PINTURA BARROCA
Reflejo del respeto y rectitud, con cierto tenebrismo y espíritu carpe diem
Madrid,
1 mayo 2019
El Barroco fue un movimiento nuevo eclesial, gestado en el Concilio de Trento,
impulsado por las nuevas órdenes eclesiales[1],
y con la nueva mística que elevaba el alma a Dios[2].
Vio
la luz en Roma bajo Sixto
V y su inédita Urbanización de Roma-1585[3],
cuando el papa abrió las puertas de Roma a todos los mejores artistas, y a los
peregrinos del mundo entero. Kilometrajes
de pintura, y la propia Escuela San Lucas
de Roma[4],
atrajeron a Caravaggio, Carracci, flamencos, franceses, bambochantes[5],
mecenas[6]
y artistas de
todo tipo.
No
obstante, el Barroco fue adquiriendo mucha más importancia fuera
de Italia, hasta la evolución decorativa del Rococó. El desbordamiento del Barroco en Roma, con
Bernini y Borromini, se trasplantó al holandés Rembrandt, al flamenco Rubens o
al francés Poussin. Cada uno de ellos, con su propia escuela de maestro y discípulos.
Del
término portugués barroco-perla
irregular,
y del español barrueco-joya,
fue definido el Barroco por el arqueólogo Antoine de Quincy como algo chocante
y llamativo que se puso en escena.
Poco después adquirió el rango
de inferior respecto al arte renacentista, bajo Jacob Burckhardt en
su Cicerone[7].
Enrick
Volfield habla en su Renacimiento y
Barroco de un Barroco contrapuesto y distinto
al renacentista, del que no tenía nada que ver[8].
Henri Focillon aplica el término barroco, en su Vida de las
Formas, a las manifestaciones de exuberancia
y generosidad de proporciones, volúmenes y líneas.
La pintura barroca está hoy asociada, pues, a la pintura: -extravagante,
y muchas veces relacionada con lo recargado, sofisticado y grotesco;
Pasó por las
3 etapas
del: -clasicismo,
bajo Carracci y su Escuela de Bolonia, Fueron elementos constantes en toda escuela pictórica barroca: la naturaleza muerta, el bodegón[10], las escenas de género[11], las arcadias[12] y los paisajes[13]. a.1)
Directrices tridentinas
Junto a este escenario, el papado aprobó el
desarrollo de nuevos métodos de composición artística, e impulsó la
proliferación de escritos artísticos como arma de propaganda religiosa eficaz.
En el Concilio de Trento[15]
las disposiciones
conciliares de 1563 hablaban de: -velar
por el contenido del arte religioso,
El acento artístico de Trento vino
a pivotar, pues, en la precisión y representación, aún con un cierto margen
concedido: -a
las ideas probables que tuvieran fundamento,
En cuanto a las filosofías clásicas, el Concilio
rechazó las más
peligrosas y toleró el resto de mitologías clásicas, bajo el calificativo de inofensivas para
la razón. a.2) Otras directrices aplicadas
En pintura, Trento había insistido en la no
mezcla de lo pagano con lo religioso en una misma obra[16],
al tiempo que fue riguroso respecto a la decencia, humor popular,
leyendas populares y figuras desnudas[17].
En
esta teoría tridentina del decorum,
la indumentaria de las figuras humanas debían obedecer a su rango y carácter,
sus gestos ser apropiados, la escena estar bien escogida, y el artista tener
presente a qué lugar o espacio se destina su obra.
En
cuanto a los detalles, Trento mandó hacer estudios[18]
sobre cuáles debían ser los más convenientes para prevenir: -la
majestuosidad, impresionando en la manera de lo posible,
En cuanto a los frescos, Trento propuso: -todo
tipo de ciclos y programas intrincados[19],
Annibale
Carracci (Bolonia 1560-Roma 1609) fue pintor barroco italiano[21],
que encarnó la opción
artística opuesta a su rival Caravaggio[22],
e influyó en Poussin. Viajó a Parma y Venecia, y trabajó para el Palacio Magnani
de Bolonia, Palacio Samperi de
Bolonia, Capilla Bonasoni de la
Iglesia San Francisco de Bolonia, así
como para el Palacio Farnesio de Roma[23]
y la Iglesia Santiago de los Españoles
de Roma[24].
De
dibujo lineal
florentino y acusada observación,
y con óleo sobre lienzo o tabla, Carracci fue ecléctico
en la temática, con escenas de género, mercado[25],
retratos, caricaturas[26]…
así como libre
en el tratamiento, vestimenta… Destacan sus paisajes, no complementarios sino esenciales, autónomos[27], costumbristas, tanto religiosos como naturales y apaisados[28], y que le convirtieron en el precursor del paisaje barroco del s. XVIII y romántico del s. XIX.
Paralizado en su brazo en sus últimos años, fue
ayudado a terminar obras por parte de sus discípulos
Domenichino, Albani, Lanfranco, Guido Reni y Badaloccio. Fueron etapas de su
vida artística: -periodo
boloñés, hasta 1594, -periodo
romano juvenil[29],
de 1594 a 1597, -periodo
romano de madurez, ecléctico y para la familia Farnesio en Roma[30]. b.1) Escuela de Bolonia
Fue fundada por Ludovico Carracci[31],
junto a sus primos Agostino[32]
y Annibale[33],
y bajo los nombres de Academia del Diseño natural-1582, Escuela de los Deseosos[34]-1590
y Escuela de los Encaminados[35]
de 1591 en adelante.
Pretendió renovar el arte manierista del
momento[36],
decadente para ellos, y bajo las directrices que había marcado el arzobispo
boloñés Gabriele Paleotti en su Discurso
sobre las imágenes-1582.
Y lo hizo intentando reactualizar las referencias
clásicas greco-romanas y Renacimiento del primer Cinquecento[37],
inspirándose en el claro-oscuro[38]
y color veneciano. Trató de inculcar la intelectualidad
pictórica, el dibujo al natural[39],
el eclecticismo
de diversas fuentes[40]
y la persuasión
en el espectador[41].
Se
trató de un clasicismo
boloñés que no pasó desapercibido en la Corte papal de Roma, y que
recibió numerosos encargos cardenalicios y nobiliarios romanos. b.2)
Obras de Carracci
Destaca
su Carnicería-1580[42],
hoy
en la Iglesia
de Cristo de
Oxford,
donde se muestra[43]: -total
rotura del
clasicismo[44], -muchos
personajes,
sin mirar al espectador. Destaca su Comedor de Habas-1580, hoy en la Galería Colonna de Roma, donde se muestra una técnica suelta-abofetada[45]. Destaca su Crucifixión y Santos-1583, hoy en la Iglesia Santa María de la Caridad de Bolonia, donde se muestra: -simetría
y equilibrio,
en 2 partes,
Destaca
su Bautismo de Jesús-1584, hoy en la Iglesia San
Gregorio de Bolonia, donde se muestra: -dinamismo,
Destaca
su Virgen entronizada con San Mateo-1588, hoy en la Galería
de Arte de Dresde, donde se muestra: -influjo
veneciano, de Tiziano y Veronés,
Destaca
su Pesca-1595, hoy en el Museo Louvre
de París, donde se muestra: -planos
escalonados,
Destaca
su Caza-1595, hoy en el Museo Louvre
de París, donde se muestra: -planos
escalonados,
Destaca
su Frescos en la Cúpula farnesina-1597[52],
hoy en el Palacio Farnesio de Roma[53],
donde se muestra: -la
virtud
del mundo clásico,
Destaca
su Cristo en gloria y Santos-1597, hoy en el Museo Palatino
de Roma, donde se muestra: -los
personajes
representados[58],
Destaca
su Piedad-1599, hoy en el Museo Capodimonte
de Nápoles[60],
donde se muestra: -forma
piramidal,
Destaca
su Asunción de la Virgen María-1600, hoy en la Capilla Cerasi[63]
de la Iglesia Santa María del Popolo
de Roma, donde se muestra: -clasicismo
total, en luz, volumen, idealización,
Destaca
su Huida a Egipto-1603, hoy en la Galería Doria
Pamfili de Roma[65],
donde se muestra: -clasicismo
total, Destaca su Autorretrato-1604, hoy en el Museo Hermitage de San Petersburgo, donde se muestra él a sí mismo. b.3)
Discípulos de Carracci
Domenico Zampieri (Bolonia 1581-Nápoles 1641), Domenichino[76]
pintó siempre en Roma, en el Palacio Farnesio junto a Carracci, así como para
los cardenales Aldobrandini y Girolamo Agguchi, y la familia Mattei. Anoréxico
y maniático, continuó el clasicismo boloñés a través de un ideal que
hiciera real la naturaleza, anatomía, paisaje y estatuaria clásica. Destaca
su: -Muerte
de Santa Cecilia-1612[77],
Guido Reni (Bolonia 1575-Bolonia 1642)
destacó por alargar las formas y buscar la belleza ideal del pathos[80],
junto a la experiencia mística religiosa. Se puso a las órdenes de Carracci en
el Palacio Farnesio de Roma. De ahí
pasó al servicio del cardenal Sfondrato, que lo introdujo en las obras
vaticanas de Pablo V. Pintó para el Palacio del cardenal Scipione Borghese,
hasta que dejó Roma por una reprimenda del cardenal Spínola[81],
desplazando su trabajo hacia las catedrales de Rávena y Bolonia. Destaca su: -Matanza
de los Inocentes-1611[82],
Giovanni Barbieri (Ferrara 1591-Bolonia 1666), Guercino[87]
introdujo la escuela boloñesa en el pleno barroco. Trabajó para el cardenal
Serra de Ferrara, haciéndose famoso[88]
por sus efectos sutiles de luz, gestos y expresiones faciales. Ganado para la
causa por el anciano Ludovico Carracci, se peleó con Reni y marchó a Roma,
donde pintó el Casino Ludovisi y Basílica de San Crisógono, siendo invitado
por Gregorio XV para pintar en el Museo Capitolino[89].
Destaca su: -Et
in arcadia ego-1618[90].
Francesco Albani (Bolonia 1578-Bolonia
1660) abandonó a su maestro manierista Calvaert para unirse al grupo de
Domenichino, Reni y otros que se habían sumado al proyecto de los Carracci.
Ayudó a pintar las alegorías del Palacio Farnesio
de Roma, pasando de ahí a pintar en el Palacio de los Mattei, Palacio de los
Giustiniani y Palacio del cardenal Verospi. También dejó su huella en la
Iglesia de la Paz y la Iglesia Santiago
de los Españoles. Destaca su: -Alegoría
de las 4 estaciones-1616[91].
Giovanni Lanfranco (Parma 1582-Roma 1647)
destacó por sus cúpulas que parecían abrirse al cielo[92],
rivalizando en demanda de frescos con Domenichino. Trabó amistad con José
Ribera en Nápoles, y pintó escenas gladiadoras para el Palacio Buen
Retiro de Madrid. Destaca su: -Auspicios
de un emperador romano-1635[93].
Hijo del arquitecto y marqués de Caravaggio, en 1592 Caravaggio dio el
salto a Roma, desnudo y sin nada del dinero hereditario materno, hasta que el
papa Clemente VIII decide llamarlo a
su servicio.
Hacia 1600, y por influencia del cardenal
Del Monte, pasó Caravaggio a pintar la Capilla Contarelli de Roma, dando paso al tenebrismo total y al más
emocional barroco, pasando a ser admirado por unos y odiado por otros. Tras lo
cual, Caravaggio vuelve a sus temáticas grotescas, de decapitaciones y
asesinatos, con un naturalismo y realismo dramático.
En 1606 mató Caravaggio a Ranuccio
Tomassoni, lo que hizo que huyera de
Roma a Nápoles, y allí re-empezase de nuevo su vida pictórica. Hasta que la
ley vino en su busca[95]
y tuvo que huir a Malta, bajo la protección legal de Alof de Wignacourt,
maestre de la Orden
de Malta, que lo nombró pintor oficial de su Orden. No obstante,
también aquí armó una trifurca pública, con destrozo de una casa al
completo, y expulsión por non grato
de la Orden de Malta.
Tras verse sin nada y en la calle, recibió Caravaggio intentos de
linchamiento[96],
hasta que el papa Pablo V decide sacarlo de
la postración, que se arrepintiera profundamente de todo, y obtener un perdón
general para él. Vuelve a Roma y se pone a trabajar, hasta el final de sus días,
para la familia papal de Pablo V[97].
No mostró la belleza ideal ni los temas heroicos, renunciando a una enseñanza
pedagógica y centrándose en lo
cotidiano sin ideal alguno.
Mostró constantes contrastes
luces-sombras, eliminando así todo espacio y atmósfera. La luz
procede del exterior del cuadro, y no es una luz natural sino una vela o foco en
la oscuridad, para crear así misterio y drama.
Nunca sopesó el autorretrato, pero sí fue introduciendo elementos
personales en sus cuadros. Además, acabó permitiendo que otro
pintor lo retratara[98].
Fueron etapas
pictóricas de Caravaggio: -formación,
de 1581 a 1592, centrada en Milán, -Sacrificio
de Isaac-1598, hoy en la Galería Johnson
de New Jersey,
Pintó
9 obras sobre Jesucristo,
como: -Natividad-1609,
hoy en la Iglesia San Lorenzo de
Palermo,
Pintó 4 obras sobre la Virgen
María, como: -Virgen
de Loreto-1604, hoy en la Capilla Cavalletti
de la Iglesia San Agustín de Roma,
Pintó 17 obras sobre los santos,
como: -San
Mateo y el Angel-1602, hoy destruido,
Pintó
4 obras de retratos,
como: -Retrato
de Cortesana-1597, hoy destruido,
Pintó
9 obras cotidianas[100],
como: -Muchacho
cogiendo Fruta-1592, hoy en la Galería Longhi
de Florencia,
Pintó 8 obras sobre mitología[101],
como: -Baco
enfermo-1593, hoy en la Galería Borghese
de Roma, c.3)
Discípulos de Caravaggio
Caravaggio no creó ningún taller artístico, ni tuvo colaboradores ni
le surgieron discípulos estrictos. Tuvo amigos, pero no círculo ni escuela
forjada.
No obstante, su trabajo a la prima renovación pictórico atrajo a
numerosos seguidores, incluidos varios discípulos de su oponente Carracci, y
lejos de Italia también. Es lo que nos narra Julio Mancini, médico de Urbano
VIII, en su Considerazioni sulla Pittura-1630.
Bartolomeo Manfredi (Cremona 1582-Roma 1622)
fue seguidor de Caravaggio desde 1603 y sus enfrentamientos con Baglione,
emulando sus claros-oscuros, insistencia naturalista, pintura de género y
lenguaje corporal de los personajes. Compuso pinturas de caballete para
privados, e introdujo en el caravaggismo a pintores venidos de Francia y
Flandes. Destaca
su: -Paliza
de Marte a Cupido-1607[104],
pista sobre un Caravaggio perdido[105].
Carlo Saraceni (Venecia 1570-Venecia
1620) trabajó en la Academia San Lucas
de Roma desde 1607, destacando por sus paisajes densamente boscosos, figuras
monumentales[106],
naturalismo extremo, así como por sus vestuarios franceses y cuadros-joya pequeños.
Repitió varios cuadros religiosos de Caravaggio, que el clero romano rechazaba
sistemáticamente. Destaca su: -Martirio
de San Lamberto-1608[107],
Orazio Borgiani (Roma 1575-Roma 1616)
transportó a España el fenómeno caravaggista, influyendo en Velázquez y
Tristán. Destacó por su conocimiento de las ruinas romanas y murales vaticanos
de Rafael, así como por sus paños escultóricos y paleta tostada. Destaca su: -San
Cristobal-1600[109],
Bartolomeo Cavarozzi (Viterbo 1590-Roma 1625) trabajó casi siempre en España, al
servicio del cardenal Zapata y de las obras de los Crescenzi en El Escorial, e
influyendo en Zurbarán. Supo dotar al tenebrismo de elegancia e idealización,
así como utilizar unos efectos de luz extremos Destaca su: -San
Jerónimo y 2 ángeles-1617[111],
Giovanni Serodine
(Ascona 1600-Roma 1631) trabajó para la rica familia de los Mattei, y
fue caso aparte por su libertad impresionista, aparte de su brillantez cromática,
pincelada desecha y gran empaste, dentro del tenebrismo. Destaca su: -Santa
Margarita resucita a un Joven-1620[113],
Orazio Gentileschi (Pisa 1563-Londres
1639) cambió su manierismo por el sistema caravaggista que contempló en Roma,
sintetizando un estilo convencional, elegante, sin defectos físicos y sí ricos
vestidos. Exportó el caravaggismo a España[116],
Génova, París[117],
Corte de Carlos I en Londres y su propia hija[118].
Destaca su: -Anunciación-1623[119],
Pietro
Berettini (Cortona 1596-Roma 1669), Cortona fue pintor barroco italiano que
destacó por sus frescos
decorativos en techos y pintura
de caballete. Aprendió en el taller florentino del manierista Andrea
Commodi, a quien decide dejar para crear su estilo
propio, con cierta mirada puesta en el clasicismo boloñés.
Trabajó al servicio de la familia Saccetti en su Villa de Pigneto, y de
la familia Mattei en su Palacio de Roma. Aquí conoce a Cassiano del Pozo, que
lo introduce al cardenal Barberini. Empieza a pintar, por influjo cardenalicio,
la Iglesia Santa Bibiana de Roma y su propio Palacio Barberini de Roma, aunque sigue haciendo escapadas a Florencia para
pintar el Palacio Pitti.
Destaca su: -Rapto
de las Sabinas-1627[121],
hoy en el Museo Capitolino de Roma, d.1)
Discípulos de Cortona -Adoración
del Nombre de Jesús-1679[123].
Andrea del Pozzo
(Trento 1642-Viena 1709) inventó los efectos especiales en su Perspectiva
pictorum-1693, dejando incluso atrás los escenarios ilusionistas y diseños
ópticos sorprendentes. Como sacerdote jesuita, trabajó para las iglesias de su
Orden, así como para el Palacio de Liechtenstein y otros edificios
centroeuropeos. Destaca su: -Alegoría
de la misión de los Jesuitas-1691[124]. e) Rubens
Pedro
Pablo Rubens (Siegen 1577-Amberes 1640) fue pintor barroco flamenco, aparte de embajador
de España e Iglesia Católica ante diversas sedes europeas[125].
Exiliado en su infancia a Alemania por su índole
calvinista, regresó a su Amberes natal a los 16 años, convertido al
catolicismo y poniéndose en manos de sus maestros Van Noort y Van Veen. Durero
fue su modelo a copiar, y pronto marchó a Italia para perfeccionar su estilo.
En
sus viajes
por Italia trabajó para los Gonzaga de Mantua, la marquesa Spinola-Doria de Génova
y el cardenal Montaldo en la Iglesia Santa
María in Vallicella de Roma. En España trabajó para el duque de Lerma y
Corte de Valladolid. En Francia para la reina regente María de Médicis y su
Palacio Luxemburgo de París. Y a su
vuelta a Amberes, se casó
con Isabella Brant y se dedicó a la composición pictórica total[126].
Su taller de Amberes contó con un
equipo de artistas que componían cada cuadro en común[127],
siendo Rubens su supervisor y el impulsor del colorido de Veronés, movimiento y
vitalidad carnal de Miguel Angel[128],
sensualidad femenina de Rafael. -total
influencia
de Tiziano, e.1)
Discípulos de Rubens
Jacob Jordaens (Amberes 1593-Amberes
1678) muestra el polo opuesto a Van Dyck, resaltando la bajeza y embriaguez de
la vida cotidiana, y negándose a viajar a Italia para aprender estilo italiano.
Frans Hals (Amberes 1580-Haarlem 1666)
se inclina también por los temas burgueses, plantando en pleno Utrecht el más
puro caravaggismo. Destaca su: -Patronato
del Orfanato-1664[131].
Jacob van Ruisdael
(Haarlem 1628-Amsterdam 1682) muestra paisajes que tienden a ser realistas, con
2/3 de cielo y 1/3 de elementos terrenos. Desaparece el hombre como centro de la
escena, el centro geométrico de composición y la arcadia pastoril feliz, para
mostrarse las nubes, tierra ganada al mar y gente trabajando… tal cual son[132].
Destaca su: -Campos
de Trigo-1670[133].
Aelbert Cuyp (Amsterdam 1620-Amsterdam
1691) muestra paisajes de vacas, con cierto mensaje heroico del hombre adaptado
al entorno. Idealiza, así, la vida del campo, mostrando la arcadia feliz del
pastorcito. Destaca su: -Escena
de Mujer ordeñando-1646[134].
Pieter Claesz (Burgsteinfurt 1597-Amsterdam
1660) muestra los bodegones holandeses, lo idílico del festín, pasteles
decorados con vajilla, espejos y aves. Es la cima de la vida burguesa, pintada
como pura vanitas y siempre con la fiesta recién terminada. Destaca su: -Vida
Turca-1627[135]. Rembrandt plasmó sus obras bajo un enfoque artístico de: -ímpetu
católico y anti-protestante,
Y llevó a la distinción
paisajística entre: -escena
costumbrista, de diversión cotidiana,
Destaca su: -Anatomía
del Dr. Tulp-1632[139],
Advertido en su infancia de su tendencia artística, Poussin fue enviado
a París
para especializarse bajo George Allemand. Allí obtuvo seguidores poussinistas
que se opusieron a la corriente rubenista. Y conoció a Marini, pintor de corte
de la reina María de Médicis, que le entregó en matrimonio a su prima Ana María
y le abrió las puertas de Roma.
En Roma pasó la mayor parte de su
vida[143],
aprendiendo el equilibrio y clasicismo de Rafael, y trabajando sin descanso para
el cardenal Barberini, el cardenal Omodei y la familia Giustiniani.
Su
estilo es claro, lógico y ordenado. Su temática
fue religiosa y mitológica, siempre con valores morales, y siempre esquivando
los temas bajos y la muerte. Y dio al paisaje el protagonismo total, haciéndolo
heroico y trascendente, y que el hombre se adaptara constantemente a él.
Destaca
su Et in Arcadia ego-1627 y
1637, hoy en el Museo Louvre de
París, donde se muestra: -epigrafía
que están leyendo los personajes, Madrid,
1 mayo 2019 ________ [1] Entre las que destacaron: -la
Compañía de Jesús de SAN IGNACIO DE LOYOLA, con su Iglesia Gesu de Roma-1568, [2]
Siendo el año 1622 el cénit del Barroco eclesial, cuando la mayoría de
santos del s. XVI fueron canonizados al unísono (SANTA TERESA DE JESUS, SAN
JUAN DE LA CRUZ...). [3]
En la que el pontífice trató de dar solución a la vieja y medieval
urbanización de la ciudad petrina, con desniveles callejeros, edificios
derrumbados, restos arqueológicos en peligro de expoliación...
Fue entonces cuando
el papa SIXTO V (1585-1590) llevó a cabo el imperial
proyecto de urbanizar al completo la ciudad de Roma, girada en torno al
primado petrino, y dándole la grandiosidad de antaño a todos los lugares
paleocristianos (trabajos soterráneos relatados por GIACOMO BOSSIO en
1638). [4]
Donde se forjaron ZUCCARO, MUCIANO, DE NEBIA... [5]
Pintores de anecdotillas bajas de la calle, que desembarcaron en Roma cuando
tuvo lugar el auge del papa SIXTO V, y empezaron a ganarse la vida en la calle con
pinturas de pequeño tamaño.
Fundaron
la banda de los Bent
Vueghels (lit. Pájaros)
para protestar contra los impuestos del papa, con pinturas reaccionarias y
llenas de inmoralidades en las paredes de Roma (lo que hizo que se les
expulsase de Roma, o que acabasen pagando los impuestos)
Se trató del estilo artístico surgido del holandés
VAN LAER, conocido como Il Bamboccio (lit. figura coja), durante su estancia en Roma.
Fue un arte bambochante
anti-sistema, de luz dirigida, no natural,
callejera, tabernera, con sensación de naturalidad. Representó el campo
paccino (de vacas dentro del foro romano). [6] Como el marqués GIUSTINIANI, el cardenal DEL MONTE (mecenas de CARAVAGGIO), el cardenal ALDOBRANDINI (mecenas de CARRACCI), los FARNESIO... [7]
Donde se afirma que “empezó a aparecer como distinto e inferior al arte
renacentista, a lo salvaje, sin orden y sin filiación directa con el
renacimiento”. [8]
Afirmando que “si el renacimiento persigue la línea, el barroco persigue
el color; si el 1º busca lo plano, el 2º la profundidad; si el 1º busca
la forma cerrada y unidad, el 2º la forma abierta y pluralidad; si el 1º
busca la claridad absoluta, el 2º la claridad relativa”. [9] Como los caravaggistas franceses, los caravaggistas holandeses... [10] Flores, comidas... [11] Escenas callejeras, llenas de pícaros, que fueron pintando los bambochantes de Roma. [12] Relación y armonía total entre el hombre y la naturaleza. [13]
Mares, ciudades inventadas, momentos pastoriles... tanto a nivel de: -paisajes
italianos, como empezó a plasmar BRILL, [14]
Que había prohibido las imágenes y el arte, provocando auténticas
revoluciones iconoclastas en el norte europeo e Inglaterra, en sus 3
momentos
estelares de: -1522,
donde la 7 obras de Misericordia
fue rayada ex-profeso, [15] 1545-63, y uno de los grandes Concilios de la historia, donde la Iglesia se posicionó respecto a la Reforma luterana, revisó todos los estudios humanísticos y artísticos eclesiales, impulsó la contrarreforma cultural, y puso los medios para el mayor de los florecimientos espirituales y misionales de la historia. [16] Como también denunciaron: -DA
FABRIANO, en su Diálogo de
los errores
Pictóricos-1564, donde condena que los pintores giraban
cabezas y piernas para hacerlas insuperables, sin pensar en la devoción; [17]
Los cardenales BORROMEO y PALEOTTI añadieron el consejo particular de
evitar la indecencia no sólo en las iglesias y arte religioso, sino en las
casas privadas y arte de cualquier estilo. Consejo que adoptó en 1598 la
Academia San Lucas de Roma, al
exhortar a todos sus académicos a pintar “temas decentes y dignos de
elogio”. [18] Estudios que vieron la luz con las Instructiones Fabricae et Supellectilis Ecclesiasticae-1572 de BORROMEO. [19] Destacando las temáticas de: -éxtasis
de santos, en su transverberación, martirio… [20] Como propuso la línea teológica impulsada por el milanés GUAZZO, sacerdote que en su Compendium Maleficarum había destapado hasta: -11 fórmulas satánicas
llevadas a cabo por brujas de la época, [21] Biografiado por: -MANCINI, médico del papa URBANO VIII, en su Considerazioni
sulla Pittura-1630, [22]
Al que algunos apodaban como el “Anticristo del Arte”. [23] Auténtica joya del Barroco, donde CARRACCI pintó el techo del Camerino con las historias de Hércules, a instancias del cardenal FARNESIO, y con la inspiración que le produjo la Capilla Sixtina del Vaticano de MIGUEL ANGEL. [24] Cuyos murales se conservan hoy en el Museo del Prado de Madrid. [25]
Por influjo de CAMPI, que en su Vendedora
de Frutas-1580, de gran impronta sexual moralizante, introdujo en Italia
las escenas de cocina flamenca del s. XVI, con gran interés natural por las
gallineras, pescaderas…
Influjo de CAMPI que llegó a los CARRACCI a través de PASSAROTTI, a
nivel de empezar a caricaturizar bodegones y personajes.
Escenas de mercado que ya habían empezado a sucederse en Flandes,
por obra de AERTSEN en su Bodegón
con la huida a Egipto-1560 (con la cabeza de vaca cortada y mirando al
espectador). [26] De las que fue su inventor, con humor incorporado y un bloc de notas sobre personajes. [27] Con autonomía propia, a forma de weltlandschaft-vista de pájaro sobre el mundo. [28] Lit. de país, de pintar un país. [29]
Cuando ANNIBALE y su hermano AGOSTINO deciden ir a conocer Roma.
Donde estudian la Capilla
Sixtina del Vaticano, la estatuaria clásica, las Stanzas
vaticanas de RAFAEL, las loggias-pasillos
vaticanos, el tardo-manierismo romano, los restos arqueológicos… [30] Por invitación expresa del cardenal FARNESIO (hijo del gran ALEJANDRO FARNESIO, y cardenal con 20 años y grandes proyectos políticos), que decide alojarlo en su propio palacio personal (con manutención incluida), pidiéndole a cambio que decorase su estudio (donde los Farnesio guardan su Toro Farnesio y Hércules Farnesio). [31]
LUDOVICO CARRACCI, que ejerció las tareas directivas de
la Academia, convocando concursos, premios… [32] AGOSTINO CARRACCI, que asumió las especialidades de arquitectura y escultura. Y que compuso una Teoría del Arte, Poesía y Música para dar intelectualidad a la Academia. Era el más extrovertido de los tres. [33] ANNIBALE CARRACCI, que asumió las especialidades de pintura. Era el más introvertido y perfeccionista. [34] Nivel 1º de estudios en la carrera de Arte. Pues de ese 1º grado de los Desirosi se pasaba al 2º grado de los Estudiosi, y al 3º grado de los Utili. [35] A forma de progresistas. [36] Encarnado en PROCACCINI, FONTANA, CALVAERT, PASSAROTTI y CESI. [37] Junto al aprendizaje de las obras de RAFAEL. [38] Algo muy distinto a lo que es el tenebrismo. [39] Con moldes de escayola, esqueletos y copias de esculturas que sirvieron de modelos reales. [40]
Como nueva manera de entender el momento presente (a nivel religioso, artístico…).
Pero siempre tendiendo a una fe sencilla. [41] Mediante lo verosímil. [42] Distinta a la Carnicería-1580 del Museo Kimbell de Texas (donde uno de los 2 carniceros está mirando de frente al espectador). [43] Con total paralelismo con el Sacrificio de Noé de RAFAEL, que CARRACCI pudo haber contemplado en las estancias vaticanas (y donde un chico joven mataba un carnero). [44] Destripando totalmente la vaca (como él había aprendido en la carnicería de su padre). [45] Mostradora del instante (en este caso las migas de pan). [46] Sin remate en la capa pictórica. [47] Espontaneidad abofetada que significa no estar acabada. [48]
Flanqueado por 3 figuras a la izquierda, y 3 figuras a la derecha. Donde un
santo (el que sólo muestra la cabeza) recibe un insólito rayo de luz. [49] Un BAROCCI de Barroco ya total, en color, luz, volúmenes a través del color, filosofía tridentina, esfumatos… y que casi siempre trabajó en la Iglesia Santa María Supraminerva de Roma. [50] Pues CARRACCI viajó a Venecia en 1587, donde conoció a TIZIANO y resto de venecianos. [51] Pues CARRACCI viajó a Venecia en 1587, donde conoció a TIZIANO y resto de venecianos. [52] Cuya temática fue seleccionada por ORSINI (bibliotecario de los FARNESIO) y AGUCCHI (secretario del cardenal ALDOBRANDINI, futuro papa CLEMENTE VIII), decantándose por la virtud clásica y los 3 tipos de amor (a través de los dioses del Olimpo). [53]
Palacio iniciado por DA SANGALLO en 1514, y dado por terminado por DELLA PORTA en 1589.
Y
cuyo Camerino consistía en una pequeña Stanza, de reducidas dimensiones y con un marco gigante y fingido en
el centro de la bóveda de cañón (junto a frisos fingidos a su alrededor,
con medallones, y por influjo de la cuadratura vaticana).
Se
trataba de que CARRACCI (junto a la colaboración de DOMENICHINO y otros, y
emulando la pintura vaticana de MIGUEL ANGEL) decorara una gran escena
principal (al lienzo), rodeada de quadri riportati ilusionistas (al fresco, sobre frisos decorados en
bronce, a llenar de Hermes y Atlantes, jóvenes desnudos y amorcillos lúdicos…). [54] Siendo: -cuadratura
= marco de cada quadri riportati, [55] Donde Hércules se debate entre seguir: -el
camino del placer, el de la mujer desnuda derecha, [56] Pues lo que hoy se conserva en el techo original del Palacio Farnesio de Roma es una copia. [57] Recordando la historia en la que: -Ariadna,
hija del rey Minos, había dado el hilo a Teseo para salir del laberinto
minoico, [58] Como son: -María
Magdalena, penitente, arriba a la izquierda, [59] Andando a rastras con 2 trozos de madera (a forma de paralítico), y pidiendo limosna. [60] Encargada por el cardenal FARNESIO. [61] En los rostros, manos, señales de dedo de los ángeles... [62] Sin filosofar, y sí representando los affetti-emociones del alma. [63] Diminuta y prototípica capilla del s. XVII, costeada por CERASI (funcionario de la Curia romana). [64] Que había pintado 2 cuadros tenebristas para la misma Capilla, y que ahora flanqueaban la obra de CARRACCI para ser contrastados por el público. [65] Encargado por el cardenal ALDOBRANDINI (futuro papa CLEMENTE VIII), que pidió 6 lunetos como éste. [66] Sobre las ruinas arqueológicas (que muestran la fugacidad de la construcción humana, tema que retomará el romanticismo del s. XIX), y sobre la Pirámide Cestia de Roma (de Cayo Cestio, 36m. alto x 30 m. ancho, que se edificó en el 12 a.C. junto a la Puerta extramuros para enterrarse allí). [67] Pues hay más masa cromática a la derecha que a la izquierda, por ejemplo. [68]
En
la forma en que crecen los árboles. [69] Tratando de transmitir lo intangible y no comunicable, a través de las tonalidades del paisaje. [70] Sobre peñones, que no los dejarían crecer. [71] Para enmarcar la escena, y marcar los puntos de distancia. [72] No intacta. [73] No salvaje. [74]
Por
la presencia del hombre. [75] No ya como mera retórica. [76] Llamado así, Pequeño Domingo, por su estatura. [77] Hoy en la Iglesia San Luis de los Franceses de Roma, con gran influencia del Expulsión de Heliodoro de RAFAEL, y extensa narrativa sobre la vida de la mártir. [78] Hoy en la Pinacoteca Vaticana de Roma, casi copia de la de CARRACCI, aunque con mayor idealismo. [79] Hoy en la Galería Borghese de Roma, con figuras que miran al espectador, gestos en las manos y gran retórica general (que busca la belleza). [80] Para lo que tenía numerosos moldes con ojos mirando al cielo. [81] Por dejarse ver con su compañera de trabajo y sentimental SIRANI. [82] Hoy en la Pinacoteca Nacional de Bolonia, con niveles expresivos, pathos constantes, escorzos y cielo al fondo. [83] Hoy en la Pinacoteca Nacional de Bolonia, con cuerpo de estatuaria griega alargada, para reflejar al héroe. [84] Hoy en el Palacio Pallavicini de Roma, en cuadro riportato al fresco, y algo de viejo renacimiento y manierismo. [85] Hoy en el Museo del Prado de Madrid, donde Atalanta rechaza a sus pretendientes, y convoca una carrera para deshacerse de los perdedores (tirando una manzana al suelo a Hipomenes, para que se entretenga y no venza). [86] Hoy en el Museo Louvre de París. [87] Apodado así porque estaba bizco. [88] Siendo visitado por el mismo VELAZQUEZ en su casa de Ferrara. [89] El museo más antiguo del mundo, fundado por el papa SIXTO IV en 1471, y donado siglos después por el Vaticano para la ciudad de Roma. [90] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma, la obra más famosa de GUERCINO. [91] Hoy en el Palacio Borghese de Roma. [92] Como la de la Iglesia Sant Andrea della Valle de Roma. [93] Hoy en el Museo del Prado de Madrid. [94] Pues no tenía la experiencia ni hondura suficiente como para reflejar la figura de San Pedro, o el arrepentimiento de la Magdalena, o la seriedad de San Juan Bautista (a los que pintaba como otros jóvenes callejeros más). De hecho, el clero romano le censuró, retiró e hizo volver a repetir la mayoría de sus temáticas religiosas. [95] Por la denuncia que le puso BAGLIONE, también pintor del entorno romano. [96] De hecho, a Roma llegó la noticia de que lo habían matado. [97] En el Palacio Borghese de Roma. [98] Como fue el caso de LEONI, en su Retrato de Caravaggio. [99] Donde su estilo todavía conservaba las características de: -luz
clara, sin apenas sombras, [100] Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte juvenil. [101] Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte juvenil (salvo las 3 últimas). [102]
Cuadro del que se dice que pintó CARAVAGGIO su propio rostro y
temperamento (pues no representa al Baco mitológico tradicional, sino a
otra persona muy concreta). Destaca en él: -dibujo
pulido y preciso, [103] Como escudo cuya mirada petrificaba al enemigo (de ahí que el mundo clásico la pusiera en las fachadas). Y con las serpientes en el pelo (que remite a las clásicas máscaras griegas de la tragedia). [104] Hoy en el Instituto de Arte de Chicago. Destaca por sus flechas partidas y paloma volando. [105]
CARAVAGGIO
había prometido una pintura sobre el tema a MANCINI, coincidiendo con el
momento en que el cardenal DEL MONTE se llevó consigo al genio milanés. Así,
MANCINI tuvo que encargar la obra a MANFREDI. [106] Invento del pintor alemán afincado en Roma, ELSHEIMER. [107] Hoy en la Iglesia Santa María del Anima de Roma, de los alemanes y norteños holandeses. Donde se aprecia fondos no oscuros, telas sin tenebrismo, gradación cromática rica, tipos faciales muy repasados. [108] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma. [109] Hoy en el Museo del Prado de Madrid. [110]
Hoy en la Galería Barberini de
Roma, donde ya se aprecia la última etapa de su vida: el clasicismo armónico
de RAFAEL (sin perder el naturalismo de CARAVAGGIO). [111] Hoy en el Palacio Pitti de Florencia. De fondo oscuro y tenebrista, medias figuras, figuras reflexivas y apacibles, sin el drama grotesco. [112] Hoy en el Museo del Prado de Madrid, de la que se hicieron varias copias y variantes. De figuras sólidas, naturalistas pero apacibles, sobre fondos tenebristas. [113] Hoy en el Museo del Prado de Madrid. [114] Hoy en el Museo Louvre de París. [115] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma. [116] Influyendo en MAINO. [117]
Influyendo en SIMON BUE [118] ARTEMISA GENTILESCHI, autora de una Judit y Holofernes que sigue el estilo de su padre. [119] Hoy en la Galería Sabauda de Turín, por encargo de CARLOS MANUEL DE SABOYA. [120] Hoy en el Museo del Prado de Madrid. Con tornasolados, rigidez de figuras... [121] Donde prima la línea y el color por igual (por influjo de RAFAEL y TIZIANO), y figuras con peso específico. [122] Al fresco y siguiendo el programa iconográfico del poeta BRACIOLINI. Destaca por su: -superación
de todas las obras anteriores del mismo género, [123] Hoy en la Iglesia Gesu de Roma, sobre bóveda de cañón. Rompe literalmente el techo de la Iglesia, con figuras que salen volando hacia el cielo. [124]
Hoy en la Iglesia San Ignacio de
Roma, donde muestra arquitecturas coherentes, completamente proyectadas
hacia el cielo infinito, entre asombrosos efectos de la perspectiva. [125] Siendo enviado a muchos conflictos, para mediar en muchos procesos de pacificación. [126]
Con encargos que le llegaban de CARLOS I DE INGLATERRA, FELIPE IV DE ESPAÑA... [127] Recibiendo el permiso de ISABEL CLARA EUGENIA a guardar sigilo profesional, sin descifrar sus secretos y conocimientos internos. [128] Evitando la sensación pétrea de la estatuaria clásica, y haciendo que la sangre fluyera por las venas de los personajes. [129] Donde: -Marte
abre el templo de Jano, y sale con su espada ensangrentada amenazando a
todos los pueblos, [130] Dada la cualidad católica de Flandes. Una Flandes católica que nunca perdió los valores trascendentales, y que nunca se economizó y comercializó tanto como Holanda. [131] Hoy en el Museo Frans Hals de Haarlem. [132] Eso sí, con un matiz de realidad pasajera y fugaz, que crea nostalgia. [133] Hoy en el Museo Metropolitano de New York. [134] Hoy en el Museo Estatal de Arte de Karlsruhe. [135] Hoy en el Museo Rijks de Amsterdam. [136]
Dada la cualidad protestante de Holanda. [137]
De riqueza, comercio... Y es que dentro de la respiración
calvinista, los burgueses se movían mejor que los aristócratas, y tenían
a gala ser la vanguardia del comercio artístico. [138]
Que ofrecían la resistencia de Holanda frente a todo invasor extranjero. [139]
Hoy en el Museo de la Haya. [140]
Hoy en el Museo Rijks de Ámsterdam,
sobre la milicia ciudadana. [141] Hoy en el Museo Kenwood de Londres. [142] Y el que sigue ejerciendo mayor influencia en el arte francés actual del s. XXI. [143] Salvo cuando fue requerido por el cardenal RICHELIEU para pintar en la corte de LUIS XIII DE FRANCIA. |