía significar la perfección del universo,
-los desnudos podían mostrar la creación original de Dios...

[8] Fundada en 1459 por el sacerdote FICINO, costeada por los MEDICIS, y forjadora de los grandes talentos florentinos (BOTTICELLI...).

[9] Fundador del neoplatonismo en el s. III (que muy poco después sería cristianizado).

[10] Como ya había enseñado ANGELINI, que en su Tratado de Arte enseñaba a:

-copiar a los grandes maestros, pues algo se pegará (imitación),
-superar lo copiado (emulación).

[11] Pues veían las obras arqueológicas que iban apareciendo.

[12] Como es el caso de:

-los Diez tratados de Arquitectura de VITRUVIO,
-la Historia Natural de PLINIO (editada en latín-1469 y toscano-1476),
-el Corpus Lucianeum de LUCIANO, muy releído en el Renacimiento.

        Es en lo que consistió la exfasis, o descripción de los cuadros a través de los textos.

[13] La moda de que el sabio era un individuo autónomo, que necesitaba conocer todas las artes liberales y de la ciencia.

[14] Continuador de las innovaciones geniales de GIOTTO, destacando su De Artibus-1390, tratado en que abría un abanico de principios técnicos a las nuevas generaciones que iban viniendo, ya en el mismo Trecento.

[15] Fundador del primer gran taller cultural de Italia, educando allí a DONATELLO, MICHELOZZO, UCELLO, MASOLINO, FILARETE… Sus postreros Comentarii-1453 introducirán una valiosísima autobiografía.

[16] Arquitecto italiano, más conocido por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia, de elevada matemática y perspectiva cónica.

[17] Escultor italiano, más conocido por inventar la stiacciato o escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo plano, a forma de relieve aplanado.

[18] Conocido por llevar a la práctica las leyes de la perspectiva científica.

[19] Como los Comentarii-1453 de GHIBERTI, importante autobiografía en la historia.

         Especial e importante será, posteriormente, la Vida de los mejores Artistas-1550 de VASARI, célebre por sus biografías sobre intelectuales italianos, colección de métodos, rumores y leyendas recogidas.

[20] Como los aportados por DANTE en su Divina Comedia.

[21] Como los de FACIO y VINARDI. De hecho, la imprenta facilitó que los libros empezasen a publicarle sin control, pudiendo cada escritor fijarse en lo que quería.

[22] Momento en que entra en todos los niveles el conocimiento científico, tras haberlo hecho antes en la arquitectura gótica.

[23] Lo que les impedía entrar en el mundo de los caballeros, pues habían trabajado con sus manos.

[24] Que llegó a definir como “la ventana a través de la cual el espectador mira para ver el mundo de su interior”.

[25] Donde el ojo del arqueólogo pasa a ser el único punto de vista, el único que fija las proporciones del horizonte y del primer plano. Así, la perspectiva pasaba a ser el verdadero espacio arqueológico, y el arqueólogo el prestidigitador de la imagen.

[26] Forma racional del espacio y de la vista.

[27] Pues en la Edad Clásica la perspectiva significaba humanismo, sabiduría, sistema único racional, y no conjunto relativo de sistemas. Se trataba de una imagen espacial percibida por la vista, pero concebida por la mente.

         De ahí que cuando POLICLETO compuso su canon, pidió opiniones a todos al respecto. Y al final mostró a todos:

-su canon,
-la imagen que entre todos habían ido pactando (para gran risa de todo el público).

         Y es que, decían los griegos, la mente piensa lo que percibe. Luego la reflexión se hace sobre el modo de ver a través del intelecto, y no a través de los ojos. En Roma, por ejemplo, el Jardín de Libia del Museo de las Termas ya incluía la perspectiva aérea, con elementos difuminados al fondo.

[28] Pues en la Edad Media la perspectiva significaba óptica, ciencia de la visión.

[29] Punto de fuga que el Barroco no pondrá en el centro, sino en la esquina superior derecha, dejando vacío del resto.

[30] Lo que hizo a BRUNELLESCHI ser conocido como el Inventor.

[31] Pues el diámetro del crucero era enorme. De ahí que dijera ALBERTI, una vez finalizada la cúpula de Florencia, que ésta podía dar sombra a todo el pueblo toscano.

[32] Para intentar emular la cúpula del Panteón, y relacionar así a Florencia como la nueva Roma.

[33] Cúpula acabada a la muerte de BRUNELLESCHI, y que sería rematada con las pinturas de VASARI y ZUCCARO.

[34] Lo que significaba hacer 2 cúpulas (1 más ligera sobre otra interior), y no sólo 1, construidas sobre andamios circulares, y donde la pesada linterna sostenía el peso.

[35] Y donde había escrito en un epígrafe superior: Opus Laurentii Florentinis.

[36] Salvo las últimas 2 líneas de paneles, que debían representar:

-a los 4 padres latinos, San Agustín, San Gregorio, San Ambrosio, San Jerónimo;
-a los 4 evangelistas, Mateo, Marcos, Lucas, Juan.

[37] Divididos por cuarterones (= líneas esculpidas).

[38] Al considerarlas como las más dignas de estar a las puertas del Paraíso.

[39] Siendo ésta la 1ª vez que se utiliza esta categoría en el Renacimiento, con independencia del tema.

[40] Hoy en el Museo Opera del Duomo de Florencia. Pues lo que aparece hoy en la Puerta Este del Baptisterio es una copia del original.

[41] Pero no sobre cuadrifolio, por deseo personal de GHIBERTI, para dar mayor espacio a las piezas narrativas.

[42] Dado el relieve lleno de texturas y perspectiva.

[43] Donde Rebeca está dando a luz en su cama, Esaú es enviado al campo con sus perros, y Jacob recibe la bendición de Isaac ante la mirada atenta de Rebeca.

[44] Como las metopas del Partenón de Atenas, que tenían los miembros casi quebrados. Se trata de la perspectiva escultórica, cuasi aérea, que dirige los ojos hacia donde el escultor quiere.

[45] Hoy está en el Museo Bargello de Florencia.

[46] DAVID en Florencia simbolizaba al pequeño que podía con el gigante, la figura política que vencía a los enemigos que le rodeaban.

[47] Hoy está en el Museo Opera del Duomo de Florencia (en la Plaza del Duomo de Florencia, que recoge tan sólo las piezas de la Catedral de Florencia).

[48] Donde se resaltaba la virtus romana en su máxima madurez (pues estaba ya muerta).

[49] Hoy, en el Museo Opera del Duomo de Florencia.

[50] Mucho más dramática y suelta en libertad compositiva, recogiendo las máscaras romanas, palmetas griegas, dinamismo que llega al caos de los gritos infantiles... Y que estaba justo enfrente de la de DELLA ROBBIA.

[51] Donde aparecen los niños cantando un salmo (el mismo que aparece escrito en los frontones), pero no gritando (como aparecía en la Cantoría de DONATELLO).

[52] Inspirado en el Augusto del Ara Pacis de Roma.

[53] En las togas sinuosas (de sinus, lit. curva), pliegues caídos, anatomía bajo los pliegues...

[54] Vestida con piel de camello y llorando en una cueva, según cuenta la Leyenda Dorada-1250 del dominico VORAGINE, y según recoge en sus temáticas TIZIANO. Pues María Magdalena se había retirado a vivir a una gruta para vivir en penitencia.

[55] Hoy está en el Museo Opera del Duomo de Florencia.

[56] De ahí la existencia de 14 nichos con elementos y esculturas totalmente distintas (de las que participó también DONATELLO), las últimas 9 de las cuales (de 1423) exaltando escenas guerreras (ante la amenaza del rey de Nápoles sobre Florencia).

         Nichos en los que había participado, antes de la llegada de DONATELLO, el mismo NANNI DI BANCO (máxima promesa florentina, que murió joven y con un par de obras nada más), sobresaliendo sus 4 Mártires escultores, que supuestamente se habían negado a esculpir la figura de Diocleciano.

[57] Hoy conocida como Iglesia San Miguel de Florencia.

[58] Patrón de los pañeros.

[59] 2 pies separados.

[60] Santo que murió mártir en Palestina, en un lugar donde lucha contra un dragón que se comía a las doncellas, y al que vence con sólo mentar a Jesucristo, por medio del cinturón de la doncella.

[61] Hoy está en el Museo de Basílica Santa Cruz de Florencia, aunque en su día fuese hecha y colocada en el Huerto de San Miguel.

[62] Poniendo el pie de Tomás fuera del marco, y a Jesús subido a una tarima.

[63] De ahí el poner a Tomás de lado (aún sin perder el equilibrio).

[64] Que rompe el vestido de Jesús, y se pone en la diagonal descrita para que pueda ser vista por Tomás y por el espectador.

[65] Por sus rizos del pelo.

[66] Cuya familia ya poseía otro palacio, el Palacio Piti de Florencia, como su buque insignia. De ahí que no les preocupara vender posteriormente este palacio de MICHELOZZO a la familia RICCARDI.

[67] Al que COSME I DE MEDICIS no se atrevió a contratar para no dar la imagen de tanta ostentación (pues acababa de volver de su destierro en Venecia).

[68] Pero combinando perfectamente lo clásico, como arquitectura puramente renacentista.

[69] Lo que hizo que ALBERTI, metidos en miles de proyectos simultáneos, encargase la ejecución de obras a su capataz ROSSELLINO.

[70] Gran anti-MEDICIS y pro-STROZZI.

[71] Inspirados en el Coliseum y Teatro Marcelo de Roma, en que se superponen el toscano, dórico, jónico y corintio.

[72] A forma de entablamentos-arquitrabes, imitadores pero alteradores de los órdenes clásicos. Aquí hay que distinguir:

-los pilares, cuadrados y sustentantes,
-las columnas, circulares y decorativas.

[73] Como decía ALBERTI.

[74] Como decía CASTELLONE.

[75] Como se diría hoy en día.

[76] ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos aprendices en las canteras de su padre.

[77] Canciller de Florencia y gran abogado, al servicio del papa INOCENCIO VII en diversos trabajos para el Concilio de Constanza-1411.

[78] Salvo la Madonna con Niño y el León Marzocco (símbolo de Florencia) del tímpano.

[79] Emulador de los Arcos del triunfo de Roma.

[80] Elemento muy repetido en adelante, en los elementos sobre tumbas en la pared.

[81] Por las victorias conseguidas por el canciller.

[82] Sobre el dolor de las musas, por haber perdido a BRUNI.

[83] SETTIGNANO fue famoso por sus esculturas de niños (conocidos como puti).

[84] Canciller de Florencia, venido de la familia gobernadora de Génova, y de gran altura intelectual.

[85] Por sus roleos, hojas de acanto, patas de animal, la venera...

[86] ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos aprendices en las canteras de su padre.

[87] Para aludir al poder de Roma.

[88] Muerto con 27 años y príncipe de Portugal, que estuvo emparentado con todos los nobles europeos.

[89] Mediante la técnica del estofado, o dorado al que luego se le unen las pinturas, con punzón.

[90] Por la forma del sarcófago, y por la inspiración en las máscaras funerarias (para dar suavidad al mármol y variación en los tonos-sombras).

[91] Uno llevando la corona de la vida eterna, y otro llevando la palma de la victoria.