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TIZIANO
. a)
Venecia renacentista Giró
en torno a 3 coordenadas generales:
-El humanismo.
Fue el código de conducta del ciudadano, con teoría educativa sobre cómo tenía
que ser el hombre. Su centro de pensamiento fue el hombre clásico de Roma, y su
modelo Augusto, Cicerón, Quintiliano...
-El
papel del
artista. Es el momento en que surgen las biografías sobre artistas[1],
comentarios sobre los artistas[2],
y propios escritos de los artistas[3].
Empieza a aumentar, pues, la consideración del artista veneciano, y sus
diferencias entre: -artista
de corte, más intelectuales[4],
y más reclamados por la burguesía, -El papel del mecenas. Que empieza a mostrar interés por el arte, como medio de propaganda de su poder político. Hubo competición de mecenas entre sí, y siempre existió en todos ellos el intento de mostrarse como el recogedor y transmisor de la virtus romana clásica, dando ejemplo de ciudadano modélico.
.
Ya había sido rescatada por la Iglesia y
transmitida por ella misma a lo largo de 1.300 años. Luego no se trató de una
Venecia que partía de cero, sino de lo que había transmitido la Iglesia. Eso sí,
Venecia supo darle una nueva mirada, y entenderla con una conciencia distinta.
Fueron tres las formas de mirar a la Antigüedad de
Venecia:
-Imitatio y
Aemulatio. Consistiendo imitar en copiar, y emular en superar las obras
antiguas[6].
Y aquí radicó toda la interpretación del arte veneciano: -más
filosófico en unos autores,
La arquitectura y escultura lo tuvieron más fácil
en ese sentido[7],
pero la pintura necesitó recurrir a los textos para intentar mantener la
fidelidad al espíritu clásico[8].
-Academias
platónicas renacentistas. Siguiendo la línea marcada por la Academia platónica
florentina[9]
y Plotino[10]. -Filosofía clásica, cristianizada. Utilizando la filosofía clásica[11] para explicar las ideas cristianas[12]. Luego el artista veneciano debía estar inspirado por Dios.
.
Trataron de aplicar sistemáticamente un sistema de
leyes
geométricas al problema de las representaciones venecianas: -mediante
la matemática,
Se trató de dar una nueva
perspectiva[13],
pero siempre como un redescubrimiento de lo clásico[14],
y no como evolución de lo medieval[15].
Por ello, podía construirse un
espacio
ficticio-ilusorio, pero éste tenía que: -ser
convincente,
Como consecuencia, fue generalizada en el
Renacimiento la Teoría de las
Proporciones, por la que: -el
ojo tiende a centrarse en el centro, dentro de una línea de horizonte, y a
forma de punto de fuga[16], Perspectiva
de la que ya, a nivel pictórico, Botticelli había sido su principal impulsor[17]
(tratando de aplicar la geometría euclidea a la visión[18],
.
Venecia no pudo desarrollar una gran pintura mural
debido a la enorme humedad[19]
de la ciudad. Eso sí, la funcionalidad
del pintor veneciano fue siempre muy libre. En
Venecia se juntó: -la
técnica del óleo[20],
venida de los Países Bajos,
Con el
óleo se pudo desarrollar lo opaco-trasparente[22]
y lo más rugoso-menos rugoso[23].
Se trataba de ir imponiendo: -la
veladura[24],
allí donde Bellini y Da Vinci habían sido la avanzadilla, Con el lienzo Venecia fue evolucionando según fue pintando, alternando evolutivamente las composiciones pictóricas.
También la
luz[27]
veneciana influyó en las técnicas desarrolladas: -como
una luz invasora y difuminadora, Por último, fue el color la forma con la que pintó Venecia. Se trataba de un colorito[29] sin dibujo previo, “infinito, imposible de explicar con palabras, cuyos colores son bellos en sí mismos y no necesitan un dibujo de contorno previo”[30].
Venecia trató, pues, da dar importancia al color, más
que a la caja-contorno que contiene al color. De ahí la importancia del tono,
de cómo colocar ese color.
Según
Boschini, fue Venecia la que alcanzó los 3
grados de perfección[31],
pues “la imitación es imposible sin claro-oscuro y sin color, y Venecia supo
hacer inseparables el color y la pincelada”[32]. Según Vasari, la pintura veneciana “puede imponer el espíritu a la materia, pero nunca llegar a la perfección, dado que carecía de grabados, maestría y capacidad imitativa”[33].
. c) Vida de Tiziano
Tiziano Vecelli (Belluno
1485-Venecia 1576), Tiziano fue pintor veneciano conocido como “el Sol entre
las estrellas”, y versátil en todo
tipo de retratos, paisajes, mitología, asuntos religiosos... Destacó por su
color y pincelada suelta y delicada.
Hijo de militar, fue educado desde los 10 años
junto a los hermanos Bellini, por el mosaista Zuccato, trabajando para los papas
León X y Pablo III, los Este, Gonzaga, Farnesio, Urbino y la Corte española de
Carlos I y Felipe II. Trasladó su espíritu
a la Escuela de Bolonia, a Rubens, Caravaggio[34]
y resto de pintores del XVI. Destacó por su acabado meticuloso, colores brillantes, contornos menos definidos, colores salidos de las líneas, luces difuminadoras de colores. Evolucionó hacia una técnica casi deshecha e impresionista, a base de pasta de color y sin dibujo alguno.
. d) Obras de Tiziano
Destaca su
Madona Gitana-1511, hoy en el Museo Historia
del Arte de Viena, donde se muestra: -recursos
ópticos,
Destaca su
Amor Sacro y Amor Profano-1515, hoy en la Galería Borghese
de Roma, donde se muestra: -alegoría
del amor religioso[37]-pagano[38],
Destaca su
Madona con la familia Pesaro-1519, hoy en la Iglesia Sta.
Mª Gloriosa de Frari de Venecia, donde se muestra: -escudo
de los Pésaro,
Destaca su
Baco y Ariadna-1520, hoy en la Galería Nacional de Londres[40],
donde se muestra: -contactos
con piezas florentinas,
Destaca su
Venus de Urbino-1538, hoy en el Palacio Ducal
de Urbino, donde se muestra: -emulación
de la Venus de Giorgione[42],
Destaca su
Familia Vendramín-1540, hoy en la Galería Nacional de
Londres, donde se muestra: -un
retrato en una escena,
Destaca su
Pablo III con sus Sobrinos-1555, hoy en el Museo Capo
dil Monte de Nápoles, donde se
muestra: -ubicaciones
de cortina, tronco, mesa[49]...
.
_______ [1]
Como los Comentarii-1453 de GHIBERTI,
importante autobiografía en la historia del arte.
Especial e importante será, posteriormente, la Vida
de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos-1550 de VASARI,
célebre por sus biografías sobre artistas italianos, colección de métodos,
rumores y leyendas recogidas, y en las que el artista italiano divide la
historia del Arte en 3 etapas: -la
de GIOTTO, [2] Como los de DANTE sobre GIOTTO. [3]
Como los de FACIO, VINARDI... De hecho, la imprenta facilitó que los libros
empezasen a publicarle sin control, pudiendo cada artista fijarse en lo que quería. [4] Momento en que entra en la pintura el conocimiento científico, tras haberlo hecho antes en la arquitectura gótica. [5]
Lo que les impedía entrar en el mundo de los caballeros, pues habían trabajado
con sus manos. [6]
Como ya había enseñado ANGELINI, que en su Tratado de Arte enseñaba a pintar: -copiando
a los grandes maestros, pues algo se pegará (imitación), [7]
Pues veían las obras arqueológicas que iban apareciendo. [8]
Como es el caso de Los 10 tratados de
arquitectura de VITRUVIO, la Historia natural de PLINIO EL VIEJO (editada en latín-1469 y
toscano-1476), el Corpus Lucianeum de
LUCIANO DE SAMOSATA... muy releídos en el Renacimiento. [9]
Fundada en 1459 por el sacerdote FICINO, costeada por los MEDICIS, y forjadora
de los grandes talentos florentinos (BOTTICELLI...). [10] Fundador del neoplatonismo en el s. III (que muy poco después sería cristianizado). [11]
Los Diálogos y Banquete
de PLATON. [12]
Siendo BOTTICELLI el primero que empezó esta moda renacentista. Así, por
ejemplo: -Venus
podía servir para iluminar la belleza terrenal, a imagen de la celestial, [13] Forma racional del espacio y de la vista. [14]
Pues en la Edad Clásica la perspectiva significaba humanismo, sabiduría,
sistema único racional, y no conjunto relativo de sistemas. Se trataba de una
imagen espacial percibida por la vista, pero concebida por la mente.
De ahí que cuando POLICLETO compuso su canon, pidió
opiniones a todos al respecto. Y al final mostró a todos: -su
canon,
Y es que, decían los griegos, la mente piensa lo
que percibe. Luego la reflexión se hace sobre el modo de ver a través del
intelecto, y no a través de los ojos. En Roma, por ejemplo, el Jardín de Libia
del Museo de las Termas ya incluía la perspectiva aérea, con elementos
difuminados al fondo (luego tampoco fue DA VINCI su inventor, sino su copiador). [15]
Pues en la Edad Media la perspectiva significaba óptica, ciencia de la visión. [16]
Punto de fuga que el Barroco no pondrá en el centro, sino en la esquina
superior derecha, dejando vacío del resto. [17]
Que llegó a definir como “la ventana a través de la cual el espectador mira
para ver el mundo de su interior”. [18]
Donde el ojo del pintor pasa a ser el único punto de vista, el único que fija
las proporciones del horizonte y del primer plano. [19]
Al igual que sucedió en la pintura flamenca del norte, que renunció al fresco
debido a que los colores nunca iban a secarse. Y es que hasta la salinidad
influye en la conservación de los cuadros. [20]
Tras GIORGIONE, que fue el que empezó a explorar el óleo, sin llegar todavía
al empaste (poner pegotes encima de la
pintura). [21]
Con todo tipo de texturas (de espina de pez, del suave terciopelo, de la rugosa
madera...), como algo nuevo y que no existía hasta el momento. [22] Para lo que no se precisaba haber pintado los trazos con anterioridad. [23] Permitiendo las correcciones, y el rectificar sobre la marcha. [24]
De mucho pigmento y poco aceite. [25]
Surgida al eliminar el contorno. [26]
Surgidas del dibujo a base de carboncillo, y no de pluma. Y es que el
carboncillo (trozo de madera carbonizada encima de un fuego) posibilitaba
disolver fácilmente la forma trazada. Y esta herramienta fue preferida en
Venecia al plumeado (que se dejó para hacer sombras). [27] Luz que mostraba una existencia independiente de su reflejo en el cuadro. [28] Capa delgada de pintura trasparente. [29] Término que expresaba una forma verbal (lit. coloreando), como la acción de colorear. [30] Según decían BOSQUINO y PINI. [31]
1º dibujo, 2º color, 3º composición. [32]
cf. Carta del Navegar Pittoresco de
BOSCHINI. [33]
De ahí que VASARI hablara de la técnica veneciana como el resultado de: -impasto-empaste,
a forma de pegote rugoso, [34] Cuya obra fue definida como “oscuridad iluminada por un foco de luz”. [35] Que da una textura diferente a cada parte y figura. [36] Conseguidos con una pintura de rojo debajo de él. [37] Con Venus celeste vestida. [38]
Con Venus terrestre desnuda. [39]
Desde el centro, y como espectador al que reconoce TIZIANO (lo que será copiado
después por VERONES y RUBENS). [40]
En su momento, pintada para ALFONSO DE ESTE y su camerino en el Palacio de
Ferrara (en el que tenía que hacer compañía a sus Culto
a Venus y Bacanal). [41] A imitación de MIGUEL ANGEL. [42] A la que TIZIANO despierta, para que nos mire desde un sitio concreto. [43] Hecho inédito en la historia del Arte. [44]
Elemento de feminidad total. [45]
Pues ésta había llegado al poder de VENDRAMIN en 1369, que inmediatamente la
llevó a la Iglesia San Juan Evangelista
de Venecia (cayéndose un trozo de la cruz en el canal, tras lo cual quedó
suspendida en el aire). [46] Aunque no llega a delimitarla. [47] Con 2 grupos de hijos equilibrando la composición. [48]
A pesar de las diferentes miradas de cada personaje. [49] Pistas de lo que el pintor quiere destacar. [50]
Sin rematar, y con volúmenes construidos a base de luces-sombras, sin líneas. [51]
A nivel de que algo pasa psicológicamente entre el papa PABLO III y sus
sobrinos FARNESIO (Alejandro y Octavio). Psicología en la pintura que ya había
inventado DA MESSINA. [52] El de Octavio, que se agacha, con 22 años, y ejemplo de ideal maquiavélico. [53] La de Alejandro, de 26 años, y ejemplo de cardenal inteligente. |
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