TIZIANO
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Madrid
, 1 mayo 2023
Manuel Arnaldos, historiador de Mercabá

a) Venecia renacentista

Giró en torno a 3 coordenadas generales:

          -El humanismo. Fue el código de conducta del ciudadano, con teoría educativa sobre cómo tenía que ser el hombre. Su centro de pensamiento fue el hombre clásico de Roma, y su modelo Augusto, Cicerón, Quintiliano...

          -El papel del artista. Es el momento en que surgen las biografías sobre artistas[1], comentarios sobre los artistas[2], y propios escritos de los artistas[3]. Empieza a aumentar, pues, la consideración del artista veneciano, y sus diferencias entre:

-artista de corte, más intelectuales[4], y más reclamados por la burguesía,
-artista de gremio, con su trabajo mecánico y manual
[5], forjado en los viejos Trivium y Quadrivium.

          -El papel del mecenas. Que empieza a mostrar interés por el arte, como medio de propaganda de su poder político. Hubo competición de mecenas entre sí, y siempre existió en todos ellos el intento de mostrarse como el recogedor y transmisor de la virtus romana clásica, dando ejemplo de ciudadano modélico.

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a.1) Mirada de Venecia a la Antigüedad

          Ya había sido rescatada por la Iglesia y transmitida por ella misma a lo largo de 1.300 años. Luego no se trató de una Venecia que partía de cero, sino de lo que había transmitido la Iglesia. Eso sí, Venecia supo darle una nueva mirada, y entenderla con una conciencia distinta.

          Fueron tres las formas de mirar a la Antigüedad de Venecia:

          -Imitatio y Aemulatio. Consistiendo imitar en copiar, y emular en superar las obras antiguas[6]. Y aquí radicó toda la interpretación del arte veneciano:

-más filosófico en unos autores,
-más arqueológico en otros autores.

          La arquitectura y escultura lo tuvieron más fácil en ese sentido[7], pero la pintura necesitó recurrir a los textos para intentar mantener la fidelidad al espíritu clásico[8].

          -Academias platónicas renacentistas. Siguiendo la línea marcada por la Academia platónica florentina[9] y Plotino[10].

          -Filosofía clásica, cristianizada. Utilizando la filosofía clásica[11] para explicar las ideas cristianas[12]. Luego el artista veneciano debía estar inspirado por Dios.

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a.2) Nuevos sistemas de representación

          Trataron de aplicar sistemáticamente un sistema de leyes geométricas al problema de las representaciones venecianas:

-mediante la matemática,
-mediante la geometría.

          Se trató de dar una nueva perspectiva[13], pero siempre como un redescubrimiento de lo clásico[14], y no como evolución de lo medieval[15].

          Por ello, podía construirse un espacio ficticio-ilusorio, pero éste tenía que:

-ser convincente,
-no salirse de la superficie bi-dimensional,
-unificar todos los objetos en un único sistema espacial.

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          Como consecuencia, fue generalizada en el Renacimiento la Teoría de las Proporciones, por la que:

-el ojo tiende a centrarse en el centro, dentro de una línea de horizonte, y a forma de punto de fuga[16],
-a partir del punto de fuga se han de pintar las ortogonales, formando retículas para la posición de cada objeto.

Perspectiva de la que ya, a nivel pictórico, Botticelli había sido su principal impulsor[17] (tratando de aplicar la geometría euclidea a la visión[18], así como de trabajar la línea, la superficie y el volumen). Y de la que la arquitectura veneciana supo sacar tajada a forma de intentar hacer ver, como un espejo hacia el espectador, la silueta de los edificios.

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b) Pintura veneciana

          Venecia no pudo desarrollar una gran pintura mural debido a la enorme humedad[19] de la ciudad. Eso sí, la funcionalidad del pintor veneciano fue siempre muy libre.

En Venecia se juntó:

-la técnica del óleo[20], venida de los Países Bajos,
-el soporte del lienzo
[21], preferido por los gremios.

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          Con el óleo se pudo desarrollar lo opaco-trasparente[22] y lo más rugoso-menos rugoso[23]. Se trataba de ir imponiendo:

-la veladura[24], allí donde Bellini y Da Vinci habían sido la avanzadilla,
-la pincelada
[25], tendente a pintar en maccia-manchas[26].

          Con el lienzo Venecia fue evolucionando según fue pintando, alternando evolutivamente las composiciones pictóricas.

          También la luz[27] veneciana influyó en las técnicas desarrolladas:

-como una luz invasora y difuminadora,
-con oscuros sobre claros, en veladura
[28].

          Por último, fue el color la forma con la que pintó Venecia. Se trataba de un colorito[29] sin dibujo previo, “infinito, imposible de explicar con palabras, cuyos colores son bellos en sí mismos y no necesitan un dibujo de contorno previo”[30].

          Venecia trató, pues, da dar importancia al color, más que a la caja-contorno que contiene al color. De ahí la importancia del tono, de cómo colocar ese color.

          Según Boschini, fue Venecia la que alcanzó los 3 grados de perfección[31], pues “la imitación es imposible sin claro-oscuro y sin color, y Venecia supo hacer inseparables el color y la pincelada”[32].

Según Vasari, la pintura veneciana “puede imponer el espíritu a la materia, pero nunca llegar a la perfección, dado que carecía de grabados, maestría y capacidad imitativa”[33].

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c) Vida de Tiziano

          Tiziano Vecelli (Belluno 1485-Venecia 1576), Tiziano fue pintor veneciano conocido como “el Sol entre las estrellas”, y versátil en todo tipo de retratos, paisajes, mitología, asuntos religiosos... Destacó por su color y pincelada suelta y delicada.

          Hijo de militar, fue educado desde los 10 años junto a los hermanos Bellini, por el mosaista Zuccato, trabajando para los papas León X y Pablo III, los Este, Gonzaga, Farnesio, Urbino y la Corte española de Carlos I y Felipe II. Trasladó su espíritu a la Escuela de Bolonia, a Rubens, Caravaggio[34] y resto de pintores del XVI.

          Destacó por su acabado meticuloso, colores brillantes, contornos menos definidos, colores salidos de las líneas, luces difuminadoras de colores. Evolucionó hacia una técnica casi deshecha e impresionista, a base de pasta de color y sin dibujo alguno.

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d) Obras de Tiziano

          Destaca su Madona Gitana-1511, hoy en el Museo Historia del Arte de Viena, donde se muestra:

-recursos ópticos,
-luz coloreada
[35],
-cielos azules de Siena tostada
[36].

          Destaca su Amor Sacro y Amor Profano-1515, hoy en la Galería Borghese de Roma, donde se muestra:

-alegoría del amor religioso[37]-pagano[38],
-motivos clásicos,
-armonía completa, en 2 partes coherentes,
-realismo, y no emotividad sensorial.

          Destaca su Madona con la familia Pesaro-1519, hoy en la Iglesia Sta. Mª Gloriosa de Frari de Venecia, donde se muestra:

-escudo de los Pésaro,
-composición asimétrica,
-dinamismo total y novedoso,
-captación de mirada del espectador
[39].

          Destaca su Baco y Ariadna-1520, hoy en la Galería Nacional de Londres[40], donde se muestra:

-contactos con piezas florentinas,
-éxfasis sobre textos de Catulo,
-lenguaje clásico y estatuario del Laocoonte,
-torsión de cuerpos
[41],
-escorzos pronunciados,
-sensualidad en personajes y pliegues,
-equilibrio en composición y movimientos.

          Destaca su Venus de Urbino-1538, hoy en el Palacio Ducal de Urbino, donde se muestra:

-emulación de la Venus de Giorgione[42],
-mirada de la desnuda hacia el espectador
[43],
-sirvientas en su propio cuarto
[44],
-perspectiva en losetas del suelo y ventanas,
-erotismo y sublimidad, de mujer endiosada.

          Destaca su Familia Vendramín-1540, hoy en la Galería Nacional de Londres, donde se muestra:

-un retrato en una escena,
-importancia por el retrato familiar,
-dignidad de cada retratado,
-familia adorando la reliquia de la Santa Cruz
[45],
-colores ricos,
-sugerencia por la forma
[46],
-organización del espacio
[47] y unidad general[48].

          Destaca su Pablo III con sus Sobrinos-1555, hoy en el Museo Capo dil Monte de Nápoles, donde se muestra:

-ubicaciones de cortina, tronco, mesa[49]...
-escasa definición
[50],
-personajes con actitudes inquietantes
[51],
-poder maquiavélico
[52] y diplomacia inteligente[53].

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  Act: 01/05/23       @fichas de arte            E D I T O R I A L    M E R C A B A     M U R C I A  

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[1] Como los Comentarii-1453 de GHIBERTI, importante autobiografía en la historia del arte.

          Especial e importante será, posteriormente, la Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos-1550 de VASARI, célebre por sus biografías sobre artistas italianos, colección de métodos, rumores y leyendas recogidas, y en las que el artista italiano divide la historia del Arte en 3 etapas:

-la de GIOTTO,
-la de MASACCIO,
-la de DA VINCI.

[2] Como los de DANTE sobre GIOTTO.

[3] Como los de FACIO, VINARDI... De hecho, la imprenta facilitó que los libros empezasen a publicarle sin control, pudiendo cada artista fijarse en lo que quería.

[4] Momento en que entra en la pintura el conocimiento científico, tras haberlo hecho antes en la arquitectura gótica.

[5] Lo que les impedía entrar en el mundo de los caballeros, pues habían trabajado con sus manos.

[6] Como ya había enseñado ANGELINI, que en su Tratado de Arte enseñaba a pintar:

-copiando a los grandes maestros, pues algo se pegará (imitación),
-superando lo copiado (emulación).

[7] Pues veían las obras arqueológicas que iban apareciendo.

[8] Como es el caso de Los 10 tratados de arquitectura de VITRUVIO, la Historia natural de PLINIO EL VIEJO (editada en latín-1469 y toscano-1476), el Corpus Lucianeum de LUCIANO DE SAMOSATA... muy releídos en el Renacimiento. Es en lo que consistió la exfasis, o descripción de los cuadros a través de los textos.

[9] Fundada en 1459 por el sacerdote FICINO, costeada por los MEDICIS, y forjadora de los grandes talentos florentinos (BOTTICELLI...).

[10] Fundador del neoplatonismo en el s. III (que muy poco después sería cristianizado).

[11] Los Diálogos y Banquete de PLATON.

[12] Siendo BOTTICELLI el primero que empezó esta moda renacentista. Así, por ejemplo:

-Venus podía servir para iluminar la belleza terrenal, a imagen de la celestial,
-la simetría clásica podía significar la perfección del universo,
-los desnudos podían mostrar la creación original de Dios.

[13] Forma racional del espacio y de la vista.

[14] Pues en la Edad Clásica la perspectiva significaba humanismo, sabiduría, sistema único racional, y no conjunto relativo de sistemas. Se trataba de una imagen espacial percibida por la vista, pero concebida por la mente.

          De ahí que cuando POLICLETO compuso su canon, pidió opiniones a todos al respecto. Y al final mostró a todos:

-su canon,
-la imagen que entre todos habían ido pactando (para gran risa de todo el público).

          Y es que, decían los griegos, la mente piensa lo que percibe. Luego la reflexión se hace sobre el modo de ver a través del intelecto, y no a través de los ojos. En Roma, por ejemplo, el Jardín de Libia del Museo de las Termas ya incluía la perspectiva aérea, con elementos difuminados al fondo (luego tampoco fue DA VINCI su inventor, sino su copiador).

[15] Pues en la Edad Media la perspectiva significaba óptica, ciencia de la visión.

[16] Punto de fuga que el Barroco no pondrá en el centro, sino en la esquina superior derecha, dejando vacío del resto.

[17] Que llegó a definir como “la ventana a través de la cual el espectador mira para ver el mundo de su interior”.

[18] Donde el ojo del pintor pasa a ser el único punto de vista, el único que fija las proporciones del horizonte y del primer plano. Así, la perspectiva pasaba a ser el verdadero espacio pictórico, y el pintor el prestidigitador de la imagen.

[19] Al igual que sucedió en la pintura flamenca del norte, que renunció al fresco debido a que los colores nunca iban a secarse. Y es que hasta la salinidad influye en la conservación de los cuadros.

[20] Tras GIORGIONE, que fue el que empezó a explorar el óleo, sin llegar todavía al empaste (poner pegotes encima de la pintura).

[21] Con todo tipo de texturas (de espina de pez, del suave terciopelo, de la rugosa madera...), como algo nuevo y que no existía hasta el momento.

[22] Para lo que no se precisaba haber pintado los trazos con anterioridad.

[23] Permitiendo las correcciones, y el rectificar sobre la marcha.

[24] De mucho pigmento y poco aceite.

[25] Surgida al eliminar el contorno.

[26] Surgidas del dibujo a base de carboncillo, y no de pluma. Y es que el carboncillo (trozo de madera carbonizada encima de un fuego) posibilitaba disolver fácilmente la forma trazada. Y esta herramienta fue preferida en Venecia al plumeado (que se dejó para hacer sombras). Nuevas tácticas pictóricas que ya habían sido experimentadas por RAFAEL, cuando empezó a dibujar con la sanguina roja (de óxidos de hierro).

[27] Luz que mostraba una existencia independiente de su reflejo en el cuadro.

[28] Capa delgada de pintura trasparente.

[29] Término que expresaba una forma verbal (lit. coloreando), como la acción de colorear.

[30] Según decían BOSQUINO y PINI.

[31] 1º dibujo, 2º color, 3º composición. Y en el que el dibujo no debe ser sino el esqueleto sobre el que se debía hacer descender la verdadera sustancia de la pintura: el color.

[32] cf. Carta del Navegar Pittoresco de BOSCHINI.

[33] De ahí que VASARI hablara de la técnica veneciana como el resultado de:

-impasto-empaste, a forma de pegote rugoso,
-maccia-mancha,
-il colorito a la veneciana.

[34] Cuya obra fue definida como “oscuridad iluminada por un foco de luz”.

[35] Que da una textura diferente a cada parte y figura.

[36] Conseguidos con una pintura de rojo debajo de él.

[37] Con Venus celeste vestida.

[38] Con Venus terrestre desnuda.

[39] Desde el centro, y como espectador al que reconoce TIZIANO (lo que será copiado después por VERONES y RUBENS).

[40] En su momento, pintada para ALFONSO DE ESTE y su camerino en el Palacio de Ferrara (en el que tenía que hacer compañía a sus Culto a Venus y Bacanal).

[41] A imitación de MIGUEL ANGEL.

[42] A la que TIZIANO despierta, para que nos mire desde un sitio concreto.

[43] Hecho inédito en la historia del Arte.

[44] Elemento de feminidad total.

[45] Pues ésta había llegado al poder de VENDRAMIN en 1369, que inmediatamente la llevó a la Iglesia San Juan Evangelista de Venecia (cayéndose un trozo de la cruz en el canal, tras lo cual quedó suspendida en el aire).

[46] Aunque no llega a delimitarla.

[47] Con 2 grupos de hijos equilibrando la composición.

[48] A pesar de las diferentes miradas de cada personaje.

[49] Pistas de lo que el pintor quiere destacar.

[50] Sin rematar, y con volúmenes construidos a base de luces-sombras, sin líneas.

[51] A nivel de que algo pasa psicológicamente entre el papa PABLO III y sus sobrinos FARNESIO (Alejandro y Octavio). Psicología en la pintura que ya había inventado DA MESSINA.

[52] El de Octavio, que se agacha, con 22 años, y ejemplo de ideal maquiavélico.

[53] La de Alejandro, de 26 años, y ejemplo de cardenal inteligente.