La Ilustración trató de someter a su dominio todos los aspectos culturales del s. XVII, XVIII y XIX, aparte del resto de aspectos sociales, políticos, económicos y religiosos. No obstante, se trató de un intento que provocó los efectos contrarios, surgiendo por contraposición la Restauración política, la economía capitalista y una religión secular, entre otros.

            En el mundo del arte, ambos movimientos pro y contra ilustrados quedaron plasmados a la perfección, sucediéndose o conviviendo paralelamente. Así, el Impresionismo y post-Impresionismo (por un lado), el Romanticismo y Realismo (por otro)... plasmaron a la perfección una sociedad en la que cada cual se alineaba con sus propias ideas culturales. Incluso la neoclásica Academia de París se hacía la cabeza un lío, al declararse en teoría neutral, por fuera proponiendo una ideología pro-ilustrada, y en el sótano promoviendo los cánones más antiguos.

a) Arte neoclásico

            Surge hacia 1750[1], como “resurgimiento” y “verdadero estilo” que empieza a reflejar, artísticamente, todos los principios del enciclopedismo y la Ilustración. Vino motivado por:

-el cambio ambiental intelectual,
-el nuevo protagonismo de la burguesía,
-la incipiente crítica contra determinados aspectos político-sociales.

            Pronto recibe fuerte influencia de la filosofía de Kant, plasmada en su Crítica a la razón pura-1780.

            Hasta que los discípulos de David, máximo exponente neoclásico, empiezan hacia 1815 a abandonar los principios neoclásicos, dados los desencantos por lo logrado en la revolución francesa.

            Es el momento en que el Neoclasicismo empieza a perder la fuerza y monopolio inicial, y a abrirse paso el nuevo Romanticismo[2]. Pues el resto de artistas empezaron a ver con malos ojos las consecuencias del laicismo y política opresora francesa, y a fijarse en la parte religiosa y social oprimida.

            Con la llegada del movimiento alemán Sturm und Drang[3] de Hamann y Goethe, de fuerza imparable hacia 1830, se dio por perdida la confianza en la razón ilustrada, y se empezó a plantear la vuelta al medievalismo precedente.

a.1) Arte racional

            Perteneció el Neoclasicismo a la corriente de pensamiento que dominó Europa durante el s. XVIII, con base en la razón francesa y ciencia inglesa del s. XVII, y extendida por América en el s. XIX, abarcando las etapas del Antiguo Régimen, Revolución francesa y Revolución industrial.

            Y es que la razón fue la medida limitada que la Ilustración utilizó para someter la realidad. Así, trataron los ilustrados de combatir mediante la razón la ignorancia, superstición y tiranía, pensando que lo suyo desembocaría en un mundo mejor. Intentaron racionalizar todos los aspectos de la vida[4], y sustituir el papel de la religión por una mera ética laica.

            Siguió el camino del hiper-critiquismo, por el que se revisaba todo el pasado y se eliminaba ipso facto todo lo oscuro e irracional que hubiese en él, incluidos gobiernos y sistemas históricos.

            Y para ello fue necesaria la violencia, la revolución. Mediante la guillotina contra todo lo que oliera a medieval, y mediante la luz contra todo lo oscurantista de la época anterior. Pues ambas cosas privaban al hombre de la libertad, y a éste había que dejarle pensar en libertad.

            En resumidas cuentas, se trataba de discutir, analizar y agitarlo todo, desde la metafísica hasta las materias profanas, desde la música a la moral[5]. Y construir así un nuevo mundo, moderno, de progreso infinito, y con la nueva élite social representada… por ellos mismos.

a.2) Arte enciclopedista

            Fue redactado en 1751-75[6], destinada a la burguesía ilustrada, y con la idea de recoger todo el pensamiento ilustrado a nivel:

-informativo, aportando los conocimientos humanos de la época,
-ideológico, bajo el supuesto de rechazo a toda tradición, en nombre del progreso.

            Su publicación fue toda una fuente de inspiración para los artistas, y repercutió hasta en las mismas costumbres de la gente de la calle. Hizo crecer la demanda de libros, las bibliotecas de los pudientes, el deseo de viajar a lugares lejanos[7], la formación juvenil[8], el acceso al arte antiguo[9]...

            Esto supuso una revolución en el mundo del arte e ideales estéticos, y exigió al artista asumir un nuevo papel moralizador. Ya no tenía que reflejar las exigencias religiosas, sino transmitir la nueva educación e ideales ilustrados[10].

a.3) Arte secularizado

            Partió de la percepción puramente material del mundo, con confianza ilimitada en lo que el hombre era capaz de hacer progresar el mundo. Así, todo debía ser reducido a lo sensible, y lo que los sentidos no alcanzaran debía ser destruido.

            Por otro lado, todo lo nuevo era considerado superior a lo antiguo, y Dios dejó de ser necesario para la sociedad, aunque su existencia fuese incuestionable. Se trata, pues, de una cultura neoclásica laica y anticlerical, con rechazo sistemático a la tradición y religión tradicional[11].

            De ahí que la única alternativa a lo anterior fuese la nueva ética utilitarista: el mayor bien para el mayor número posible, a nivel de nueva dialéctica para intentar crear una sociedad de nuevas costumbres.

a.4) Características neoclásicas

            El Neoclasicismo tuvo como precedentes que motivaron su aparición:

-las excavaciones de Sixto IV sobre Roma-1475, y publicación de la finalización de trabajos de Piranesi-1756[12] y Winckelmann-1764[13],
-la apertura de la Academia Arcadia de Roma-1690, con impulso al equilibrio y simplicidad neoclásica[14],
-la expedición sobre Paestum[15] y Pompeya-1748, así como la de Herculano-1754,
-la apertura del Salón de París-1748[16], bianual y con jurado artístico y abierto a todos los públicos.

            No obstante, la nueva estética neoclásica partió del conocimiento razonado y científico de la Roma republicana, a través de la arquitectura humanística de Palladio[17].

            Revisó los antiguos valores formales del arte, tratando de responder con ellos a la nueva sociedad.

            Siguió un modelo de belleza simple, enfrentada de raíz al Barroco y Rococó, dado que éstos seguían significando la corrupción y hedonismo aristocrático[18].

            Primó la línea y contorno sobre el color, pues así se expresaba mejor la razón e inmutabilidad, por encima siempre de lo accesorio y mutable.

            Mostró interés por lo moral y cotidiano, sobre dramas rurales moralizantes[19]. Eso sí, sin lo grosero de lo popular, ni la rudeza de la naturaleza.

            Buscó lo noble y elevado, incluso exótico de Egipto y Etruria, pero sin interés real por ello, y eliminando las pasiones y sentimientos, así como todo lo desequilibrado, frívolo, carente de armonía… por ser estéticamente monstruoso.

            Documentó toda pieza artística con rigor, imitando si era preciso las obras maestras clásicas, a forma de recetas. Era el sofoco de la creatividad, cuya crítica constante hacía de puente entre el artista y su obra.

            Hasta que los propios neoclásicos empiecen a introducir la actitud sentimental hacia ese pasado que imitaban, y empiezan a caer de forma sutil en la melancolía y nostalgia por el pasado. Fue el momento en que la estética de los seguidores de David quedó tocada por el Romanticismo.

a.5) David

            Jacques Louis David (París 1748-Bruselas 1825) fue la cumbre pictórica del Neoclasicismo, y el que mejor concretó sus características teóricas, sobre todo en los años de la Revolución francesa. Tuvo como maestro a Joseph Marie Vien, pintor clasicista que le introdujo en los descubrimientos de Pompeya.

            Viajó a Roma en 1775 tras ganar un concurso pictórico en París. Y allí permaneció hasta 1781, aprendiendo el claroscuro de Caravaggio, el contraste de luces-sombras y la expresividad de las figuras[20].

            Fue el comienzo de su etapa pre-revolucionaria, de 1781 a 1789, comprometida al servicio de los jacobinos, y donde empieza a pintar un futuro ideal basado en el modelo de la Roma republicana.

            En su etapa revolucionaria, de 1789 a 1795, siguió ejecutando el principio de racionalidad, con apego a la medida, orden y ciencia. Participó en la toma de la Bastilla, fue partidario de las ejecuciones jacobinas de Robespierre, y organizó todos los protocolos artísticos de los revolucionarios.

            En su etapa napoleónica, de 1795 a 1825, es rescatado de la cárcel e incorporado a los círculos intelectuales por el escritor Baudelaire. Vuelve a vivir con su mujer, empieza a trabajar con nuevos alumnos, y es llamado para pintar todos los fastos napoleónicos. Imprime un carácter griego a todas sus obras, ve con nostalgia arqueológica todo lo antiguo, e introduce cambios estilísticos, iconográficos e ideológicos[21]. Su obra deja de estar al servicio del pueblo, y pasa a dar culto al emperador[22] a cambio de riquezas.

            Se inspiró David en temas históricos y virtudes morales de la literatura clásica, así como en las anécdotas heroicas aportadas por Plutarco en su Vidas paralelas, sobre personajes de la Antigüedad. Aporta también datos de la escultura clásica, como poses, vestimentas y elementos decorativos.

            Muestra más interés por la temática que por los aspectos visuales y técnicos. Además, trató de hacer que la pintura representara la ética y estética, frente a la corrupción aristocrática y barroca.

            Por último, utilizó David las técnicas de:

-linealidad, mediante contornos marcados,
-colores fríos, subordinados a las líneas,
-pintura relamida, con contornos muy fijados,
-pincelada prieta, con trazos muy juntos los unos a los otros, de forma desapercibida,
-composiciones ortogonales, claras, sencillas y armoniosas,
-recurso a la grisalla monócrama,
-acentuación del volumen, a forma de modulado escultórico,
-movimiento previo y posterior, con fines expresivos y claridad de acción[23].

a.6) Obras de David

            Destaca su Belisario pidiendo limosna-1781, hoy en el Museo de Bellas Artes de Lille, donde se muestra:

-temática noble y edificante[24],
-iconografía clásica[25] y escenografía monumental[26],
-lenguaje despojado y expresivo,
-colores planos y fríos,
-capacidad de conmover al público,
-compromiso por los valores de los pobres,
-piedad en mujer-niño-Belisario, los 3 extendiendo débilmente las manos[27].

            Destaca su Juramento de los horacios-1785, hoy en el Museo Louvre de París[28], donde se muestra:

-temática patriótica extrema[29],
-iconografía clásica[30] y escenografía teatral[31],
-lenguaje narrativo, directo[32] y gesticular[33],
-centro compositivo[34], divisor de 2 ejes simétricos,
-asimetría varones erguidos-mujeres encorvadas[35],
-honor estatal por delante de vínculos familiares[36],
-lealtad al rey y estado, frente a los ambientes convulsos callejeros.

            Destaca su Lictores devolviendo a Brutus sus hijos-1789[37], hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-iconografía clásica[38] y escenografía robusta[39],
-lenguaje denso[40], expresivo[41] y trágico[42],
-centro compositivo[43], divisor de 3 espacios diferentes[44],
-orden medido y racional,
-efectos de la luz[45] y sombra[46],
-cierta volumetría, a forma de relieve,
-honor estatal por delante de vínculos familiares[47],
-momento de devolución de cadáveres, no el momento de la ejecución[48].

            Destaca su Juramento del Juego de pelota-1793, hoy en el Museo Chateaux de Versalles[49], donde se muestra:

-temática contemporánea[50].

            Destaca su Muerte de Marat[51]-1793, hoy en el Museo de Bellas Artes de Bruselas[52], donde se muestra:

-temática contemporánea[53],
-lenguaje simple[54], descriptivo[55] y dramático[56],
-plano primerísimo al espectador, para acentuar la soledad y silencio,
-fondo neutro, de ahogo inerte compositivo,
-paralelismos con la Pietá cristiana[57].

            Destaca su Rapto de las Sabinas-1799, hoy en el Museo Louvre de París[58], donde se muestra:

-temática reconciliadora[59],
-iconografía clásica[60] y escenografía renacentista[61],
-fondo del presente, el de la fortaleza de la Bastilla,
-cierta volumetría[62], a forma de relieve,
-disposición de friso griego, sobre las 3 figuras principales[63],
-multiplicación de detalles griegos[64] y arqueológicos[65],
-momento posterior al rapto,
-protagonismo de la mujer, retomado luego por el romanticismo.

            Destaca su Madame Recamier-1800, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-iconografía imperial[66],
-retrato íntimo[67] y soberano[68],
-arqueologicismo convencional[69].

            Destaca su Napoleón cruzando los Alpes-1805, hoy en el Museo Chateaux de Versalles, donde se muestra:

-temática propagandística, a favor de Napoleón,
-iconografía imperial[70],
-fondo abrupto,
-linealidad, y contornos marcados,
-nostalgia por lo antiguo, de forma convencional y arqueológica.

b) Arte romántico

            Surgió como movimiento cultural a finales del s. XVIII en Alemania[71], y se expandió hacia Reino Unido, Italia y España a inicios del s. XIX. Tuvo como ideal la rebelión contra la razón ilustrada francesa, que había creado estragos y eliminado los sentimientos de la gente popular. Sus maneras y desarrollos fueron distintos en cada país, según cada oposición local a Francia.

            Tuvo dos etapas, según recoge Baudelaire en su Qué es el Romanticismo-1846:

-romanticismo histórico, restaurador del medievalismo,
-romanticismo moderno, experimental con todos los elementos de actualidad.

            Pivotó en torno a una forma de sentir que recogió los temas desdeñados por los modernos, o desconocidos hasta entonces, con la idea de volver a introducir la intimidad e infinitud en el alma humana[72].

            Tuvo como ingredientes:

-los valores medievales, como recurso que se añora y recupera,
-el liberalismo, frente a todo despotismo político ilustrado,
-la conciencia del yo, autónomo y subjetivo, dotado de sentimientos e imaginación,
-la intuición popular, no sometida a condicionamientos intelectuales,
-la mirada ingenua y conmovedora, con la que ha de mirar el artista,
-la sensibilidad, ligada a las vivencias individuales e irrepetibles,
-la sensorialidad, teniendo experiencia de las cosas que se hablan,
-un carácter nacionalista, como clave de lectura de la historia e identidad propia,
-la sobrenaturalidad, única capaz de alcanzar lo no conocido, partes oscuras de la naturaleza, el interior del alma humana,
-la creatividad, o idea del genio creador con su universo propio[73], sin recurrir a la imitación clásica.

b.1) Características románticas

            El Romanticismo fue subjetivo y no homogéneo, en su forma de concebir al hombre y la naturaleza. Se opuso a toda regla estereotipada, y primó la capacidad creativa del artista, sin límite normativo alguno.

            De ahí que tuviera como rasgos pictóricos:

-la vitalidad, frente a la linealidad simétrica,
-lo abofetado, inacabado e imperfecto, frente a toda definición cerrada,
-el dinamismo del trazo, frente al reposo,
-lo sensorial, para estimular al espectador,
-la composición abierta, y expansiva,
-el desprecio por las categorías tradicionales, que habían reducido la pintura al último estrato de las ciencias menores[74].

            En cuanto al concepto de belleza, el Romanticismo supo contar con la vieja fórmula de armonía, canon y virtud[75]. Pero le añade sus dos nuevos atributos, misteriosos y latentes: lo sublime y lo pintoresco.

            Lo sublime fue teorizado por Burke en su Indagación filosófica sobre lo sublime y bello-1757, y viene a resumirse en la búsqueda de lo asombroso, irresistible, inalcanzable, admirable, reverente y respetuoso. Debe ir encaminado a romper los raciocinios y percepciones habituales, y a poner el verdadero centro del universo en la infinitud desconocida[76]. No obstante, también son elementos románticos que excitan la imaginación, según el pensador inglés:

-la atracción por la grandeza,
-el tamaño y anchura de perspectivas,
-los campos abiertos sin cultivar,
-los portentos naturales,
-las grandes empresas, que dilatan el corazón,
-las sorpresas desconcertantes,
-lo que hace sentir estupor, horror y terror[77],
-el gusto por el miedo[78].

            Lo pintoresco fue teorizado por Price en su Ensayos sobre lo Pintoresco-1795[79], y viene a resumirse en la búsqueda de lo novedoso, singular, arcaico, apartado, incivilizado, nunca visitado. Se obtiene por medio de la curiosidad, y explica por qué nos sentimos atraídos por algunos aspectos de la naturaleza, y no por otros.

b.2) Ingres

            Jean Dominique Ingres (Pirineos 1780-París 1867) fue el principal discípulo del neoclásico David, que se separó del ideal moral de su maestro y se incorporó al Romanticismo francés[80]. Trató de llegar, según su credo academicista, al ideal absoluto de la forma atemporal.

            Vivió en Italia desde 1806, viajando por todos sitios y dirigiendo la Academia San Lucas de Roma de 1828 a 1831. Allí fue identificado equivocadamente como una línea rígida y nítida, y nada más. Pues para los académicos italianos:

-el dibujo significaba la razón inmutable y superior,
-el color significaba los sentidos mutables e inferiores.

            Vuelto a París, allí empieza a dar preferencia al color frente al contorno, primando lo transitorio sobre lo universal. Así, se convierte en neoclásico a nivel técnico y de temáticas históricas, y romántico en inspiración, retratos y desnudos.

            Destaca su Napoleón entronizado-1806, hoy en el Museo de l’Armée de París, donde se muestra:

-iconografía imperial[81] y medieval[82],
-la figura de Napoleón, como ejercicio crítico de la autoridad.

            Destaca su Bañista de Valpinçon-1808, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-temática cotidiana neutral[83],
-desnudo contemporáneo[84],
-mínima escenificación[85], sin movimiento ni rigidez,
-marco angosto y ortogonal[86], sin paisaje alguno,
-contornos sin interrupciones,
-anatomías macizas y erróneas[87],
-belleza armoniosa, de línea-color-luz[88],
-claros-oscuros casi imperceptibles[89].

            Destaca su Madame Senonnes-1816, hoy en el Museo de Bellas Artes de Nantes, donde se muestra:

-retrato encargado, no inspirado por su estética[90],
-línea y contornos definidos[91],
-colores claros[92], brillantes[93], transparentes[94],
-rostros ovalados,
-2 puntos de vista[95], mediante el efecto del espejo[96],

            Destaca su Gran Odalisca[97]-1814, hoy en el Museo Louvre de París[98], donde se muestra:

-temática erótica[99],
-desnudo contemporáneo[100] y atemporal,
-línea manipulada y sinuosa, para deformar los cuerpos,
-anatomías macizas y erróneas[101],
-belleza armoniosa, de línea-color-luz,
-influencia oriental, con gusto por lo exótico[102].

            Destaca su Baño turco-1862, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-temática erótica agresiva[103],
-desnudo contemporáneo,
-marco de tondo-medallón,
-líneas yuxtapuestas, para crear varios planos,
-belleza armoniosa, de línea-color-luz,
-escándalo por su epigrafía[104].

b.3) Gericault

            Theodore Gericault (Rouen 1791-París 1824) fue el primero en romper con la tradición pictórica de David. Vivió pocos años debido a un cáncer, y llevó una vida familiar tormentosa.

            Estudió en los talleres de los neoclásicos Vernet y Guerin, y en 1811 ingresa en la Academia de Bellas Artes de París. Su ideología basculó entre el imperialismo napoleónico y la restauración borbónica.

            Tras una visita a Londres, se adentra en el mundo de la litografía, como técnica de expresión sobre la miseria de la ciudad moderna[105].

            En su vuelta a París, se interesa por el color, ofrece una pincelada suelta y da prioridad al color sobre el dibujo.

            Observa directamente el mundo real, con su dinamismo y con la idea de obtener una mirada fresca y dinámica[106].

            También se interesó por una mirada psiquiátrica de los momentos dramáticos de la realidad[107], caricaturizando en adelante los prototipos de envidiosa, cleptómana, ludópata[108]… algo inédito en la época, y sin que nadie supiera porqué lo hizo.

            Destaca su Balsa de la Medusa-1819, hoy en el Museo Louvre de París[109], donde su muestra:

-temática histórica[110] y cronística[111],
-iconografía contemporánea[112],
-marco de escala heroica[113],
-composición piramidal[114], con la cúspide en el horror,
-líneas y contornos definidos[115],
-heroicidad canibalesca[116],
-irracionalidad[117], y no idealismo[118],
-sentimientos de agitación[119] y esperanza lejana[120].

b.4) Delacroix

            Eugene Delacroix (Saint Maurice 1798-París 1863) fue hijo del ministro de exteriores de Francia, y fiel seguidor de la revolución acaecida antes de su nacimiento.

            Estudió en el Liceo imperial de Napoleón, así como por cuenta propia en el taller del neoclásico Guerin. Se inició en el Romanticismo de la mano de Gericault y Gros.

            Conoció la pintura de Veronés, Rubens, Velázquez y Rembrandt en sus visitas al Museo Louvre de París, la literatura de Stendhal, Merimee, Hugo y Dumas de los Salones literarios de París, y la música de Paganini, Chopin, Listz y Schubert por su cuenta.

            Trató de excitar la imaginación mediante lo singular, sublime y placentero, así como con las tinieblas. Y esto mediante la delicadeza de los órganos sensoriales, que hacen ver lo que no se ve, y ver de forma diferente.

            Y es que “el alma debe ser facultada para lo real e irreal”, decía Delacroix. Y la pintura material no es más que el pretexto para hacer de puente al espíritu, y mediar entre el espíritu del pintor y el espíritu del espectador.

            Fue impulsivo, hizo primar el color sobre el contorno, buscó sólo el instante de mayor sentimiento.

            Fue acusado de impreciso, no detallista, falta de pre-meditación compositiva, falta de conexión entre las partes, no pensar reposadamente el cuadro, no destacar claramente los personajes principales.

            Destaca su Masacre de Quios-1824, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-temática histórica[121] y nacionalista[122],
-iconografía contemporánea[123],
-marco rococó[124], para rechine del neoclasicismo,
-línea de luz[125] infinita,
-gama amplísima de colores[126], menos el negro[127],
-paisaje devastado[128], como centro compositivo,
-horror abierto[129],
-visión amoral del mundo[130].

            Destaca su Muerte de Sardanápalo-1827, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-temática legendaria[131],
-un solo plano[132], dentro de una composición caótica,
-color desbordante,
-emociones dramáticas[133].

            Destaca su Libertad guiando al pueblo-1830, hoy en el Museo Louvre de París[134], donde se muestra:

-temática histórica[135] y nacionalista[136],
-personajes contemporáneos[137],
-colores preeminentes, sobre pincelada suelta.

            Destaca su Mujeres de Argel-1832, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-temática cultural musulmana[138],
-personajes contemporáneos[139] y sensuales[140],
-luz cálida y exótica[141],
-ambiente cargado[142].

b.5) Friedrich

            Caspar David Friedrich (Pomerania 1774-Dresde 1840) fue el principal romántico alemán, que impregnó el arte de fe luterana[143] y dio a la naturaleza un sentido místico[144], mediante un simbolismo religioso[145] que envolvía con fuerza todo lo profano[146].

            Mostró en sus pinturas todos los sentimientos y emociones que su religión le impedía expresar, buscando su autenticidad y subjetividad, intimismo y misterio.

            Aislado en sí mismo, logró dotar sus paisajes con una fuerza conmovedora e imaginativa. Pero requirió la imaginación del espectador, a la hora de identificar temáticas ocultas bajo nieblas interminables[147].

            Destaca su Abadía en el Robledal-1809, hoy en el Palacio Charlotemburgo de Berlín, donde se muestra:

-iconografía medieval[148],
-2 planos[149], unidos en 1 punto de vista[150].

            Destaca su Amanecer en las montañas-1810, hoy en la Galería Nacional de Berlín, donde se muestra:

-temática irreal[151], narrada literalmente[152],
-paisaje romántico[153],
-control de la luz[154],
-combinación nitidez[155]-vaguedad de perfiles[156].

            Destaca su Monje frente al mar-1810, hoy en el Palacio Charlotemburgo de Berlín, donde se muestra:

-paisaje romántico[157],
-espectadores ficticios[158],
-infinito irracional[159], sin punto de fuga[160].

            Destaca su Acantilados de Rugën-1818, hoy en la Colección Reinhart de Winterthur, donde se muestra:

-cierta temática contemporánea[161],
-paisaje contemporáneo[162],
-personajes contemporáneos[163],
-2 planos muy diferenciados[164].

            Destaca su Velero-1818, hoy en el Museo Hermitage de San Petersburgo, donde se muestra:

-temática contemporánea[165],
-paisaje romántico[166],
-paso del tiempo, como camino de la vida.

            Destaca su Mar de hielo-1823, hoy en el Museo Kunsthalle de Hamburgo, donde se muestra:

-cierta temática contemporánea[167],
-color nieve, unificador del resto de colores de la vida,
-melancolía[168] y quietud[169].

b.6) Turner

            Joseph William Turner (Londres 1775-Londres 1851) fue el principal romántico inglés, y niño precoz para la pintura cuando apenas tenía 10 años. Elevó a género noble los temas paisajísticos románticos[170], mostrando el agua, viento, tierra, nieve… en su estado más desenfrenado y sublime.

            Tuvo 2 etapas en su carrera, ambos divididos por su decepcionante visita al Louvre parisino en 1800:

-de 1790 a 1800, donde pinta paisajes realistas arquitectónicos de toda Europa, para vender caros sus cuadros,
-de 1800 a 1850, donde introduce la abstracción en su estilo de percepción visual, mediante la experimentación con el color.

            Para él, pues, lo sublime no es la temática sino la aplicación del lenguaje visual. De ahí sus formas vaporosas y constante diluimiento de siluetas[171], y el uso de la acuarela.

            Da importancia vital a la luz, como precursor del Impresionismo, y recrea sobre todo las tormentas, donde varios elementos luchan entre sí.

            Destaca su Última singladura del buque Temeraire-1838, hoy en la Galería Nacional de Londres, donde se muestra:

-temática histórica[172],
-paisaje contemporáneo[173].

            Destaca su Tormenta de nieve y vapor-1844, hoy en la Galería Tate de Londres, donde se muestra:

-paisaje contemporáneo[174].

            Destaca su Lluvia, vapor y velocidad-1844, hoy en la Galería Nacional de Londres, donde se muestra:

-cierta temática contemporánea[175],
-paisaje contemporáneo[176],
-diluimiento de formas[177].

c) Arte realista

            Surgió hacia 1840 como movimiento literario[178] y artístico, tuvo su cénit durante la II República francesa, 1848-1852, y coincidió con los años de rápida prosperidad, crecimiento industrial y la idea de progreso generalizado.

            Lo que fue acompañado por una rápida modificación de las condiciones económicas y sociales, que la misma gente sintió, y que desembocó de la nada algo nuevo, en una nueva clase urbana que sustituyó la vieja clase campesina.

            Hacia 1860 surge, como contrapartida, la nueva clase indigente, y los pintores deciden alinearse de lado de los anarquistas. Fue el final del Realismo.

            Estuvo vinculado el Realismo a la filosofía de Comte, positivista y empírica, y que hablaba de la investigación científica como la única capaz de acceder al conocimiento.

            Así, los conceptos ideales pasados[179] habían de ser sustituidos por la observación directa de los fenómenos naturales, tanto los racionales como los sentimentales[180]. De ahí que se tenga que estar bregando constantemente contra la dualidad humana sentimiento-razón, pues no se mezclen ni caigan en sus propias limitaciones.

            Observación de la realidad que había de ser distante al observador, ya que éste no puede juzgarla sino sólo describirla.

c.1) Características realistas

            Se retrotraen a la pintura flamenca del s. XVII, saltándose así:

-el neoclasicismo academicista, que imponía temáticas fuera de toda actualidad,
-el subjetivismo romántico[181], cuya estética dramática se anclaba en el propio artista y no en la realidad.

            Y a todo ello contribuyó la aparición de la fotografía[182] en 1840, la Sociedad fotográfica de París, y la exposición de retratos fotográficos que Nadar fue haciendo a lo largo de toda la década.

            Para el espíritu realista, se trataba de dar verosimilitud a cosas irreales y no fotográficas, mediante efectos obtenidos de la luz, composición y distribución de figuras, y no tanto a través de presupuestos artísticos plásticos... ni tampoco como simulacro de la realidad.

            Además, había de acercarse el arte a los temas actuales de la ciudad, del campo, indigencia, negocios… sin esquivar ninguna realidad por muy noble o grosera que fuera[183].

            A nivel pictórico, se rechazan los ideales de belleza y santidad, dada su inutilidad. Pues el objetivo es enseñar al hombre a mejorar día a día, a través de la experiencia cercana y cotidiana, de sus trabajos cívicos y domésticos, de su naturaleza y hábitos propios, gestos y actitudes particulares… y no de modelos prefijados.

            Se trata de pintar lo que existe alrededor, en sus diversas formas de crónica histórica, caricatura social, compromiso político… pero nunca como una imagen mimética de la realidad.

            De ahí que no se pueda considerar un estilo uniforme, sino integrante de dos grupos:

-realismo costumbrista, de escenas amables, pintorescas, de la vida cotidiana[184],
-realismo social, comprometido con la política, contestación, socialismo de Foullier y Marx[185].

c.2) Millet

            Jean François Millet (Gruchy 1814-Barbizon 1875) fue el fundador del realismo rural a través de su Escuela de Barbizon[186], recogedora de artistas parisinos[187] en los alrededores rurales de Fontainebleau.

            Nació y murió campesino, sin entrar nunca en las revueltas anarquistas. Y eso le hizo pintar la realidad de una manera sosegada, estática, ruda, atenta y para nada idealizada, casi siempre sobre campesinos realizando sus actividades agrícolas.

            Destaca su Espigadoras-1857, hoy en el Museo d’Orsay de París[188], donde se muestra:

-temática contemporánea[189],
-personajes contemporáneos[190],
-anatomías robustas,
-colores terrosos y opacos,
-impacto realista[191], místico[192] y acrítico[193].

            Destaca su Angelus-1859, hoy en el Museo d’Orsay de París[194], donde se muestra:

-temática contemporánea[195],
-personajes anónimos[196],
-anatomías robustas,
-colores terrosos y opacos,
-impacto realista[197], místico[198], religioso[199] y acrítico[200].

c.3) Courbet

            Gustave Courbet (Ornans 1819-Suiza 1877)   fue el fundador del realismo urbano, el primero en aplicar las consecuencias de la fotografía[201], y el primero en aplicar grandes formatos a los picapedreros, lavanderas, entierros… y todo tipo de temáticas nunca objeto de tales dimensiones en el Arte.

            Fue socialista y republicano hasta su muerte, participando en su vejez en la Comuna de Insurrección política de París-1871[202].

            Pero no subordinó el arte a su compromiso político, y presentó su propio proyecto a la Exposición internacional de París-1855, el cual fue rechazado. Lo que hizo que en adelante creara su propia y subversiva Exposición Realista, compuesta por 43 obras suyas y un tríptico explicativo de su rebeldía[203] y forma de pintar[204].

            Centró sus temáticas en el compromiso por la vida cotidiana, ideología trabajadora y momento contemporáneo[205]. Se ciñó en todo momento a lo concreto, lo que se puede ver y tocar, lo que existe y late[206].

            Huye, así mismo, de las alegorías clásicas y dramatismo romántico, pues ambas carecen de función social y contemporánea[207].

            A nivel técnico, dio protagonismo al espesor matérico[208], el cual debía ser tangible y no ilusorio, utilizando la espátula si era necesario[209].

            Los colores debían ser estridentes, pesados, saturados y poco traslúcidos, aplicando mucho color con poco aglutinante.

            Destaca su Picapedrero-1848, de la Galería de Arte de Dresde[210], donde se muestra:

-temática contemporánea[211],
-iconografía contemporánea[212],
-distanciamiento pintor-lo pintado[213].

            Destaca su Entierro en Ornans-1850, hoy en el Museo d’Orsay de París[214], donde se muestra:

-temática contemporánea[215],
-iconografía atea[216],
-personajes contemporáneos[217],
-colores agresivos y materia pictórica tangible.

            Destaca su Estudio de pintor-1854, hoy en el Museo d’Orsay de París[218], donde se muestra:

-temática contemporánea[219],
-iconografía contemporánea[220],
-personajes contemporáneos[221],
-alegoría de 7 años de su vida, excepción en su obra[222].

c.4) Daumier

            Honoré Daumier (Marsella 1808-Valle del Oise 1879) fue el fundador del realismo satírico, pues para él la pintura no tenía por qué representar mimética ni fielmente la realidad, y sí representar críticamente la realidad.

            Pintó caricaturas para el periódico republicano La Caricatura, y litografías[223] personales por propia cuenta. Todas sin tapujos[224] y con efectos sorprendentes, obtenidos del juego de graduación de los colores, como el blanco intenso, negro aterciopelado, gris plateado…

            Creó su propia Asociación de Amigos en 1834, criticando de manera cotidiana la estupidez del Parlamento de París e hipocresía de Luis Felipe de Orleans, así como la apariencia de un progreso que dejaba de lado a algunos, e imponía una vida penosa a muchos.

            Destaca su Refugiados-1852, hoy en el Palacio Petit de París, donde se muestra:

-temática contemporánea[225],
-personajes anónimos[226],
-manchas de color[227].

            Destaca su Vagón de tercera-1862, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde se muestra:

-temática contemporánea[228],
-personajes caricaturizados[229],
-línea firme y antiacadémica[230],
-crítica[231] y posicionamiento subjetivo[232].

d) Arte impresionista

            Fue el tronco de donde nacieron las vanguardias modernas, a nivel:

-social, mirando modernamente al hombre[233], y su actualidad fugaz;
-artístico, rompiendo el equilibrio tradicional entre temática[234] y aspectos formales[235], y mostrando con claridad lo que la pintura es: pigmento colorido sobre una superficie.

            Estudia el Arte clásico, pero superficialmente. Además, rompe oficialmente con el criterio institucional y política de exposiciones de la Academia de Arte, inclinándose por el gusto minoritario y desafiante. Es el comienzo de la nueva forma de exponer, y de la compra-venta especulativa del Arte.

            Sus obras se dirigen a un público urbano burgués, necesitado de impresionar a la opinión, fugaz por su libertad de movimientos, sin caracterizaciones sociales, necesitado de apariencias inmediatas, que quería verse reflejado en sus obras.

            No obstante, también los extrarradios urbanos comienzan a llenarse de gente, la más pobre[236], y a estar unida al centro mediante el ferrocarril. Va a ser la cantera mayoritaria de artistas del mundo impresionista.

            Y en medio de este mundo de la apariencia urbana, solitario e indefinido, la naturaleza pasa a convertirse en la arcadia ideal, el sueño feliz al margen de los efectos industriales, lugar académico buscado por los ciudadanos a las afueras de la ciudad, descanso estival a tanto ajetreo diario.

            Los artistas impresionistas fueron sistemáticamente rechazados por la Academia de Arte de París, y criticados ferozmente cuando exponían alguna obra en el Salón de París.

            De hecho, hubo artistas que, pese a su total impronta impresionista, no quisieron alinearse dentro del Impresionismo[237], y el movimiento en cuanto tal nunca estuvo organizado.

            De ahí que su único nexo de unión fuese el rechazo a la Academia de Arte, a su monopolio artístico y estatal, y al motivo de su exclusión: la falta de técnicas académicas[238].

            Así, todos esos rechazados empezaron a reunirse en el Café Guerbois de Montmartre, y a analizar las críticas feroces que sobre ellos vertían[239]. En 1873 deciden crear la Sociedad anónima de Pintores, integrada por Morison, Monet, Renva y Pisagau. Y en 1874 comenzaron a aglutinar exposiciones impresionistas en el taller del fotógrafo Nadar, bajo el título de Exposición de los Independientes[240].

            Se trataba de un cauce impresionista no definido, sino sólo establecido, para burlas oficiales de los críticos del Arte[241].

d.1) Características impresionistas

            Procede su término de la obra Impresión del Sol Naciente-1872 de Monet, así como de la crítica negativa que le vertió Louis Leroy en 1874[242]. No obstante, para el autor de la obra la pieza representaba:

-lo inmediato a los sentidos, sobre lo que el ojo no sabe sino ve,
-la fugacidad de la escena, aunque la pieza pareciese no acabada,
-la espontaneidad artística, por encima de los cálculos elaborados.

            Tras la invención del término, muchos críticos continuaron utilizando el término en un sentido peyorativo, dándole el sentido de “percibir algo durante un instante, sin tiempo para que el ojo perciba los detalles”[243]. A lo que los impresionistas respondían con un sentido positivo, el de “salvar la 1ª mirada[244] y pintarla con frescura, aunque cueste desesperación”.

            No obstante, también fueron elementos modernos asumidos por los impresionistas:

-la pintura al aire libre,
-lo inacabado,
-la sensación de un motivo, por encima del motivo mismo,
-la búsqueda de pintura espontánea,
-la vida contemporánea,
-la elección de temáticas sin tema,
-el color, por encima del dibujo,
-los cambios atmosféricos,
-la invención de la fotografía, evidenciadora de contrastes,
-los grabados de los ultramarinos japoneses, a nivel compositivo.

            No buscaron los impresionistas representar una realidad, sino ofrecer la impresión general del ojo, que no tiene conciencia de lo que significan las cosas, que da primacía a las sensaciones sobre los objetos.

            Y es que el concepto de ojo natural[245] es lo que explica el Impresionismo. Lo que hace que la pintura dependa de la mirada del pintor, y no de la realidad en sí[246]. O que se evite recrear las sensaciones táctiles o prismáticas.

            De ahí que las vibraciones coloreadas infantiles sean las buscadas a la hora de pintar[247]:

-olvidándose de los cuadros académicos y educación visual escolar,
-buscando el aire libre, y no los 40w de la luz artificial.

            La pincelada fragmentada impresionista, pues, responde a esa búsqueda de vibraciones coloreadas. Debe dejar por olvidada toda pincelada académica[248], así como toda huella material de la ejecución[249]. Así como ha de hacer vibrar los colores, y recomponerlos en la distancia según sus tonalidades.

            La gama de colores debe ser clara, basarse en la paleta espectral del arco iris[250], no mezclar los colores en la paleta, y dejar de ejecutar el contraste luces-sombras en base al blanco-negro[251]. Se trata, pues, de:

-colorear, de forma intuitiva[252],
-representar la luz, de forma empírica[253].

d.2) Manet

            Edouard Manet (París 1832-París 1883) fue el nexo de unión de los impresionistas, a pesar de no gustarle la naturaleza, adorar la pintura pasada y no pintar fuera de su estudio. Pero fue elegido por los impresionistas como su representante.

            De familia alta burguesa, aprendió a pintar a espaldas de su padre y de la mano del académico Couture, que le introdujo en el realismo de Courbet[254].

            Quería triunfar en el Salón de París y en los parámetros oficiales del Arte, y para eso viaja por toda Europa y aprende las grandes obras maestras. No obstante, fueron sus obras rechazadas por la Academia parisina, a partir de 1860.

            Destaca su Almuerzo campestre-1863, hoy en el Museo d’Orsay de París[255], donde se muestra:

-desnudo contemporáneo[256],
-personajes contemporáneos[257],
-técnica impresionista[258],
-factura burda[259], en comparación al Almuerzo campestre de Tiziano[260].

            Destaca su Olimpia-1865, hoy en el Museo d’Orsay de París[261], donde se muestra:

-iconografía satánica[262],
-desnudo contemporáneo[263],
-anatomías erróneas[264] y planas[265],
-técnica impresionista[266],
-simulacro de realidad[267],
-factura burda[268], en comparación a la Venus de Tiziano[269].

            Destaca su Taller de Batignolles-1870, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-personajes contemporáneos[270].

d.3) Monet

            Claude Monet (París 1840-Giverny 1926) fue el máximo representante del Impresionismo, al saber contenerse y no introducir en el mundo de la abstracción su experimentación sobre la luz y color.

            Fue animado a la pintura por su amigo y paisajista Boudin, que le llevó al mar[271] y allí le enseñó a pintar al aire libre. Tras lo cual se matricula en la privada Escuela suiza de Jongkind, donde aprende a educar la mirada. Recibió, además, influencia de la realista Escuela de Barbizon[272], donde aprende a pintar paisajes en diversos formatos.

            Con la llegada de la III República francesa en 1870, pasó a convirtirse en autodidacta, haciendo caricaturas para ganar dinero, y grandes formatos con la falsa esperanza de ser aceptado por el Salón de París[273].

            Muerta su mujer en 1879, Monet se traslada a Normandía, y ya no volverá a pintar figuras humanas ni animales sino edificios, acantilados, nenúfares[274] y paisajes[275]. Hasta que se vuelve a casar con una modelo[276] y, por intercesión de Durand-Ruell[277], empieza a tener éxito expositivo en New York[278].

            Mostró siempre una pincelada relajada y abierta a la cultura e ideas del momento, aunque siempre sin teorizar su propia teoría.

            Destaca su Desayuno sobre la hierba-1865, hoy en el Museo d’Orsay de París[279], donde se muestra:

-temática contemporánea[280],
-personajes contemporáneos[281] y gigantes[282],
-técnica impresionista[283].

            Destaca su Camille-1866, hoy en la Galería de Arte de Bremen[284], donde se muestra:

-personajes contemporáneos[285],
-técnica impresionista[286].

            Destaca su Mujeres en el jardín-1867, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-personajes maniquís[287],
-técnica impresionista[288],
-luz desbordante[289].

            Destaca su Terraza de Sainte Andresse-1867, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde su muestra:

-técnica impresionista[290],
-luz sutil[291] y cambiante,
-naturaleza cambiante[292],
-superficialidad[293], anuladora de la profundidad[294],
-influencia de la xilografía japonesa[295].

            Destaca su Pífano-1867, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-anatomías erróneas[296] y planas[297],
-factura errónea, respecto al Pablo de Valladolid de Velázquez[298].

            Destaca su Balcón-1868, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-personajes contemporáneos[299], en forma irreal[300],
-técnica impresionista[301],
-factura acorde al Majas en el balcón de Goya.

            Destaca su Estanque de ranas-1869, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde se muestra:

-temática contemporánea[302],
-personajes contemporáneos[303],
-materialidad del agua[304].

            Destaca su Ferrocarril-1873, hoy en la Galería Nacional de Londres, donde se muestra:

-color exuberante,
-técnica impresionista[305],
-varios encuadres en un mismo cuadro[306].

            Destaca su Boulevard de los Capuchinos-1873, hoy en el Museo Atkias de Missouri, donde se muestra:

-personajes aislados, con impresión de conjunto[307].

            Destaca su Estación de San Lázaro-1876, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde su muestra:

-ejes de simetría[308], para dar superficialidad,
-personajes emergiendo de de los ejes,
-luz que fusiona arquitectura[309]-atmósfera[310].

            Destaca su Bar de Folies-Bergere-1881, hoy en la Galería Courtland de Londres, donde se muestra:

-personajes contemporáneos[311],
-iconografía contemporánea[312],
-colores sensacionales,
-técnica errónea[313].

            Destaca su Villas de Bordighera[314]-1884, hoy en el Instituto de Arte de Chicago, donde se muestra:

-luz brillante y diferenciada.

            Destaca su Ninfeas, armonía verde[315]-1899, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-naturaleza repleta de flores.

            Destaca su Parlamento de Londres[316]-1902, hoy en la Galería Nacional de Washington, donde se muestra:

-formato monumental,
-luz[317] de Sol traspasado en la niebla,
-tejido de colores abstracto,
-agua que lo refleja todo.

            Destaca su Sendero en el jardín del artista[318]-1902, hoy en la Galería Belvedere de Viena, donde se muestra:

-colores naturales estacionales[319].

            Destaca su Nenúfares, paisaje acuático y nubes-1903, hoy en una Colección particular, donde se muestra:

-pintura reflejo, en el horizonte[320] y árboles[321],
-luz de efectos e impresión directa.

            Destaca su Crepúsculo en Venecia[322]-1908, hoy en el Museo de Arte de Tokio, donde se muestra:

-tejido de colores abstracto.

            Destaca su Estanque de nenúfares-1920, hoy en el Museo l’Orangine de París, donde se muestra:

-espacio reconstruido artificialmente,
-figuras diluidas al máximo[323],
-colores descompuestos.

d.4) Renoir

            Pierre Auguste Renoir (Limoges 1841-Niza 1919) imprimió carácter amable y placentero a sus telas, tratando de hacer de la pintura algo alegre y bello.

            No obstante, tuvo una trayectoria fluctuante, pintando como Monet cuando estaba con él, y pintando como otro opuesto cuando estaba con el otro. Y pesó demasiado sobre él la tradición, y eso le impidió dar pasos adelante.

            Comenzó decorando abanicos y piezas artesanas. Hasta que pasó en 1873 a pintar desnudos femeninos al aire libre, de forma clásica y con pincelada algodonosa.

            Destaca su Estudio, torso y efecto del Sol-1875, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-formas fragmentadas[324],
-luz natural, filtrada[325] e irregular[326],
-colores claros en la piel[327] y locales modificados[328].

            Destaca su Baile en Le Moulin de la Gallette-1876, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-marcos que recortan figuras, para dar instantaneidad,
-personajes divirtiéndose, de cerca,
-combinación de luz y color.

            Destaca su Almuerzo de los Remeros-1881, hoy en la Colección Phillips de Washington, donde se muestra:

-temática contemporánea[329],
-personajes contemporáneos[330].

e) Arte post-Impresionista

            Tuvo su precedente en el Neo-Impresionismo, puente entre el Impresionismo y el Post-Impresionismo, tal y como quedó patente en:

-la VII Exposición de Independientes-1884, donde se ve una nueva tendencia en las obras de Signac y Redond[331],
-la VIII Exposición de Independientes-1886, donde se ven nuevas experimentaciones en las obras de Matisse y Van Gogh,
-el De Delacroix al Neo-Impresionismo-1899 de Signac, cuando se sintetiza alguna de las bases teóricas del neo-impresionismo[332].

            Y es que se trataba de una nueva opción impresionista, con la misma temática de siempre pero exponiendo por separado del Impresionismo oficial[333]. Lo que la crítica empezó a ver con buena recepción pública[334], ya que este nuevo Impresionismo[335] mostraba mayor prudencia que el viejo Impresionismo, sin eliminar líneas ni metiéndose en abstracciones sin sentido.

            Tras lo cual, el Post-Impresionismo tuvo como factores remotos que motivaron su aparición:

-la Guerra franco-prusiana-1870, con final desastroso francés en 1875[336],
-la Comuna de París-1871, que destruyó esculturas y piezas de arte parisinas[337],
-la crisis espiritual e industrial, de resentimientos sociales y económicos[338].

            Aunque su factor próximo tuvo que ver con la propia crisis impresionista, desgasta por:

-los comentarios críticos de Zola, muy crítico hacia 1880[339] sobre lo que él antes había defendido[340],
-los escritos de Feneon, en los que informa que otros pintores ya están superando la crisis impresionista,
-las enemistades entre los impresionistas, que dejan de exponer juntos en 1886,
-la huida de impresionistas de París, y su abandono del término “impresionismo”,
-el haber pasado la figura humana a 2º término, para captar mejor la fugacidad de la luz.

            Fue entonces cuando surgió el Post-Impresionismo, de 1886[341] a 1900[342], bajo obras que se vendían en las galerías y tiendas como impresionistas[343], pero que en realidad se habían alejado del fenómeno y estilo de forma total.

            Se desarrolló en colaboración con el belga Grupo de los XX[344], así como las revistas L’Art Moderne y L’Revue Blanche. Así, figuras solitarias como Van Gogh, Cezanne, Gauguin… pudieron convivir durante 20 años.

            Hasta que Roger Fry acuñó su término en su Monet y los post-impresionistas-1910, aparte de repasar las ideas post-impresionistas de:

-buscar un método racional, científico y desapasionado,
-provocar emociones y sentimientos,
-recuperar la temática religiosa, histórica, literaria,
-optar por las opciones orientales, primitivas, medievales,
-superar las fronteras francesas, así como el diálogo con la naturaleza,
-armonizar la línea y color[345],
-liberalizar el color, dejando su función descriptiva en pro de una función expresiva,
-superar las inquietudes del impresionista ojo innato y registrador,
-superar la impresionista luz natural y contemporánea,
-obviar los renacentistas claro-oscuro, volumen, profundidad…

e.1) Características post-impresionistas

            Trató de presentar una ordenación meditada del cuadro, manteniendo una preocupación por el volumen, orden, claridad.

            Así, y a diferencia del Impresionismo:

-hace reconocibles las temáticas y motivos,
-elabora las obras en el estudio, y no al aire libre,
-somete la intuición a disciplina,
-convierte la impresión en rigor académico, matemático y normativo[346],
-precisa y concisa la pincelada,
-distribuye milimétricamente la suma de puntos a pintar,
-elimina los marcos dorados por marcos blancos[347].

e.1.1) Ley de colores de Chevreul

            Fue forjada en su Principios de Armonía y Contraste de Colores-1859, experimentada por Seurat para la pintura[348], y en torno a la división de colores en:

-primarios: el rojo, verde, azul, no obtenibles mediante la mezcla de ningún otro,
-secundarios: el naranja, amarillo, violeta, surgidos de la mezcla de 2 primarios[349],
-complementario: blanco, mezcla de la luz sobre el resto de colores[350].

            Así como entre:

-cálidos: amarillo, naranja, rojo,
-fríos: verde, azul, violeta.

            Parte de la demostración de que el ojo:

-percibe el color de forma diferente, según los colores que lo rodean,
-exige o crea el color complementario, de cada color que está viendo.

            Y viene a concluir que la teoría del contraste simultáneo, según la cual los colores influyen entre sí, y crean entre ellos reacciones complementarias:

-armoniosas, si se juntan colores contiguos del círculo cromático,
-contrastadas, si se juntan colores secundarios entre sí[351].

e.1.2) Técnica puntillista de Charles Blanc

            Fue forjada en su Gramática de las Artes del diseño-1865, experimentada por Seurat para la pintura[352], y en torno a la idea de que:

-el color está compuesto por una serie de puntos divididos,
-cada punto ha de estar dotado de toda la gama posible de tonos.

            Además, la experiencia enseña que:

-hay relaciones físicas entre los colores,
-las leyes físicas que influyen en cada color son enseñables,
-los matices puros se concentran en torno al centro, en una mezcla de colores,
-la mejor mezcla es la producida en el ojo, que no ensucia el resultado final[353].

e.1.3) Efectos psicológicos de Charles Henry

            Fue forjada en su Introducción a la estética científica-1885, en un intento de relacionar estética y leyes de la naturaleza mediante fórmulas pseudo-científicas[354], todas ellas provenientes de la psicología del espectador.

            Así, cada dirección de una línea proyecta un estado sentimental, como se ve en:

-la alegría, producida por colores cálidos, o por líneas derecha-izquierda y abajo-arriba,
-el dolor, producido por colores fríos, o por líneas izquierda-derecha y arriba-abajo.

e.2) Seurat

            Georges Pierre Seurat (París 1859-París 1891) fue el fundador del Neo-impresionismo y del puntillismo, tratando de superar con ellos la pincelada subjetiva del Impresionismo y dotar al arte de unas reglas mínimas de funcionamiento.

            Hijo de alguacil y con tierras familiares solventes, hizo sus estudios en la Escuela municipal de París, donde estudia la Gramática de Dibujo de Charles Blanc y hace amistad con Dember Eliezer.

            De ahí pasó a la Escuela de Bellas Artes de París, donde no cosecha buenos resultados artísticos. Tras lo cual se dedica a copiar las obras maestras del Museo Louvre de París, en especial las de Rafael, Piero della Francesa y Pousin[355]. Aunque su inclinación era el clasicismo del alemán Lehman, y sus estudios sobre esculturas griegas en escayolas de yeso.

            En 1880 abre su propio taller de pintura en París, y allí empieza a perfeccionar su arte. Parte de la línea como elemento esencial de su pintura, y mantiene siempre un gusto especial por la claridad y equilibrio. Marcó así un estilo personal, con un color controlado por las leyes físicas de Chevreul.

            En 1883 presenta su monumental Baño de Asnieres al Salón de París, donde es rechazado. Es entonces cuando decide exponer en el paralelo Salón de los Independientes, así como comenzar un nuevo estilo nunca visto en el arte: el puntillismo, plasmado en su Tarde de domingo en Isla Jatte.

            En 1889 recibe numerosas críticas por su Torre Eiffel[356], y empieza a tener discrepancias con su grupo de independientes. Decide entonces retirarse a una vida más tranquila, junto a su amante Madeleine[357]. Hasta que muere en 1891 a causa de una infección respiratoria, cuando tenía 31 años.

            Destaca su Baño en Asnieres[358]-1883, hoy en la Galería Nacional de Londres[359], donde se muestra:

-temática contemporánea[360],
-personajes contemporáneos[361],
-iconografía contemporánea[362],
-luz blanquecina[363], clara y uniforme,
-equilibrio post-impresionista, en colores, formas y líneas,
-puntillismo post-impresionista[364].

            Destaca su Tarde de domingo en Isla Jatte-1886, hoy en el Instituto de Arte de Chicago[365], donde se muestra:

-temática contemporánea[366],
-personajes arcaicos[367],
-composición clásica[368],
-perspectiva renacentista[369],
-interés moderno por el color primario,
-equilibrio post-impresionista[370],
-puntillismo post-impresionista[371].

            Destaca su Modelos-1887, hoy en el Museo d’Orsay de París[372], donde se muestra:

-temática clásica[373],
-personajes contemporáneos[374],
-iconografía contemporánea[375],
-puntillismo post-impresionista[376].

            Destaca su Torre Eiffel-1889, hoy en el Museo Young Memorial de San Francisco, donde se muestra:

-temática contemporánea[377].

            Destaca su Cancán[378]-1889, hoy en el Museo Kroller-Müller de Otterlo[379], donde se muestra:

-temática contemporánea[380],
-personajes arcaicos[381],
-luz artificial,
-planitud[382], perspectiva confusa[383] y superposición de planos[384],
-movimiento exaltado e inerte[385],
-psicología post-impresionista[386],
-puntillismo post-impresionista[387].

            Destaca su Circo[388]-1891, hoy en Museo d’Orsay de París[389], donde se muestra:

-temática contemporánea[390],
-personajes contemporáneos[391],
-efecto de profundidad[392],
-colores distribuidos dinámicamente[393].

e.3) Gauguin

            Paul Gauguin (París 1848-Islas Marquesas 1903) fue uno de los inspiradores de la Escuela de Pont-Aven, así como del uso provocativo del color por parte del fauvismo[394].

            Hijo de periodista republicano, fue desterrado a Perú y pronto quedó huérfano por ese motivo. Vuelto con su madre a Orleans en 1855, allí se embarca desde joven en la Armada francesa. A su regreso en 1870 trabajó como empleado en una oficina de agentes de Bolsa, y se casa con Sophie[395].

            Hasta que en 1883 su jefe Gustave Arosa decide adentrarlo en el mundo del arte, influido por la forma de pintar de los impresionistas. En 1885 se decide por sí mismo, abandona la idea de seguir la corriente impresionista, y empieza a descubrir en el arte de Cezanne una mayor abstracción y sencillez.

            En 1886 comienza su etapa como artista, al dejar su trabajo en la Bolsa parisina[396] y tener que sacar a sus hijos adelante de cualquier manera. Decide trasladarse a vivir a la barata Bretaña, al mando del artista Pissarro y bajo la ayuda financiera del merchante Teo Van Gogh[397].

            Es aquí cuando se une a la Escuela de Pont-Aven[398], nueva corriente estética no del todo post-impresionista, y en la que hace un acercamiento a lo visionario, fantasioso y evasivo[399], así como hacia lo rústico y salvaje. Así, el color debe ser puro[400], estar lo más aglutinado posible y utilizar lo máximo posible:

-el rojo, para los campos,
-el verde esmeralda, para las hojas,
-el amarillo cromo 1, para las alas angélicas,
-el amarillo cromo 2, para el rostro angélico[401].

            No obstante, su alergia por todo lo occidental le hace no aguantar ni siquiera la Bretaña, y en 1891 decide embarcarse rumbo a la Polinesia francesa, en el Pacífico. Se establece en Tahití en busca del mito del paraíso, para poder “cantar, vivir y morir” lejos de la podrida corrupción industrial de Occidente. Allí interpretó las mujeres oceánicas y el exotismo polinesio, así como se enamoró de una tahitiana.

            Hasta que en 1895 empieza a coger depresión y a drogarse con arsénico, bajo la promesa de suicidarse “si no puede volverse a Europa en el siguiente barco que zarpe”, pues había recibido la noticia de la muerte de su hija. Sus últimas obras no tratan ya de pintar primitivos, sino de pintar como un primitivo.

            Destaca su Visión de Jacob y el Angel-1888, hoy en la Galería Nacional de Edimburgo, donde se muestra:

-temática cristiana[402],
-personajes contemporáneos[403] y cristianos[404],
-composición libre[405], sencilla[406] y diagonal[407],
-planitud[408] y escasa profundidad[409],
-color fuerte e intenso[410],
-inspiración japonesa[411],
-ruptura deliberada del impresionismo[412].

            Destaca su Cristo amarillo-1889, hoy en la Galería Albright-Knox de Búfalo, donde se muestra:

-temática cristiana[413],
-iconografía cristiana[414],
-personajes contemporáneos[415] y cristianos[416],
-color fuerte e intenso[417],
-inspiración cristiana[418],
-ruptura deliberada del impresionismo[419].

            Destaca su Ave María-1891, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde se muestra:

-temática cristiana[420],
-personajes contemporáneos[421] y cristianos[422],
-colores exóticos y sensuales,
-errores técnicos[423],
-inspiración polinesia[424].

            Destaca su Aparecido-1892, hoy en el Museo Albright-Knox de Búfalo, donde se muestra:

-temática indígena[425],
-inspiración polinesia[426].

            Destaca su Día del dios-1895, hoy en el Instituto de Arte de Chicago, donde se muestra:

-temática indígena[427],
-iconografía indígena[428],
-cierta abstracción del color,
-inspiración polinesia[429].

            Destaca su De dónde somos, qué somos, dónde vamos-1897, hoy en el Museo de Bellas Artes de Boston[430], donde se muestra:

-filosofía esotérica[431],
-personajes contemporáneos[432],
-inspiración cristiana[433].

            Destaca su Dos tahitianas-1899, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde se muestra:

-temática indígena[434],
-personajes indígenas[435],
-impronta clásica[436],
-imaginación personal[437].

e.4) Van Gogh

            Vincent van Gogh (Zundert 1853-Francia 1890) fue el máximo exponente de la pintura holandesa contemporánea[438], realizando más de 900 cuadros en 36 años de vida. Refleja el drama del deseo de infinito, y la necesidad de que la respuesta no sea lejana y sí responda a la vida. Trató de entender la vida y también de disfrutarla.

            Hijo de pastor protestante, aprendió alemán y francés en su infancia, así como los estudios básicos en el Instituto de Zevenbergen. De ahí pasó a la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde aprendió perspectiva y la pintura campesina de Millet[439].

            Durante su etapa en Holanda, de 1869 a 1886, trabajó con su hermano Teo en una compañía de arte de La Haya[440], en un barrio obrero de niños y de ayudante en una librería. Así como hizo labores de misionero protestante, en la zona minera de Bélgica[441]. Se enamora de la prostituta Sien, a quien intenta apartar de la calle haciéndola su propio modelo. Y empieza a componer sus primeros cuadros[442], intentando emular a Rubens[443], aunque todavía con trazos gordos y toscos.

            Durante su etapa en París, de 1886 a 1888, conoce y descarta el Impresionismo, empieza a codearse y discutir[444] con los artistas de la época y descubre las estampas japonesas. Abre sus cuadros a los colores vivos de Delacroix, y aprende los contrastes y la psicología de los personajes. Hasta que esa explosión de sentimientos le lleva a buscar algo más, siempre por él soñado: la luz mediterránea.

            Durante su etapa en Arlés, de 1888 a 1889, disfruta la naturaleza y sol mediterráneo francés, da paseos por los trigueros y mar calmado, y se da cuenta de su verdadero estilo de pintar[445]. El amarillo se convierte en su fuente inagotable de belleza, y empieza a pintar sin regla alguna[446]. Refina sus pinceladas, abandona sus trazos gordos, lleva al límite su fidelidad hacia el motivo y empieza a aportar colores intensos[447].

            Van Gogh no miraba la naturaleza, sino que la contemplaba e interrogaba, desde el contenido que tenía dentro[448]. Trataba que su arte estuviera presente en el lienzo, sin apariencias ni reminiscencias. Siempre necesitaba contemplar lo real[449], para ahondar en su contenido y verdad interior[450]. Hasta que dio en la diana de pintar la oscuridad de la noche mediante el color, y no mediante el negro.

            No obstante, la enfermedad y bebida también seguían su desarrollo. Y eso acabó en locura. Es lo que pudo contemplarse en su propia casa, pintada por él mismo de forma desequilibrada[451]. Hasta que en ella trató crear su propio taller, Gauguin vino a visitarlo[452], lo acuchilló en una pelea[453]… y tuvo que ser internado en un manicomio[454].

            Durante su etapa en Saint Remy, de 1889 a 1890, su internado en el manicomio fue llevado por Van Gogh desde la idea de “vivir sin quejarse”. Su obra adquiere aquí color intenso, así como contrastes entre los colores fuertes y fríos. Añade diversidad de formas, y trata de seguir comprendiendo el sentido y origen de las cosas. Aquí desarrolló 2 tipos de pincelada:

-de trazo curvo, para el cielo,
-de trazo quebrado, a forma de tejido.

            Y empieza a pintar las estrellas, por su “terrible necesidad de religión”[455]. Hasta que en 1890 sufre un nuevo y brutal ataque, con alucinaciones auditivas y tendencias suicidas, y cae en una depresión total de la que no podrá salir. Sus obras, a partir de entonces, copiarán:

-la sencillez campesina de Millet[456],
-la temática religiosa, sobre imágenes bíblicas[457] y de Cristo.

            Destaca su Naturaleza muerta con Biblia-1885, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam, donde se muestra:

-iconografía cristiana[458],
-inspiración contemporánea[459].

            Destaca su Comedores de patatas-1885, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam, donde se muestra:

-temática contemporánea[460],
-personajes contemporáneos[461],
-autenticidad[462] y tosquedad[463],
-errores técnicos[464], pero con intentos de academicismo[465].

            Destaca su Tristeza-1882, hoy en la Galería de Arte de Walsall, donde se muestra:

-temática contemporánea[466].

            Destaca su Mujer en el Café del Tamborín-1887, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam, donde se muestra:

-personajes contemporáneos[467],
-técnica impresionista,
-inspiración impresionista[468] y no oriental[469].

            Destaca su Pedro Tanguy-1887, hoy en la Colección Stavros Niarchos de Atenas, donde se muestra:

-personajes contemporáneos[470],
-colores vibrantes[471],
-belleza interior[472],
-inspiración impresionista y no oriental[473].

            Destaca su Par de botas-1887, hoy en el Museo de Arte de Baltimore, donde se muestra:

-temática contemporánea[474].

            Destaca su Barcas de pesca en Santa María-1888, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam, donde se muestra:

-temática contemporánea[475],
-precisión realista y de formas[476],
-pastosidad[477] de colores vivos[478].

            Destaca su Café Nocturno-1888, hoy en el Museo Kroller-Müller de Otterlo, donde se muestra:

-temática contemporánea[479],
-composición y perspectiva lineal[480],
-color azul no me olvides[481],
-luz nocturna[482] y noche estrellada[483],
-variedad de pinceladas[484].

            Destaca su Café Nocturno-1888, hoy en la Galería de Arte de New Haven, donde se muestra:

-temática contemporánea[485],
-personajes contemporáneos[486],
-contrastes entre colores[487],
-luz artificial[488], dentro de la noche.

            Destaca su Casa amarilla-1888, hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam, donde se muestra:

-temática contemporánea[489],
-color amarillo sulfúreo[490].

            Destaca su Dormitorio en Arlés-1888, hoy en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, donde se muestra:

-temática contemporánea[491],
-contornos remarcados doblemente,
-distorsión de perspectiva[492],
-luz natural[493],
-duplicidad de todo[494].

            Destaca su Silla de Van Gogh-1888, hoy en la Galería Nacional de Londres, donde se muestra:

-temática contemporánea[495],
-iconografía personal[496],
-color pastoso y material,
-luz rústica y total.

            Destaca su Trigal verde con ciprés-1889, hoy en la Galería Narodni de Praga, donde se muestra:

-homogeneidad interna,
-color expresivo, y no sólo teórico,
-retorcimiento de formas[497],
-gran movimiento y verticalidad[498].

            Destaca su Noche estrellada-1889, hoy en el Museo Moma de Nueva York, donde se muestra:

-temática contemporánea[499],
-paisaje contemporáneo[500],
-énfasis en el color y pincelada.

e.5) Cezanne

            Paul Cezanne (Aix-1839-París 1906) fue el padre de la pintura actual, dando por superado el Impresionismo e introduciendo a la historia del Arte en la abstracción.

            Durante su etapa en Aix, de 1839 a 1862, estudió en una Academia suiza que le enseñó a trabajar con modelos del natural, así como por su cuenta descubrió la obra de Caravaggio y Velázquez. No obstante, fue rechazado en su examen de ingreso a la Escuela de Bellas Artes de París, y empezó a trabajar en el banco de su padre.

            Durante su etapa en París, de 1862 a 1878, decidió consagrarse por su cuenta al arte, entablando amistad con Pissarro[501], conociendo todas las exposiciones artísticas, entrando en los círculos más radicales parisinos[502] y entablando una relación con Ortensia. Empezó a pintar y enviar sus obras al Salón de París, el cual las rechazó año tras año[503]. Pasó poco a poco de los colores oscuros a los brillantes, así como a las temáticas rurales. Pero las críticas seguían arreciando, y el fracaso parisino también.

            Durante su etapa en Provenza, de 1878 a 1906, trabajó en un estudio que su padre le construyó en L’Estaque, y empezó a independizarse de todas las tendencias parisinas que antes había seguido. Vuelve al catolicismo en 1891, y es visitado por Renoir con la noticia de que una obra suya ha sido expuesta en el Salón de París[504]. Seguidamente viene a vivir con él Monet y Boyard, empieza a pintar al aire libre[505], y a usar pegadas pictóricas de colores[506], tanto para paisajes como para bodegones[507].

            Hasta que en 1895 se desprende de sus parches de color y empieza a pintar capas finas de pintura con acuarela, para quitar el brillo, dejar la pieza mate y resaltar la planitud del cuadro[508]. En 1905 alcanza un enorme prestigio, y en Aix comienza a recibir visitas. Pues Cezanne se había convertido en el puente entre el post-impresionismo y el cubismo.

            Destaca su Moderna Olimpia-1873, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-temática contemporánea[509],
-iconografía contemporánea[510],
-personajes contemporáneos[511],
-ejecución ligera y formato monumental[512],
-composición dividida por una diagonal[513],
-color a base de manchas brillantes,
-errores técnicos[514],
-inspiración impresionista[515].

            Destaca su Casa del Ahorcado-1874, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-atmósfera con cielo reducido[516],
-color espeso[517],
-luz lenta y no fugaz[518],
-punto de vista forzado, sin efecto instantáneo.

            Destaca su Casas de Provenza-1880, hoy en la Galería Nacional de Washington, donde se muestra:

-formato monumental,
-punto de vista frontal, sin perspectiva aérea,
-composición dividida por diagonales[519],
-planitud[520],
-color espeso[521],
-ruptura impresionista[522].

            Destaca su Naturaleza muerta con frutero-1880, hoy en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se muestra:

-temática renacentista[523],
-perspectiva aérea[524] y descentrada[525],
-planitud,
-color espeso[526] y unificador[527],
-volumen de los cuerpos,
-inspiración holandesa[528].

            Destaca su Montaña de Santa Victoria-1882, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde se muestra:

-temática contemporánea[529],
-paisaje contemporáneo[530] y muy real,
-composición dividida por 2 diagonales[531],
-color espeso[532].

            Destaca su Mesa de cocina-1888, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-temática renacentista[533],
-composición distorsionada[534] y no real[535],
-planitud,
-puntos de vista diferentes[536], a forma de ventana alta[537].

            Destaca su Madame Cezanne-1890, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde se muestra:

-formato monumental,
-color no tan espeso[538],
-anatomías petrificadas[539].

            Destaca sus Jugadores de Cartas -V[540]-1894, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-temática contemporánea,
-personajes contemporáneos[541] y con psicología[542],
-composición dividida por un punto[543],
-color sabio[544] y austero[545],
-geometrización clásica de cuerpos[546],
-punto de vista frontal, y un poco superior.

            Destaca su Jarro Azul-1889, hoy en el Museo d’Orsay de París, donde se muestra:

-temática renacentista[547],
-color modulado[548],
-luz capacitada para cambiar el color de los objetos.

            Destaca su Grandes bañistas-1906, hoy en el Museo de Arte de Filadelfia[549], donde se muestra:

-temática contemporánea[550],
-formato monumental,
-anatomías[551] geométricas, indefinidas y simplificadas[552],
-composición dual[553] y triangular,
-colores claros[554], luminosos[555] y homogéneos,
-luz natural a base de color,
-planitud[556], salvo cierta profundidad en el centro,
-ruptura academicista[557],
-abstracción de cuerpos y paisajes.

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